王國韓國影評

㈠ 歌劇魅影影評

《那份莫名的真愛 》

看完安德魯·韋伯同名歌劇改編的《歌劇魅影》，恐怕很多人都會犯疑：克里斯汀到底愛誰。盡管艾米· 羅森的表演起初就讓人感到這位美麗的女主角不僅單純，而且幼稚，呆滯，毫無思考和防備能力，此外，她總終選擇並與之高飛的年輕子爵，又缺乏大腦和吸引力，我們還是在這充滿激情又早知結局的影片中獲得了音樂和視覺震撼，一同參與了這個驚心動魄的三角戀。

（歌劇院的輝煌時代，其中minnie driver的浮誇表演堪稱一絕，其右是首席男高音，其左是幽靈鄙視的不懂藝術只懂錢的老闆們。）

（帶幽靈和克里斯汀進入歌劇院的善良女士，全劇最懂幽靈的女人。） 雖然克里斯汀常常緊張地呢喃自己逃不出「他」的手心，她有多麼害怕「他」，可這個丑面的幽靈依舊是她的「音樂天使」，他致命的吸引力依舊像磁石一樣對她一呼即應……克里斯汀是個幼年即被帶到歌劇院長大的孤女——請注意，她這身世和幽靈很相似，因而他們的生活視野也相同，甚至將他們帶入此地的是同一位善良女士。她對雙親的回憶，僅停留在父親臨終所言：走後將帶給她一個「音樂天使」。而這個天使，正如她虔誠相信的，真的降臨了，像父親一般陪伴她成長。她美麗，孤獨，又脆弱，唯一能與她心靈交映的，就是這個可以在她頭腦里一直歌唱的看不見的「天使」。那聲音充滿男性魅力和野性誘惑，教會了她歌唱，滿足了她戀父情結的釋放，也控制了她的思維。而她對「天使」的幻想如此美好，神秘，信任，毫無防備，近乎愛戀。當幽靈第一次現身，她獃獃著跟隨他，幾乎是被他的音樂催眠到那個夜之音樂的王國去的——幽靈也只是普通人類，沒有魔法，因此那種催眠必須有少女本人的參與才可能完成。這陌生男人溫柔的觸摸讓她像貓一般順從和迷醉……當她醒來看到那個正在寫作音樂的男人，她本能地——只有跟他在一起，她不用考慮該做什麼，不該做什麼——溫柔地撫摸他的臉，直到她的好奇打開了潘多拉魔盒——那遮蓋丑臉的面具……一切幻想破滅了，她的眼裡充滿恐懼，憐憫，淚水，和情感，就像陀思妥耶夫斯基的梅什金公爵看見那個被侮辱的納斯塔西婭的面容，而這僅僅是一段註定之悲劇的開始。此時她已意識到，這個醜陋男人的聲音能直達她的靈魂，讓甜美悠揚的音樂使她靈魂飛翔，白日里，睡夢中，無時無刻伴隨著她……

（幽靈與克里斯汀的首次約會，合唱著名的the phantom of the opera。）

（打開了魔盒的潘多拉，被幽靈的真貌嚇成這樣……） 在這段關系的另一面，我們想想這個生來連母親都懼怕、厭惡他的醜陋孩子，他受盡凌辱，奮起反抗殺死惡人，藏身到歌劇院地下室，在孤獨、痛苦、絕望、仇恨中獨自成長，直到他聽到一個同樣孤寂的小女孩的聲音，他的音樂天才被激發了，他找到了代替自己的形體，找到了能讓他的音樂飛揚的歌聲，在黑暗中悄悄盼望著的美終於有了依託，她也是他的「音樂天使」，是他在世上所擁有的唯一美好的東西。克里斯汀與別人戀愛後，背叛感，失落感和對人間的積怨令他發狂。仇恨本就能使人爆發出巨大的毀滅力量，更何況一個生命力超強的天才。除了耳聽歌劇他沒受過別的教育，也沒在任何瑣事中拋撒過天才，對這個幾乎是自然物的人而言，道德和社會的約束毫無效力，而童年的慘痛和絕妙的悟性造就了他諳熟人性的聰慧和冷酷，絕望和強力又造就了他的佔有欲。音樂曾是他表達原始力量的唯一途徑，他對美和生活強烈的渴望，從他所作的莫扎特式的喜歌劇和震撼人心的《唐璜》可窺見一斑。一旦人性的面具被打破，他與生俱來的狂野生命力轉化成給他人及整個歌劇院帶來災難的瘋狂力量。他的歌聲激越高亢，略帶沙啞，完全是靈魂色彩的直接投射。越絕望的人越是瘋狂，黑暗的地獄里唯一光明的離去是他無法忍受的，而他更無法忍受的是現實的諷刺：他教給了她飛揚的歌聲，這一勝利卻征服了另一個男人的心，換句話說，是他自己造就了他們的愛。 （幽靈的地下宮殿和工作台，注意旁邊被蒙上的鏡子，鏡子是可怕的。）

（初次約會的迷醉，靠音樂、聲音調情無敵） （「唐璜」大人怎能忍受這種形體代表他創作的夢幻，要他減肥的警告不只是警告。） 這個所謂第三者是什麼樣的人？英俊，富有，有地位，有人緣，天真無知（因為他的生活不需要費心機），幾乎擁有為世俗世界所艷羨、幽靈卻沒有的一切。這位子爵的歌聲從頭到尾都四平八穩，倒是頗能安撫一顆充滿恐懼又被不合理激情所擾亂的單純少女心。對克里斯汀而言，他就是白天，是夏日的陽光（演員的柔亮金發很符合角色性格），如他所承諾的，是避難所。而這個天下無數女人都會選擇的理想丈夫，也同許多好丈夫一樣，其實並不懂得也不真的關心愛人內心深處的慾望，靈性，原始生命。缺乏想像力的他，起初居然對她不停害怕的幽靈——也是音樂天使毫不相信，以為只是小姑娘的幻想，更以他騎士精神的盲目自大幻想能保護愛人——在知道那危險到底是什麼之前。雖沒有幽靈那般強烈，他同樣願意並欣然要求克里斯汀同他思維一致，這在他首次邀請她約會時就已暴露，無怪乎幽靈說他是「傲慢小子」，「無知蠢貨」。

（為救回心愛的人，勇敢到這個地步，還是很值得稱贊的。） 而這首次約會自然會被幽靈破壞成前文已描繪過的自己的首次約會，克里斯汀對青年的約會請求不知拒絕還是接受，居然要請示她父親般的天使，相反，這脆弱的靈魂對天使的任何一次邀請都毫無招架之力。這個三角戀的內在沖突與激烈也正在於此。她無論戀愛還是訂婚，都有背叛感——無愛，何來背叛？她感到迷惘時，只能獨自走向父親的墓前尋求不可能存在的安慰，她口裡唱著要怎樣忘記過去，其實是不知如何忘記天使，面對新生活。她恐懼的人，正是她認為可以趕走這種恐懼的保護人，真夠矛盾的，父親的遺言使她相信這天使的存在應是她的至福，父親與天使合為了一體，也使她對自己匪夷所思的愛感到一絲心安。然而愛情就是愛情，是抑制不了的力量——「我的頭腦在拒絕你，靈魂卻順從你」。劇中也幾次出現，他倆對視時，那種激情即將爆發的戰栗——就像《呼嘯山莊》里凱瑟琳與希斯克里夫的對視。

