白日孤獨影評

A. 醉花陰 李清照 賞析！！！！！！！！！

片寫秋涼情景。首二句就白晝來寫：「薄霧濃雲愁永晝。」這「薄霧濃雲」不僅布滿整個天宇，更罩滿詞人心頭。「瑞腦消金獸」，寫出了時間的漫長無聊，同時又烘托出環境的凄寂。次三句從夜間著筆，先點明節令：「佳節又重陽」。隨之，又從「玉枕紗廚」這樣一些具有特徵性的事物與詞人特殊的感受中寫出了透人肌膚的秋寒，暗示詞中女主人公的心境。而貫穿「永晝」與「一夜」的則是「愁」、「涼」二字。深秋的節候、物態、人情，已宛然在目。這是構成下片「人比黃花瘦」的原因。
下片寫重九感懷。首二句寫重九賞菊飲酒。古人在舊歷九月九日這天，有賞菊飲酒的風習。唐詩人孟浩然《過故人庄》中就有「待到重陽日，還來就菊花」之句。宋時，此風不衰。所以重九這天，詞人照樣要「東籬把酒」直飲到「黃昏後」，菊花的幽香盛滿了衣袖。這兩句寫的是佳節依舊，賞菊依舊，但人的情狀卻有所不同了：「莫道不消魂，帝卷西風，人比黃花瘦」。上下對比，大有物是人非，今昔異趣之感。就上下片之間的關系來說，這下片寫的是結果。
比喻的巧妙也是這首詞廣泛傳誦的重要原因之一。古詩詞中以花喻人瘦的作品屢見不鮮。如「人與綠楊俱瘦」（宋無名氏《如夢令》），「人瘦也，比梅花、瘦幾分？」（宋程垓《攤破江城子》），「天還知道，和天也瘦。」（秦觀《水龍吟》）等等。但比較起來卻均未及李清照本篇寫得這樣成功。原因是，這首詞的比喻與全詞的整體形象結合得十分緊密，極切合女詞人的身份和情致，讀之親切。
詞中還適當地運用了烘雲托月的手法，有藏而不露的韻味。例如，下片寫菊，並以菊喻人。但全篇卻不見一「菊」字。「東籬』，本來是用陶淵明『採菊東籬下」詩意，但卻隱去了「採菊」二字，實際是藏頭。又如，「把酒」二字也是如此，「酒」字之前，本來有「菊花」二字，因古人於九月九日有飲菊花酒的風習，這里也省略了「菊花」二字。再如「暗香」，這里的「暗香」指的是菊花而非其他花蕊的香氣。「黃花」，也就是「菊花」。由上可見，全詞不見一個「菊」字，但「菊」的色、香、形態卻俱現紙上。詞中多此一層轉折，吟味時多一層思考，詩的韻味也因之增厚一層。

B. 白日我孤獨 是什麼歌

做美夢，你做夢！，別做夢！做噩夢！一場夢！都是夢！不是夢！

C. 為什麼享受孤獨，是人生最好的一種修行

我認為這個世界好像很排斥那種孤獨的人，但是又有更多的人越來越喜歡孤獨。孤獨是一個人最高境界的一種修行，貌似是一個自我封閉的狀態，卻可以讓心更快的到達彼岸。

在這個喧囂的世界裡，也讓人心越來越浮躁，很多人都懼怕被別人孤立，懼怕被團體疏遠。總是拚命的想要融入一個團體，拚命的想要擠進一個群體之內，要不然好像就會被世界拋棄了一樣。

孤獨是人生中最好的一種修行，能夠享受孤獨的人，才能用更大的格局去觀察這個世界，才能用更遠的一個目光，來判斷眼前的人和事，享受孤獨，也會活得更精彩。

以上內容僅供參考。

D. 電影白日焰火想表達什麼意思

個人有個人的看法，我來提供幾個作參考
1，吳志貞是一個看似無辜、玩弄感情的蛇蠍美人，張自力是一個真戲假做、渴望回歸掌權者隊伍的工廠保安，梁志軍反倒是真正的受害者。情色的背後是絕望的糾葛，焰火的背後是無邊的黑暗。
2，性，是暴力，也是解脫
3，紙牌

廖凡跟妻子離婚後，坐在賓館里打牌，隨後又在床上纏綿，但鏡頭只對准了他們的手。在手邊，散落著幾張撲克牌。另一個場景中，桂綸鎂從廖凡的褲子里翻出了一大堆雜物，其中就包括一把紙牌，並且是用皮筋勒好的。