（迷惘的少女要向亡父求助，問題是，你去拜祭亡父，幹嘛捧這么艷一束紅玫瑰？） 劇中多次出現三人鼎立之局，最有表現力的，當然是最後兩場高潮，讓觀眾過足戲癮的同時，觸摸到他們的內心。首先是克里斯汀在舞台上等待「唐璜」出場，憑多年的共處，她應該從他唱的第一個音符就聽出，來者是她的音樂天使，所以之後在大庭廣眾下投入的歌唱和表演，就很難說不是內心在正當理由下肆無忌憚的展現。天使的歌聲調動起她靈魂深處的性感和渴望，完成了他對她的歌唱藝術最後的點撥，她的聲音和動作也前所未有地充滿野性，他的觸摸也依然使她忘乎所以地迷醉，那一刻，他們真的「跨越了無歸路的起點」，她完全忘記了未婚夫的存在，而他正在側台默默注視著一切，眼裡閃著淚光……克里斯汀是清醒的，否則不會突然撕去他的面具，嚇壞了已陶醉得寂靜無聲的人群，自己卻無比憐愛地看著他。 （她本是他們誘捕幽靈的圈套中的誘餌，可這誘餌很快就要被某人的聲音拐走。） （「唐璜」一出場，就變成這個效果了……） 是的，她已經不怕那張臉了，她不安的，是他殺人不眨眼的心，扭曲的靈魂，她理解並深深同情的靈魂——她從不曾試著去了解未婚夫的靈魂——這個自卑又驕傲的靈魂，在最後那場大戲里，其實已贏得了這場愛情戰爭，他要姑娘在她愛人的生命和愛自己之間做出選擇，青年絕望地說，如果你說愛他，我會心碎——若不知事實，又怎會心碎？流淚的姑娘在此刻依然喚他「音樂天使」，並吻了這個她的真心其實渴望已久的人，兩次，而且帶著半點微笑，這大概又是正當理由下的真心袒露。而她的吻，喚醒了幽靈內心深處的善、愛情的理智面，他笑著流淚，做出最痛苦的抉擇：放棄強迫克里斯汀跟自己待在永無天日的地窖與音樂度日的狂想——過去，或許他還能做個秘密情人，傾聽並幫助愛人歌唱他的音樂，而今，他已成眾矢之的，更無安身之處，而且無論怎樣，和他在一起，她永遠只屬於這個小小的音樂王國，失去自由，他無法給她任何意義的幸福，除了「真正的美」。最終，克里斯汀一邊回眸，一邊走向他所成全的幸福，而他，失去了能令他的音樂飛揚的唯一的聲音，只能在更深更寂靜的地下了此殘生。 （最後的回眸，從此永別。） 再來看克里斯汀的選擇。明知接受天使，自己並不會受傷害，那她怕的到底是什麼呢？如她所言，是永無休止地聽到他的音樂在心中唱響。音樂是所有原始藝術中最有表現力，最能激發內心激情、靈魂渴望的藝術。幽靈對她而言，是夜晚，是非理性的力量，已超越了一般意義的肉或靈的吸引，是席捲一切的酒神狂熱。選擇他，就是選擇淹沒在他強大的性格中，並永遠沉浸於藝術和激情這條「無歸路」。那是一種充滿毀滅感的愛。不是所有女人都像杜拉斯的人物那樣視毀滅為愛情的必修，她有權利選擇一段安全、世俗、正常的愛情，像絕大部分女人一樣。 （幸福的一對，和諧的一對。） 若幽靈擁有常人一樣的臉和經歷，是否就一定能幸福？也許他除了「夜之歌」，還能寫「日之歌」，也許不再如此純粹地愛一個人……看看人間的天才，貝多芬的命運又如何？是否無人能匹配天使？ （假面舞會：同是面具，有人靠它生存，有人用來開party；同是音樂，有人寄託了所有夢幻和情感，有人享用了人家的心血卻當人家是鬼。） 子爵和夫人又是否過上了幸福生活？毫無疑問，她一定放棄了歌劇生涯，可每當她唱起歌來，難道不會想起那段舊日戀情？那父親般的音樂天使？影片給了我們很大的想像空間。劇院已破敗，青年已成老叟，他得到幽靈的小猴音樂盒，並將其供奉在亡妻墓前，心願已了般輕嘆一口氣，這是他的心願，還是她的遺言？有一點可以肯定，她從未忘記過她的天使，當丈夫看到墓邊居然停放著一朵綁著黑絲帶的紅玫瑰——那是幽靈愛情的信物，只是多套了枚幽靈曾打算送她的結婚鑽戒，丈夫並不感到特別吃驚，觀眾看到了他的成熟和對愛妻真正的理解。時光已老，玫瑰依然紅。

《你可以不知道這部劇，但你不能不知道這首歌》

有些歌是可以聽一輩子的，即使關於它的所有影像記憶都已模糊甚至褪去，但這些旋律總會讓我們不斷地經歷那些似曾相識的感動……

1、Overture-Hannibal
這是經典音樂劇《歌劇魅影》（The Phantom of the Opera）的序曲，是音樂劇大家安德魯·洛伊德·韋伯的代表作。從1986年10月9日在倫敦的女王劇院首映開始，《歌劇魅影》在全球取得了超過32億美元的令人生畏的票房，該劇講述了一個發生在十九世紀在法國巴黎歌劇院里的愛情故事。
一個毀容的音樂天才，歌劇院幽靈在巴黎歌劇院的地下墓穴里神出鬼沒，還經常出來鬧一鬧鬼。當他愛上了可愛的年輕女演員Christine之後，歌劇院幽靈決定不遺餘力的把Christine打造成為一位耀眼的明星。 但是一位年輕的子爵Raoul在看過Christine的表演之後也一見傾心，Christine對Raoul也很有好感，兩個人相愛了，更偷偷的訂了婚。而後來知道真相的歌劇院幽靈怒不可遏，他強烈的控制欲，對Christine強烈的愛讓他認為自己受了欺騙。於是在這一對戀人和一個歌劇院幽靈之間，復雜的關系和強烈的感情徹底的改變了他們三個的命運……
從1911年起，這個故事有無數的銀幕版本，僅中國就以《夜半歌聲》的名字被三次搬上銀幕，包括張國榮那一版。最近的一次是2004年，美國導演Joel Schumacher攜手安德魯·勞伊德·韋伯翻拍的《歌劇魅影》，這首名為Hannibal的序曲再次奏響。
這首序曲是這部音樂劇中最著名的一首歌曲，旋律激昂優美，氣勢恢宏，讓人百聽不厭。最早的音樂劇中的女聲演唱者是韋伯的前妻，著名的通俗美聲跨界歌手Sarah Brightman 。下面再來領略一下莎拉姐的天籟之音，注意和她配唱的是好萊塢拉丁酷哥Antonio Banderas 。
好萊塢的演員中有幾個有百老匯底子的，Antonio Banderas就是一個（他還出演過麥當娜版本的《貝隆夫人》），其他的還有Kevin Spacey、John Travolta等等，以後我們應該都會慢慢說到。
在首歌在西方的影響極大，多年來被音樂人以各種方式致敬著，這裡面我最喜歡的還有一版是Nightwish的現場演出版本，這支來自芬蘭的美聲金屬樂隊以他們華麗、詭異、暗黑、瘋狂至歇斯底里的哥特風格將這一傳世名曲提升到一個新的層次。也難怪當主唱Tarja的聲音伴著旋律一響起，下面有的觀眾便痛苦失聲了。

2、Don't Cry For Me Argentina
出自音樂劇《貝隆夫人》（Evita），同樣是韋伯的作品。劇中主角艾薇塔是阿根廷國母，但飽受爭議，有人罵她是白骨精、野心家，把大量國家財物占為己有。她出身卑微，當過小明星，踩著男人往上爬，直至結識胡安·貝隆，最終成為第一夫人。
麥當娜恐怕到死都要感謝《貝隆夫人》的導演Alan Parker，正是這部電影讓人們認識到麥姐不是僅僅作為一個性感符號存在的，而且她也終於堂而皇之地有了麥當娜版本的Don't Cry For Me Argentina 。
雖然麥當娜的這個版本是最有名的Don't Cry For Me Argentina，當我覺得她把這首歌給唱俗了，過於柔情主義的處理磨滅了艾薇塔身上的柔韌氣質，我們來看看音樂劇中艾薇塔的扮演者，來自倫敦西區的國寶級演員Elaine Paige是如何演繹這首歌曲的。在這段視頻裡面，Elaine Paige已經52歲了，完美的唱功和歲月的積淀讓她更加迷人了。
作為一首經典歌曲，我們經常會在不同的場合聽到Don't Cry For Me Argentina，特別是在世界盃期間，這首歌經常會用在這些年悲情氣質日益嚴重的阿根廷足球隊身上。此外，很多歌手也喜歡在自己的演唱會上演唱這首歌，這里我想推薦的是來自我心中的音樂聖地愛爾蘭的另類搖滾女歌手Sinead O'Connor的版本。
Sinead O'Connor一直是我很尊重的一位創作型歌手，她長得極美，但卻不願意過多地關注她的美貌，於是她留起了光頭，遺憾的是這名歌手已經宣布引退，而關於她的逸事實在是很多。她唱歌經常走音，在這段視頻的結尾處也變調了，但這都掩蓋不了她的光芒，她是用心去演繹歌曲的，一點瑕疵反而會讓這個聖女更真實一些。

3、Memory
這應該是最著名的音樂劇選曲了，出自同樣的韋伯製作的《貓》，是根據T·S·艾略特（T. S. Eliot）的詩集 《老負鼠講講世上的貓》譜曲的音樂歌舞劇。自從在1981年倫敦首場演出之後，《貓》已成為世界上票房最高的舞台劇，也是在美國紐約百老匯和倫敦西街連續公演最長的舞台劇。
這部音樂劇中最著名的唱段就是那首全世界人耳熟能詳的Memory。這首歌就聽 Elaine Paige的就行了，沒有人能唱過她。
這是一部極富沖擊力的音樂劇，優美的旋律，華麗的群舞，奢華的布景和化妝，極富感染力。前不久還有一個百老匯劇團到北京來演出《貓》，側面了解了一下，都是二線甚至替補演員擔綱的，到中國來演出的國外音樂劇都是如此，誰讓中國的文化市場消費能力不足呢？
下面再來聽一個激情澎湃的Memory，演唱者是澳大利亞流行小天後Tina Arena 和法國歌手Patrick Fiori。Tina Arena因演唱悉尼奧運會主題歌而成名，而Patrick Fiori曾出演過我最喜歡的音樂劇《巴黎聖母院》里的菲比斯。他們合唱的Memory做了比較大的改動，帶給人全新的感受，我覺得在眾多版本中是最值得一聽的。

《歌劇不再，魅影永存》

第一次接觸《歌劇魅影》這個故事，是在初中小城圖書館的「外國文學」書架上，那個年代的書都用牛皮紙包住書皮，封面上只有用鋼筆手寫的書名和作者名，讓人很容易錯過一本好書。在那個讀書不求甚解的年紀，歌劇魅影對我來說只是一個充滿異國風情的驚險故事而已，甚至作者的名字我都已經記不得了，尚能記得的只有故事裡奇幻的鏡之屋而已。後來才知道，《歌劇魅影》是一本由法國作家卡斯頓·勒胡所撰著的愛情驚悚小說，法文版原著在1910年時出版，1911年時首度被翻譯成英文版。故事中以19世紀時法國巴黎的加尼葉歌劇院（Opera Garnier）作為舞台，描述一個年輕的女歌劇演員、一個年輕貴族與一個躲藏在歌劇院地底的怪人（魅影）之間的愛恨情仇。
第二次聽說《歌劇魅影》是在十多年以後。那時剛剛感受完韋博音樂劇《貓》的震撼，捎帶也只離破碎地聽了幾段音樂劇版《歌劇魅影》的唱段，至今仍記得莎拉·布萊曼《歌劇魅影》那著了魔般的眼神，也還記得安東尼奧·班得拉斯飾演的那帥得男女通殺的魅影，但《歌劇魅影》的完整故事我仍沒有一個清晰的概念。
第三次感受《歌劇魅影》是美國導演喬爾·舒馬赫執導的電影版。改編音樂劇，特別是改編百老匯演了十幾年的經典劇目，絕對不是件容易的事情。音樂劇那種演員在舞台上的爆發力，舞美高度聚焦的表現力和演員表演的連貫性和看電影完全不同。看過戲劇的朋友都知道，在戲里，我們很容易被念白感動，而在電影里，往往是一個人或物的特寫，或是一個長鏡頭，會讓我們淚流滿面。就像歌劇魅影片尾那朵伴著戒指的紅玫瑰一樣。不同的藝術形式，表現力和表現方式也各有不同，電影版《歌劇魅影》無疑很好地用好了電影特有的表現方式，讓電影既嚴格地尊重了原作，又具有了自己獨有的表現力，這也是導演舒馬赫聰明和高明的地方。
一位中央美院的朋友曾經說過，設計師不是藝術家，藝術帶有情緒，而且越強烈越好，往往越是和生活決絕的藝術家，他們的作品往往越具備打動人心的力量。所以一隻耳朵的梵高感動了無數人，而晚年忙於政務的歌德就沒什麼像樣的作品。魅影無疑可算是一位藝術家，而且貫穿多個領域，資質非常高。他同整個世界的不妥協讓這個角色有一種金庸小說里黃老邪般的魅力，也讓他對女主角克里斯汀的熾熱愛情顯得越發動人。
問題是，看完電影的人都會問，克里斯汀到底愛誰啊？導演肯定也想過這個問題，所以他在片子里留下了幾處線索。
伯爵對克里斯汀的愛情很容易解讀，那就是正常的，或者說甚至有些單調的愛情，從片子里他隱忍克制的唱腔就可以感覺得到。魅影的愛就像他在假面舞會時穿的那身紅衣一樣，熾熱得像一團火。這種偏執狂般的愛充滿了佔有欲和控制欲，而且絕對容不得半點雜質（不過這就是愛情的特質么......）就像偶老婆說的，很少有女人能抵擋這種愛，但也很少有人能一輩子承受這樣的愛。克里斯汀的愛就要復雜一些，對魅影的愛，以崇拜仰慕開始，卻以憐憫和慈悲結束。要理解她對男爵的愛很簡單，但要理解她對魅影的愛很難，導演意識到了這個軟肋，所以在片中已經有了暗示。克里斯汀第一次聽到魅影聲音的密室，是在一幅聖母像前，旁邊的窗子圖案亦有宗教的意味。而片尾魅影在克里斯汀父親墓里用聲音蠱惑她時，她看到的畫面——或者說導演讓觀眾看到的畫面，是墓里的十字架圖案。導演讓克里斯汀對魅影的感情先以盲目崇拜開始，最後以基督教徒殉教的意味結束，這樣自然也讓演技不是很理想的女主角的表演動機有了那麼一些深度。
其實如果再挖深些，克里斯汀（Christine）的詞根來自希臘，是「基督徒」的意思。不知道是韋伯有意為之還是卡斯頓·勒胡的靈光一現，這個名字也給了電影版的導演舒馬赫一個讓電影更加嚴謹的啟示。
片尾的玫瑰讓人唏噓，哪怕是恆久遠的鑽石，在時間的長河裡一樣會消磨不見，更何況脆弱的花朵？花朵會隨風而逝，劇院也遲早成為瓦礫，但真摯的情感永遠會鮮活地存在於人們的心中，不會變。
還是用我喜歡的威爾斯小說《時間機器》的最後來結尾吧：「……對我來說，未來仍然是黑越越的，蒼茫的，是一個巨大的未知數，只有偶然的幾處被他那難忘故事所照亮。我聊以自慰的是，我這里有兩朵奇異的白花——現已枯萎發黃，干癟變脆——它們可以證明，即便在心智和體力消逝的時候，感激之情和相互的溫存仍然活在人類的心中。」

㈡ 電影和平飯店影評

影評：

沉睡了千年的身體

從腐枝枯葉里蘇醒

是夜鶯凄涼的嘆息

解開咒語

遺忘的劍被誰封印

追隨著簫聲和馬蹄

找到你

最光榮的犧牲

是英雄的宿命

揮劍的瞬間心卻在哭泣...

《和平飯店》，了解一點發哥的人不會陌生，了解一點吳宇森的人也不會陌生，了解一點香港槍戰片歷史的人也不會陌生，還有像我舅舅們這輩跟著Beatles、吉他、蛤蟆鏡、喇叭褲長大的人也不會陌生。

倒是我這樣的80初文藝女青年，久聞其名卻不曾有看它的沖動。

看多了影評，就知道，當男主角英姿綽綽地出現，鏡頭放慢，突見白鴿飛過，或駐足，那一定是吳叔叔的電影。而發哥廣為流傳的長風衣轉身拔槍四射的經典動作，也是吳叔叔所為。這是我作為資深影評迷對這對組合僅有的了解。

開頭，黑白畫面，畫外音講述著十年前發哥的一場殺戮。旁白很長，且措辭縹緲：王家衛。

畫面轉入十年後，大漠里一座孤零零的和平飯店，從著裝到布景，都是灰黃色調：新龍門客棧！

片中兩名重要女性角色由我喜歡的兩位女星出演，葉童和吳倩蓮。

放在嘴裡玩味這兩個人的名字，忽然讓我想明白很多。一直以來，總覺得當下的中國影壇，能稱得上「影星」的人不多。看著一個個小女孩在熒幕前上竄下跳，真是著急上火。以前，給自己的解釋是，出現了斷層，而且問題在於「教育」，是學院和導演沒有塑造好現在的演員。

現在，我卻覺得，斷層的出現是演藝圈（台灣叫藝能界）對優秀演員的埋沒和迅速遺忘，而且帶有一種故意。誰知道那個黑箱里是什麼？

吳倩蓮，近十年來不得志。很多人說，吳倩蓮差的是運氣。我看不明白。她的那麼多部經典，難道當導演的都看不見？

葉童，十年前，在關錦鵬那裡和張曼玉合作《阮玲玉》，那時，她是和張一樣炙手可熱的新生代。而她在最輝煌的時日嫁做人妻，甩甩手，瀟灑落拓。

事到如今，才惹得張曼玉一人在影後的山頂上寂寞難耐。

我想說，葉童在《和平飯店》里絲毫不遜色於《新龍門客棧》的張曼玉。

要說角色的鮮明度，張曼玉的風騷老闆娘看起來比葉童兼具風塵女子、陷進誘餌、滿口謊言的歌女，似乎好把握一些。

葉童的可塑性，從她稜角分明的臉上有李宇春的帥氣，可以試演Leisbine里的T，到寬額頭高顴骨尖下巴、潘金蓮似的舊式妖嬈。其實，有幾部台灣導演的小製作裡面就有她的身影。

如果，王家衛和葉童合作，她也可以在老上海的影子里曼妙，也絕對地道。

很多人說，看不懂《和平飯店》想說什麼。

十年後的那場殺戮是還十年前看到白鴿的那一念慈悲。十年前放生的人，十年後還是要親手殺死。做了惡事躲到和平飯店來的人，出了和平飯店就會有仇家找上門，不管事隔多久。十年，就是這樣宿命輪回。

「世上沒有和平飯店！」「和平飯店是最大的謊言！」

這兩句反復出現的台詞，讓我想到最近網上流行的《黑社會》里的那句經典：出來混，是要還的。

(2)王國韓國影評擴展閱讀：

《和平飯店》是韋家輝執導，周潤發等主演的劇情片。

該片講述了殺人王（周潤發飾），傳聞他十年前，被兄弟背叛他一氣之下殺光了堂口裡的所有人，他從此立刀為界開了一家和平飯店 並且宣稱和平飯店是一個「避難所」，只要進來住宿的人，無論他得罪了什麼幫派，都不許前來挑釁生事，但不保證離開後的安全。歌女阿曼（葉童 飾）的到來打破了這個江湖規矩，開始了新的冒險。

參考來源：

網路：和平飯店

㈢ 《肖申客的救贖》的影評

現實的神話－－看「肖申克的救贖」

望是人類最美好的擁有, 只要自己不放棄, 希望就會永遠相伴相隨。安迪很認真地對幾個好友說出這樣的話, 換來瑞的沉默, 許久, 他才開口, 希望是危險的東西, 是精神苦悶的根源。然後, 瑞沒有再抬頭看安迪一眼, 他離開了飯桌, 安迪則靜靜地目送他離開。鏡頭上搖, 看見鐵窗外悠藍的天空……

「肖申克的救贖」有名「刺激95」 是佛藍克．達拉邦特的作品, 講述了一個在名為沙堡的監獄, 安迪是怎麼自我救贖以及怎樣幫助朋友們找到精神家園的故事。

因為被誣告謀殺自己的妻子和妻子的情人, 安迪被法庭宣判終生監禁, 影片很巧妙地使法庭上的宣判閃回一連串謀殺當晚的情景, 喝地大醉的安迪和他那雙暗夜裡充滿仇恨的藍色眼睛, 他的手槍一直握在手中, 但是, 最終還是放了回去……極其充滿諷刺意味的是, 鏡頭明確地告訴我們, 安迪沒有殺人, 而法庭卻因為對方律師一系列有力的假設般的推理, 對一個年輕有為的銀行家處以無期徒刑, 這對他的事業和未來無疑是判處了死刑。

當安迪在其他囚犯的帶有挑逗意味的喊叫聲中, 走出囚車時, 他的眼底竟然沒有任何意識, 像是靈魂被抽空了一般。走在人群中安迪的孤獨氣質很快便吸引了老囚犯瑞, 他和其他朋友打賭, 他說, 今夜, 第一個哭出聲的就是這個高個子。然而, 安迪的沉默讓他輸了兩包香煙, 但是瑞卻開始在心裡對安迪有了一種特殊的感覺, 是一種想進一步了解他。自此, 影片由鏡頭的客觀視角轉而成為瑞的主觀視角, 攝影機成了瑞的眼睛, 瑞的獨白……

第一次, 安迪和瑞的對話是, 請瑞為他在外面買一個手錐。瑞用懷疑的眼睛看著他, 安迪解釋說, 他只是為了消磨時間而想雕刻石頭罷了。於是, 安迪得到了那把手錐, 沒有人對安迪的動機表示懷疑, 因為用瑞的話來說, 用那個來挖洞估計要六百年才行。然後的一次義工中, 安迪運用自己的聰明才智為每個做義工的囚犯爭取來了每天早上10點鍾在天台上喝冰啤酒的待遇。於是, 當10點的太陽照在他們疲憊的身體上的時候, 他們圍坐在一起, 喝著可口的啤酒, 就像在自家的天台上修理一樣自在。而, 安迪卻只是坐在遠處帶著一點笑意的看著他們， 似乎是他來到沙堡的第一次的笑容。之後, 監獄長利用安迪的學識為他洗黑錢, 為此安迪被調到輕松的圖書館工作。安迪看到圖書陳舊, 書目很少, 便每一周寫兩封信去相議員請求增加書目。在他堅持不懈的努力下, 議員終於寄來了撥款；安迪也許永遠忘不了處見沙堡時候片刻窒息的感覺, 攝影師羅傑．迪金司沒有過多的買弄花哨的鏡頭, 他只是嫻熟地用了兩個鏡頭, 一個是從監獄門的上空大俯拍, 一個是從監獄門的下面往上仰拍, 兩個鏡頭很快地重疊, 再分開, 變形的門和由內而外的透視監獄的全貌, 扭曲的世界預示著安迪將來的命運, 與其有異曲同工之妙的是國內導演張意謀的「大紅燈籠高高掛」中的頌蓮提著箱子無住的站在門口, 整個畫面的構圖就是一個很大的口字, 似乎要將她整個熱門內吞進去一般。

影片的畫面採用的多是四分之一側面, 在人物特寫出現時多用灰色, 黑色的色調, 強調出沙堡的抑鬱和獄警沒有人味的事實。片名「申肖克的救贖」, 其實是指安迪在沙堡所做的一切, 即使因為洗黑錢, 安迪得到了比其他囚犯好的多的待遇, 但是， 他依然知道那些所謂的正人君子, 那些把聖經掛在嘴邊的監獄長和獄警們, 只是在利用他干著黑暗的勾當, 他看得很清楚, 這一切, 從他第一天進來, 看見保式懷里的那隻小小的渡鴉時, 他就在渴望自由, 他從未想過放棄對自由的嚮往, 自由是是什麼?是, 沙堡的牆外那片藍得近乎於透明的天空 ；是, 安迪一個人獨處時, 幻想太平洋那片湛藍色的博大海水時凝神的雙眼中所透射出的憂郁；是, 陽光下幾個囚犯圍坐在天台上喝啤酒的情景；是，保式將他養了很久的傑放飛的那一刻, 遙望囚窗的傷感；是, 初春的午後, 陽光普照下, 公園里保式喂鴿子時, 想念傑時溫存的笑容；是, 飄散在沙堡上空「費加羅的婚禮」；是，陽光下, 囚犯們圍坐在天台上享受冰啤酒的舒爽；是, 大雨中, 安迪向天空伸出雙手的激情；還是, 海灘邊, 瑞向他緩緩走來? 也許, 一切只是為了獲取自由, 人與人之間對於自由的渴望是平等的, 並不會因為囚犯而有所減少。正如瑞在最後對檢察人員所說的, 我真是很想和我的過去說話, 和那個什麼都不懂的小孩子說說話……無盡的滄桑都包涵在這樣的積聚簡單的話中但是卻可以直指人心。

安迪選擇的生活是跳出來, 使自己不被沙褒內殘暴的制度所麻木, 變得對它依賴, 被它侵蝕, 他一直過著隱忍, 置身與度外的生活中, 身體雖然被囚禁了， 但是靈魂深處對於自由的嚮往卻沒有因為時間的流逝而改變。他在這種鈍重而又疼痛的選擇中證明了人之所以成為人的特質。

最難能可貴的是, 安迪不但要對與自己進行救贖, 當他眼看著周圍的對沙堡的生活越來越依賴, 甚至於對於重獲自由變的麻木的時候, 他想盡一切辦法幫助他們， 喚醒他們沉睡地靈魂。為此他一周兩封信寫到議院請求擴建圖書館, 他冒險通過廣播播放歌劇, 雖然聽得懂的人很少， 但是那奇妙的歌聲卻是那麼美妙, 把每個人心中的夢想都放飛了出來。他通過自己一些看似以卵擊石的行動, 一次又一次地撞擊著沙堡的殘酷制度, 摧毀著獄頭所謂的命運掌握在他的手中這一說法。

他向所有人述說著一個不變的真理, 自由就是在陽光下自由的呼吸, 於是, 他用了19年的時間, 挖開了常人幾乎要挖600年的隧道, 他在500尺的糞坑中匍匐前進, 地獄和天堂只有一線之隔, 於是, 在對那一片悠藍的天空和大海的嚮往下, 安迪終於重獲自由, 並且懲罰了有罪的獄頭等人。他創造了一個現代的神話。

影片中幾乎沒有提到愛情, 講述最多的是人與人之間的友情。安迪和瑞, 兩個默契的朋友, 當瑞接過瑞送給的口琴時, 雙手的請顫, 和安迪在入獄十年後接受一份來自瑞的海報時, 眼底漾起的溫情, 都是想冬天的陽光一樣溫暖的友情。他們在默默地彼此關注著, 即使安迪自己得以逃脫, 他也沒有忘記好友的未來, 他在橡樹下的信, 將瑞最終帶到了他的身邊, 同樣在一片湛藍的沒有記憶的海水中笑著……

重溫《肖申克的救贖》

這是一部比較早的片子了，我已經看過挺多遍，但仍忍不住又重溫一遍，而且 每 一次都能被影片本身打動，可能是片中反映的兩種人類美好的感情：自由與友誼

自由是什麼，就是能在陽光下悠閑自得的呼吸。對於我們而言，它就想空氣， 平常的讓你根本不去想失去它會怎樣，但是自由對於那些高牆內的囚徒，尤其是 那些註定一輩子都要呆在那裡的人們又是都么珍貴而又遙不可及的幸福。安迪最 後逃出鯊堡，是什麼實現了對他的救贖？可能是他心中對自由的渴望，是希望的 存在吧！所有人都被體制化了，從一開始憎恨這兒，到習慣這兒，最後到依賴這 兒，這就造成了老布的悲劇，在這個殘酷的地方，人們到底應該信仰什麼？像監 獄長說的那樣？---我堅信兩件事情，一為管訓，一為聖經，你們兩樣都少不了， 在這里你把信仰交給神，把命交給我們。可是囚徒門能依靠從而得到救贖嗎？首 先，作為司法（管訓），它對於安迪是不公正的，因為誤判而入獄，而做為司法 象徵的監獄長為了繼續讓安迪留下為他洗錢而槍殺了湯米，在這個司法機器內， 人命如草芥，法律不能作到真正意義上的公平。其次，聖經（宗教）能解決什麼 讓人精神有所寄託，丟肉體的折磨更加麻木？它並不能解決實際問題，作為基督 徒的獄警毒打犯人致死，他們在一定程度上犯有「瀆神罪」。而監獄長則更厚顏 無恥地標榜自己是人們的「救星」，可笑的是，他妻子在教堂為他綉的標有「主 的審判迅速降臨」的掛毯後面居然是他藏洗錢證據的地方，也是對他這種偽教徒 的嘲諷，而這塊掛毯也成了他最後結局的一種預示，而當安迪明白兩者都不能為 他帶來自由後，他只能依靠自己，憑著對於自由夢想和信仰，最後實現了對自己 的救贖。而他在獄中的努力，也表現了他並不認命，不妥協於現狀，越是努力一 點，就越覺得向自由邁近了一步，至少是自己心中的自由。
自由是什麼？
1. 高牆內囚徒頭上的那片藍天
2. 安迪時常流露出希望和純凈的蘭色眼睛
3. 陽光下，囚徒們坐在屋頂上喝啤酒的景象
----於是呢，在完工前一天，四九年春的公差犯人，在早上十點坐成一堆，
喝著冰涼的啤酒……陽光撒肩頭，彷彿自由人。象在修繕自家屋頂，我們象是造物主一樣自在，安迪呢？他窩在涼蔭下，臉上掛著奇怪的微笑，看者我們喝他的酒，你可說，他想拍獄長的馬屁，或博取囚犯的友誼，我只認為他想重溫自由，那怕一剎那
4. 老布飼養的小傑從窗口飛走時
5. 監獄上空飄揚著「費加羅的婚禮」
----我從未搞懂他們唱什麼，其實我也不想搞懂，此時無言勝有言。她們唱出難以言傳的美，美得令你心碎，歌聲直竄雲端，超越失意囚徒的夢想，宛如小鳥飛進牢房，使石牆消失無蹤，就在這一瞬間，鯊堡眾囚彷彿重獲自由
6. 安迪在閃電中向天空伸出雙臂
7. 碧海．藍天．小舟不要相信任何東西，只有信賴自己；可以放棄任何東西，惟獨不能喪失希望。

整部片子幾乎沒有愛情（如果安迪對妻子的回憶算是愛的話），只有男人間的友情，而且是發生在監獄這樣一個環境中，相比外面的世界，這里的友誼或許 要更純粹更干凈，沒有雜質。從安迪的朋友身上我們可以看到人性善良的一面， 不管他們過去作過什麼。安迪的朋友阿瑞，總是作為一個清醒的旁觀者出現，總 是用悲天憫人的眼光看待周圍，我覺得這里有兩個人可以稱為智者，一為安迪， 一為阿瑞，而阿瑞則比安迪更為內斂。安迪是因為良好的教育和堅韌的性格，而 阿瑞更多的是與生具來和經歷過很多事情後沉澱下來的智慧，當你仔細體會時， 就會發現他的智慧猶如灑落在沙礫中的金粒一樣爍爍發光。他們的友誼是不是建 立在惺惺相惜的基礎上？我覺得他們是一類人，有親和力，但又謹慎地和周圍保 持距離，清醒面對周圍，同時又有預見性，如果說不同，就是安迪對未來有更多 希望，而且能夠去設法實現，他們之間並不是親密無間，保持距離而又彬彬有禮

中國有句古話：君子之交淡如水。也許這樣的友誼才是最牢固，最持久的。當安 迪在黑暗中凝視他十年慶的禮物，當阿瑞撫摩那管口琴時，你能否感受到兩人之 間的友誼和互相為對方注入的希望？

㈣ 亞瑟和他的迷你王國3 影評

三部曲的電影形式放到現在來看作為「商家榨錢的工具」是給他們最好的定位和總稱謂，因為現在來看它們的作用已經不再像當年一樣為了影片而努力讓其「名垂影史」，反而商業價值比起以前得到了大量的挖掘，模式化的續集也逐漸影響到了一個系列本身本應不錯的質量；繼《亞瑟2》這個不但長且啰嗦的「預告片」以及上映時間貌似錯位了的《阿黛拉》後，我對呂克·貝松的創作能力不得不開始產生一定的懷疑，感覺現在的他已經不是每一部作品都能至少讓我輕松看完的那個導演了，對於《亞瑟》這個作品的第三部續集的選看當時僅是完全為了圖個整體的完整罷了。
的確本系列的第二部給我的印象不是很好，畢竟對於這種前後兩作「搭橋」的缺德手段還是很鄙視的，況且這個答案還是在看完電影後才得以揭曉，所以經歷過被騙的感受後自然而然的對本片在觀看之前就存有一定的所謂「偏見」，但怎麼說這種形式的怨念也影響不到片子的質量，總體印象要是相比前作好歹還是說得過去的。
在我這給多數電影的三部曲作品的印象里是：首部非常用心的打好優秀的底子，續集雖達不到前作的影響和效果但最少能與前作基本搭得上調，最後結尾一部用特效和場面大玩一場，不管不在乎評價，只顧賺了錢收了場就了事閃人。而《亞瑟3》果然還是沒有打破這個個人定義，和所想的差不多，影片對劇情和表演方面看上去沒有進行多大的照顧，功夫和心思全下在了怎麼把可以撐場面戲份合理的穿插進一個偏低齡的作品中，所以即使故事絕大部分時間發生在人類世界卻對特效的使用方面完全沒捨得，可這些越不開雷池半步的小家子氣場面對於能拍出《非常人販》這類偏上品動作片的導演來說應該可以稱得上是敷衍了事了，好在它們的參入看上去不會感覺總體的生硬和不搭，反而配合不溫不火的笑點把其中的稜角磨得很是圓滑。
如果歸類的話，本片只能扔到被陪同觀看的一部分觀眾里，因為綜合《亞瑟3》的水準來看未免有些只照顧孩子這個群體了，而琢磨一下結尾的話它能不能再衍生出續集來也還是個沒准兒的未知，但是就著眼前這部推算一下的話，只想說句「見好就收，差不多得了吧」。

㈤ 《肖恩克的救贖》的影評

在我們自己的現實中，我們註定是自己劇中的主角，而電影給我們一個局外人的機會，所以我們經常喜歡以一個局外人角色從影片中尋找自己、審視自己，總喜歡從電影中尋找生活、審視現實。這一次我看到最多的是體制下的自由和永不熄滅的希望、壓抑下的友誼以及善惡的歸宿。

片中瑞德關於監獄高牆的一番話語發人深省：「剛入獄的時候，你痛恨周圍的高牆；慢慢的，你習慣了生活在其中；最終你會發現，自己不得不依靠它而生存。」監獄就是如此的將一個人徹底改造，獄中計算時間的單位不是日月年，而是以十年為一個計量單位。當看到忽然間歲月已逝，生命的旅程只能以時間為刻度的時候，任何人的希望都會消失殆盡。瑞德曾經告誡安迪：「希望是危險的東西，它是精神苦悶的根源。」然而倔強的安迪始終堅信著希望，沒有一刻不在構築著自己的希望，而且他一直試圖用圖書和音樂重新點燃獄友們的希望。

肖申克就如現實社會的一個縮影，那裡有最廣大的「遵紀守法」的市民，有橫行街市的惡霸，有濫用職權的當道者，有巧取豪奪的投機者，當然有潛伏伺機而發的智者。肖申克中生存體制又如當今社會體制，「痛改前非」的人一次次被重新投入黑暗之中，當權者干著骯臟的勾當卻會在公眾面前宣講「拯救之道」，似乎只有當性格沒有稜角，思想失去火花，被「體制化」的人們習慣逆來順受的時候才可以平安生存。影片中當瑞得「因沒有報告而撒不出一滴尿」時，伴我的不是發笑而是顫栗：體制可怕啊！老布在光明到來時因無法承受陽光的照耀而選擇死亡，那一幕，我看到的不是老布懸掛著的身軀，而是個性與思想的死亡。

「制度化」這三個字最大的含義，或許不是真正的體制，而是我們所依賴的生活習慣。平時，我們依靠習慣生活，也在超越著習慣，但最多可以有限度地實現個人的自由，就象安迪一樣拯救了自己，卻也拯救不了集體。瑞德一直在努力「改過自新」，卻又無助習慣性地生活著，最終在最後的每十年一次的假釋審查時，留給我們一段經典的台詞：

「我沒有一天不在後悔，但並非受懲罰才後悔。我回首前塵往事，那個犯下重罪的小笨蛋。我想和他談談，我試圖講道理，讓他明白什麼是對什麼是錯，但是我辦不到，那個少年早就不見了，只剩下我垂老之軀。」

我想瑞德絕不是對審查者說這番說，而是說給我們芸芸眾生。是啊，生在人世間的你我凡人，在不知不覺中，便會在習慣性的生活狀態中耗費掉自己的生命。很多時候，我們會說：如果能夠回到過去，能夠糾正那些走錯的路、做錯的事、說錯的話，該有多好！如此，我們會面對那些愛錯或沒有愛錯的人，會用所有的激情和真誠再博一次。可是，世上沒有如果，我們無法回到過去。

再次經歷了140分鍾聽覺與視覺的洗禮，沒想到這次依然被感動的差點熱淚盈眶，影片中真摯的情感讓我想起來了社會上流行的「四大鐵」，我想鐵窗肯定應該也算「同過窗的」吧！

《肖申克的救贖》無疑是一部勵志的傑作，影片的一切似乎都在表明：日常生活埋葬著所有的希望和夢想，以及對幸福、自由、友誼和愛情的感知能力。面對挫折、艱難、失敗，是消沉還是奮進，是堅持還是棄守，是偃旗息鼓還是勵精圖治，《肖申克的救贖》給了我們一個明確的答案。

㈥ 貓頭鷹王國的影評

你在寫觀後感嗎？

㈦ 亞瑟和他的迷你王國 影評

畢加索說，每一個孩子都是一個天才，他的畫惟有臨摹孩子的塗鴉。其實每一個人都有童年，只是大多數人深信眼睛長在前面是向前看的，因此選擇了忘記，所以離天才越來越遠。於是尚未喪失天才的人眼見世間人心越來越缺乏浪漫和想像力，不免著急，於是著力，以種種藝術的臨摹重新喚起人們內心深處潛藏的童真。所以曾經說了數次只拍十部電影的呂克·貝松又一次站到了攝影機的後面，以這本電影作為他的收山之作。這一次，他將視角對准了孩童，因為「深信尊重並且珍愛我們每個人內心的兒童世界是一件最基本的事情」，於是有了「亞瑟」奇幻小說系列，於是有了電影《亞瑟和他的迷你王國》。

或許之前在成人世界裡周遊歷險太過疲乏，呂克·貝松輕揮魔術手杖，索性讓這一次的《亞瑟》徹底返老還童，讓兒童成為世界的主宰，搖身一變為拯救一切的小英雄。10歲的亞瑟是個淘氣的男孩子，住在外婆家中，美麗的花園是他發揮智慧才能、擺弄創造發明的樂園，這里還埋藏著幾年前神秘失蹤的外公留下的紅寶石。但好景不長，房地商要搶占外婆的房子，亞瑟必須找到外公的紅寶石。於是他開動腦筋解開外公留下的謎題，打開了月光之門，進入到了一個神奇的微觀世界——迷你墨王國，結識了國王的子女——發明大王貝塔牧許和美麗驍勇的公主賽琳娜，而真正的冒險才剛剛開始。

從一開始，呂克·貝松精心打造的這場冒險就帶著濃郁的好萊塢風情，在一場「愛麗絲漫遊奇境記」式的歷險之後，主人公帶著紅寶石和美人的芳心回到了現實(當然，由於主人公年齡太小，還不能有任何實質性的行動，最多隻能得到公主的芳吻)，然後紅寶石歸外公，公主的芳心則歸自己。這一大團圓結局中的公平分配不免讓人將此亞瑟小子的冒險故事看作一個兒童版的《奪寶奇兵》(最後的結尾是寶物歸政府所有，女人歸瓊斯所有)。有識之士或許據此要戟指大罵呂克的全盤好萊塢化了，但是這位「法國的斯皮爾伯格」卻不會就此承認這是墮落的表現。相反，這一場妙趣橫生的冒險恰恰是每個成人心中嚮往的天地，披起童年那溫情脈脈的外衣，乘著時光旅行機風馳電掣般往回開，一直開到許久許久以前，那時的我們也曾經幻想在現實之外還有另一個世界，而除了我們自己可以在兩個世界之間自由穿梭外，別人都看不到。於是在銀幕上辨別自己童年夢幻的痕跡，然後在影院燈光亮起的剎那突然明白過來，這只是一個回不去的夢了，於是對於童年、童真、童趣的失落感如裊裊白霧般從心底升起，久久盤旋不散。

既然是個夢，那便要為其鍍上一層熠熠生輝的夢幻色彩。而表現想像力的最佳方式，便是以假亂真。在《亞瑟》中，影片的主要情節即迷你墨王國中發生的故事全部用三維動畫來製作，在細節上把握精準到位。比如亞瑟和他的夥伴們在外婆家的花園里行走時，畫面的光線便處理得十分逼真，明暗交錯，層次分明，正是岸芷汀蘭，芳草鮮美。而夜晚睡覺時，小人們就縱身躍入花朵中，嫩黃的花蕊鋪揚開來，天然成就一床溫暖且充滿彈性的墊褥。最讓人難忘的細節，則是當亞瑟和公主彼此心儀四目相投，四唇宛就時，兩人長長的耳朵便如同觸電般輕微地彈動起來，別有創意。

一個冒險故事彷彿一桌筵席上的主食，它奠定了基調，然後，就往上放各種花式的菜餚，烘雲托月，互相輝映。呂克·貝松深諳此道，在故事的原型上按了各式各樣的小橋段，小心思，法國式的幽默、浪漫、智慧四散點綴著，讓人一眼驚喜，幕幕難忘。故事接近尾聲，亞瑟恢復了原樣回到了現實世界裡，而他的小公主則偷偷來到他的窗外望著他，雖然他看不到她。於是不由得想，亞瑟是否也要長大了呀，長大了或許就失去了那樣的能力，變得不再相信童話，不再依靠幻想。不過也許不用那樣快替他惋惜，在長大之前，亞瑟也許還要經歷幾次冒險，因為「亞瑟之父」呂克·貝松的「亞瑟」系列才只搬了一個到銀幕上呢。

㈧ 求幾篇專業影評

一下是宮崎駿《幽靈公主》的影評。是在我做演講的時候找的。

《幽靈公主》影評
《幽靈公主》給我的第一映象是震撼，我相信有大多數人和我有一樣的感受。震撼於它的視覺效果，動畫設計以及配音。
從故事的梗概角度來看《幽靈公主》的故事腳本內容是悲鬱的，講述的是自然和人類之間的矛盾、沖突。自然與人的協調是亘古不變的主題。宮崎駿通過阿斯達卡，珊珊，幻姬，麒麟神，疙瘩和尚等不同的角色來詮釋人和自然之間的問題。
1.阿斯達卡
隱居在森林中的蝦夷族的未來的族長繼承者。為了拯救遭受危險的族人，右手被詛咒。為了尋找詛咒的原因並解除詛咒，隻身前往西方世界。之後為阻止人和自然之間的戰爭而努力。
2.珊珊
遭人類遺棄被白狼養大的人類女孩，痛恨人類，不願與人類為伍。數次試圖刺殺鐵鎮頭領幻姬。後來與阿斯達卡相識，幫助豬神與人類戰斗。雖然與阿席達卡產生感情，但始終無法原諒人類。
3.幻姬
在鐵鎮帶領一群被欺壓的人們冶鐵自治，一面為爭奪資源妄圖消滅森林中的諸神，一面帶領手下對抗朝廷。在屠神戰爭中失去右臂，卻被白狼所救，感激之餘決定重建被毀滅的鐵鎮。
4. 麒麟神
山林的保護神，在月光下是通體透明的巨人，在白天山林里是類似四不象的動物。它踏水而來，所到之處就會有植物生長出來。它可在瞬間吸取生命，也可以賦予生命。前者似乎我們有時也能做到，想想當你踩死一隻螞蟻時你幹了什麼？然而擁有後者的能力為神之大者。
在片末，太陽出來時，麒麟神由於吸收了太多的生命而倒下了，將那些生命又還給了大地，山林。望著復甦的大地，阿斯達卡回答珊珊道「麒麟神不會滅亡的，因為它本身就是生命，掌管著生與死...」感覺宮崎大師將生命置於一種超然的，絕對的高度，所以才說無論如何，你首先得活下去。只要活著，就有出路... 生命它將自己尋找到出路...
5.白狼、野豬和大猩猩
有趣得很，這三個種族似乎可以影射到人類世界中的三類人。
白狼族，是智勇雙全的鬥士，他們頭腦冷靜，敢於為先，這類人通常是少數
野豬群，大無畏的戰士，在戰場上前仆後繼，義無返顧。印象最深的是當人披著野豬皮出現時，豬神說「回來了，從黃泉之國，戰士們回來了」，之後一聲長嘯，很悲壯的樣子。之可惜野豬的「視力」不太好，容易落入人類的圈套。不過正如白狼神所說的：「即使知道是陷阱，野豬們也會從正面進攻，這是他們的光榮」。武士道精神？
卻有那麼一群猩猩，當勇士們浴血奮戰時不見蹤影，遇到麻煩時卻又出來指責別人。這些人還是老老實實種樹去吧。

6.疙瘩和尚
受朝廷派遣，帶領狩獵隊獵取麒麟神，詭計多端，善於掩飾，為達目的不擇手段，曾指點阿斯達卡尋找麒麟神森林。
7. 樹精
一種類似於精靈的東西，在繁茂的森林中居住。具有淡綠色半透明的身體，被認為是樹木之子，與森林同生共死。曾為迷路的阿席達卡等人引路。

在這片森林之中，自然之神乃是麒麟獸，它可以賜予生命，也可以奪取生命；狼族、豬族都是守護森林、信奉麒麟獸的生物。在這片森林邊上有一座鐵鎮，首領是幻姬，她是崇尚科技的人類，不斷開采鐵礦，冶金鍛造，研製火器，為此不惜與具有神異力量的生物開戰；在森林之外，還有一個王國圖謀在幻姬和森林神族開戰時，一舉消滅兩者。於是人、生物、自然之間環環相扣、不可調和的仇恨日漸激化，最終演變成"人屠殺神"的悲劇。影片最後鹿神的死亡令萬物得以重生，人們也得重新開始新的生活，阿斯達卡對珊珊說：「我們一齊要活下去！」再次重申了全劇的主題。
《幽靈公主》的背景是日本中世紀的室町時代，描述人神魔三者之間的斗爭。影片給很多觀眾帶來了震撼性的沖擊，《幽》的劇本醞釀長達十六年之久，膠片總數多達13萬5000張，這可以說是史無前例的，熒光巨人、魔崇神等也運用了CG數碼合成技術(並不是象某動畫片只是使用二維的動畫和三維的背景勉強地拼湊起來)，片中也有宮崎駿電影中鮮有的殘酷血腥的斷頭斷臂鏡頭。雖然有著一系列視覺上的震撼，但主要的沖擊還是來自精神上的。片中盡管阿斯達卡和珊珊一個用愛、一個用恨極力阻攔人類向自然的宣戰、向森林發動進攻，但依然沒有阻止住"神"被最新武器槍殺的厄運。於是森林盡毀、萬物凋零。當成千上萬可愛玲瓏的"小樹精"墜落死亡的時候，不由讓人慨嘆--真是一曲"自然的輓歌"！盡管在自然被徹底毀滅前，阿斯達卡和珊珊挽救了麒麟獸，使大地得以重生，一切都回歸自然。但用珊珊的台詞說，"這個自然已經不是原來的自然"，--更何況死裡逃生的幻姬只是淡淡地說"一切只好重頭再來"，這其中多少包含著仇恨將要循環下去的含義。或許，宮崎駿為避免自己的絕對悲觀的思想影響普通的觀眾，結尾處他讓阿席達卡對小桑說"你在森林，我在鐵鎮，我們一起活下去吧"--這不過是他無奈、苦笑著的一個讓步。
影片的音樂也是非常喜歡的。特別是當阿斯達卡告別妹妹，踏上去往西方的路途時，畫面上拉開群山大地的遠鏡頭，管弦樂隊奏出浩瀚寬廣的樂聲，那種感覺是讓人心胸一盪的。主旋律在片中以不同的樂器多次出現，很具感染力，為本片增色不少還有音效的製作。很喜歡片中大寨吊門打開和關上時吱吱呀呀的聲音，是很古老的感覺，還有煉爐發出的爐火燃燒以及風箱的聲音，打鐵的聲音等等。

<幽靈公主>的主題曲。主題曲的旋律極為悲哀緩慢中，變得悲壯。如同聽見森林中樹葉子被吹得隱隱幽動作響，暗藏殺機與刀割般的旋律，如同看見女主角倔強的眼角底隱藏的哀傷，但同時，她趴在大地上睡眠，容顏是那樣單純天真。這首音樂，宛如再現看綠色大地與金色陽光相輝映。女主角拿起刀矢維護森林，正是發自心底的愛。完全再現森林中宏偉悲壯的傳說。
看過《幽靈公主》，總會有一種劫後餘生的慶幸。幽靈公主，不是一個好看與不好看就能評得了的，以含蓄的對悲壯的贊美，以輕柔的對希望的追求，以不懈的為信念的斗爭，譜出的是對生命本質的深思，描繪出的是對人與自然和諧生活的期冀，勾勒出的是信仰與關愛的偉大。史詩般的氣勢，細膩的手工繪畫，宏偉的音樂，悲壯的主題，英雄的主角。還有什麼可說的呢。有人說麒麟獸是代表自然,自然也有兩面性,它既然可以造福於人類,又可以毀滅人類,而達達拉城的女首領當然是象徵著人類破壞自然的一面,但她同樣有仁慈熱心的一面咯,其實人也是這樣,我們一面毀滅自然,一面保護自然,人類的社會一直在矛盾中發展.當然,和諧與自然相處是美好的希望吧!

《幽靈公主》為我們展現的是人類舊時夢魘中，一場關於未來的困境之景 。唯美的畫面,悲鬱的故事,生死原來可以演繹地如此至純至性.

㈨ 猴子王國影評1000字

本片為自然紀錄片，紀錄了新生的小猴子基普和它的母親瑪雅，如何在競爭激烈的社會階級中生存下來。
瑪雅是一隻蘭卡獼猴，她的生活因兒子基普的出生而改變。瑪雅希望她的兒子在族群中處於較高的社會階層。當他們的家被臨近部落的猴子所佔據時，他們的族群需要找到一個新家。瑪雅用她與生俱來的智慧帶領族群來到一個新據點，再使整個族群聯合起來收回自己原來的家園。

㈩ 關於動畫片的影評

〈四眼天雞>影評
《四眼天雞》是一部迪尼卡通片，故事發生在童話世界裡。影片的主角是一隻幼小的，年輕勇敢，富於幻想和冒險精神的小雞。影片主要講的是關於理解、溝通、信任的主題。
首先,在《四眼天雞》里看到了《獨立日》中的飛船、《世界大戰》里的外星人、《後天》的變態氣候、《G型神探》的飛天裝置、《天兆》中的玉米田，這種善意的模仿無疑再一次增加了影片的娛樂性，使得在觀看時的心態時輕松愉悅的，要想找點樂子，《四眼天雞》還是很值得一看的。影片充滿游戲性給人輕松、快樂的感覺。
影片的人物生動活潑，形象可愛。根據小孩子的心理特徵，影片的人物形成鮮明的對比。如：小雞的爸爸高而肥大，而小雞卻上那麼的瘦小。影片中，我們都可以找到小孩子的不同影子。如：小雞戴副眼鏡。現實生活中的小孩子，總喜歡學大人的為，模仿大人。
影片充滿了奇幻的想像。影片有些情節超出了現實生活，作了大膽的想像。如：小雞藉助一棵小草的力量爬高。
影片的情節波折迭起，呈現了一幅幅動態美。兒童的注意力容易分散，對事物的集中時間不長，而一部影片往往有一定的時間。所以影片的情節必須環環相扣，充滿懸念。
《四眼天雞》雖然是兒童卡通片，但我們看了不但可以消遣，也可以給我們思考與孩子溝通的橋梁。看了它之後，我有一個深深的體會：呵護童心。小雞要求爸爸教他打棒球，爸爸卻以小雞還矮小為理由而拒絕了小雞的請求。小雞晚上睡不著覺，就爬到屋頂看星星看月亮。孰不知，此時的小雞開始要表現自己了。如果大人不考慮到他們的心理特徵，此時便會造成打擊他們的自信心。所以當孩子向我們提出一些活動時，我們要努力給他們活動的機會而不是一口拒絕他們。
最後,我想說的是:《四眼天雞》中的這個動物王國就像在很多美國影片中看到美國小鎮一樣，這是一個高度社會化工業化的小鎮，除了小鎮中的居民在外觀形態間或在一些動作上還在告訴我們這是一個動物王國外，他們的語言，他們的生活，他們的工具，他們的情感基本上和我們人類是沒什麼區別的，這種設計無疑增強了影片的趣味性。作為一部兒童影片首先要具備的是趣味性，有趣的東西才能吸引小孩子。影片的前20分鍾異常精彩，矛盾已經建立了，直到棒球比賽的出現。實際上如果把外星人入侵改成人類的迫害，增加雞弟弟和雞爸爸的生活的片斷以激化更深的矛盾。影片中出現了兩次雞爸爸懷念雞媽媽的情節，我很希望雞媽媽能夠出場的，影片此時完全可以利用閃回的鏡頭來表現雞媽媽在育兒上的優越性，進而點出雞爸爸和雞弟弟在溝通交流上的代溝，影片無疑會更加豐滿！

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我對"超人總動員"的影評!
國內的翻譯好像都愛叫什麼動員動員的...貌似能增加票房?我仔細想了一下,還真是太多了..<<超人總動員>>,<<汽車總動員>>,<<玩具總動員>>,<<海底總動員>>,<<機器人總動員>>,汗,還真是多啊!這部片子還有個名字叫"超人特攻隊"這名字就嘛帥的!
這部片子的超人真多...這可不是那個穿著S衣服的那位哦,記得那位是叫克拉克,哈哈!
影片講的是超人的"活動"造成的破壞勝於幫助人,政府讓他們回家呆著!可是有著超人的能力者們,總是不甘心於做一個平凡的角色,依然希望用自己的能力幫助人.側面反映一個問題,如果這個世界沒有犯罪,又何需超人呢!人是矛盾的動物,有著矛盾的思想,既想擁有,又不珍惜!天性嗎？
對於這部影片的音樂,倒是沒有什麼印象..也許不如前幾個出色吧.也許是為了反映現實世界,音樂不是側重點.故事結局當然是正義戰勝了邪惡!打敗了那個不是超人的超人,即使你依靠科技可以成為超人,可是你的心靈永遠不是.所以修行需修心!心之所發為正,則行則正,心之所發為負,則行之為負....
對這部片子最有印象的是,他的小兒子的能力,因為他的兩個孩子都有超能力,呵呵,這第三個小子的能力就成了一個包袱,到最後才表現出來,太帥了,是變身!
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《千與千尋》影評
《千與千尋》是日本著名動畫大師宮崎駿獻給曾經有過10歲和即將進入10歲的觀眾的一部影片，它以現代的日本社會作為舞台，講述了10歲的小女孩千尋為了拯救雙親，在神靈世界中經歷了友愛、成長、修行的冒險過程後，終於回到了人類世界的故事。

佛教說，入世的生活是物質的、感情的、人群的生活，《千與千尋》正是藉由小女孩千尋的經歷，在積極探索一條入世的道路。千尋由一個物質世界跌入一個對於她來說全然陌生和充滿著困境的神靈的世界，「回歸」將是一切努力的終極目標，取勝的魔法只有一句話——「為了他人而做一件事」，不屈的千尋最終發現了自身存在的意義，她於是努力以成長的主題去實現自己對世界的懷疑與期待。

「在萬物重生的早晨，來到靜寂無聲的窗前，一切歸零之後漸漸充實，不再去追尋海的彼岸，耀眼的寶物一直就在這里，在我身上就可以發現。」

宮崎駿沒有迪斯尼那麼花哨，他甚至有些落伍，直到現在，他還堅持用手工繪畫而不是電腦繪圖來完成自己的卡通片。但他懂得一部卡通片，或者說是一部電影，用什麼去打動別人，這就是人文。所以，宮崎駿筆下的形象是一個個人，而不是一個個沒有知覺的卡通。

電影的力量在於動人，卡通的力量在於純真，宮崎駿掌握了這些力量，他取得了理所當然的勝利。