首先，離婚了還要做愛，並在火車站試圖繼續強迫，而在做保安時，同事給他介紹對象，他居然當大家的面對女子上下其手，說明廖凡這個角色有性癮症，並伴有暴力傾向，非常容易就會被勾起慾望。這也就為接下來他跟桂綸鎂的感情做了鋪陳，也能解釋為何他會那麼快愛上她。紙牌是他拿出來的，他就像要掌控一盤牌局一樣，要掌握整個事態的G點。片中他跟王隊長也有過一段對話，關於輸和贏的，大致意思是他說至少不會輸得那麼難看。他已經不再是警察，卻還在做警察做的事情，正暴露出他勃勃的野心，只要案子不破，他絕不認輸。

火車

在所有的交通工具中，火車最有厚重感、宿命感、穩定感，總有些不可名狀的氣質。前幾天上映的《雪國列車》，乾脆把所有故事都發生在火車里。《白日焰火》中，火車既載著碎屍駛向全國各地，又帶著桂綸鎂深夜歸途。可見，火車跟桂綸鎂是有直接關聯的，導演正是用這樣充滿宿命感的暗示，在告訴觀眾真正的始作俑者到底是誰。

雪

影片是在哈爾濱取景拍攝，哈爾濱是冰城，而在影片從出片頭字幕開始，就沒離開過雪和冰。仔細觀察，會發現影片一開始，地上還是冰水混合物，腳踩上去就化了的那種；而到了影片結束，雪已經很厚了，人們也穿上了很厚的衣物，這是影片時間線上呈現從初冬到深冬的過程，也在暗指桂綸鎂的命運逐漸進入冰凍。電影的色調偏冷色調，尤其是在純白的雪地上時，

面條

有一個客人在吃面條時，居然吃出了一隻人的眼球，由此牽出了一起命案。在吃的東西方面，面條往往傳遞的是負面信息，主人公吃面代表將會有倒霉的事情降臨。這不，這碗令人作嘔的面條成了事件導火索。不過面條在片中只出現了這一次，還有一次吃的場景，是廖凡和王學兵前後腳進一個小飯館，他們喝的都是羊湯。面條和湯的含義大致相同，由於吃的時候會發出聲音，比較容易讓人產生焦躁情緒，因此喝湯代表他們之間已經樹立起了敵對關系。

煙

抽煙同樣是主人公情緒的外在表現方式。廖凡在片中不止一次地抽煙，每一次都是他的境遇陷入困境之時，比如桂綸鎂被逮捕之後，他就點起了一根煙。與此相對應，桂綸鎂也曾抽過一次煙，她當時在為廖凡洗衣服，從褲子兜里翻出了香煙，她就在窗前默默抽了起來。顯然，她已經知道廖凡正在跟蹤自己，內心高度緊張的她只能用一根煙的時間來放鬆自己。

冰刀鞋

導演多次給冰刀鞋特寫，尤其是出現在廖凡的腦海里。冰刀鞋是東北人常常會接觸到的事物，但是它鋒利的刀口也會帶有一種令人不安的感覺。在王學兵手裡，它成了殺人的工具，那些屍體正是用冰刀一塊一塊切開的。桂綸鎂在剛認識廖凡的時候，就提出跟他一起去滑冰，殊不知，廖凡正是在危險（冰刀）上面舞蹈。其中有一幕是桂綸鎂遠離冰場，滑向黑暗中，暗指她正一步步帶著廖凡走進深淵。

摩天輪

哈爾濱游樂園的摩天輪也派上了用場。冬季該摩天輪是不營業的，所以看到這不合常理的一幕有點奇怪，而兩人的正式示愛也正是在摩天輪里。摩天輪是城市裡最高的地方，兩個人搭乘它離開了地面，升到了空中。「腳離地」是電影的一種象徵手法，意思是他們的愛情僅僅是空中樓閣，不可能落到現實中來。因為接下來就是桂美輪接受警察質問，牢獄之災等著她，一個罪犯和一個警察，就只能在「半空中」相愛了。

紅衣服

片中桂綸鎂都是穿黑色或灰色的衣服，色彩在表現人物內心方面也有重要作用。她過著非一般人的生活，有苦也不能說，所以黑灰色傳遞出一種壓抑苦悶的情緒。而就在摩天輪一吻之後，桂綸鎂的衣服大變樣，居然穿上了紅色衣服，甚至還開始抹上了口紅，可見有了愛情的滋潤，自閉的女人也有了轉變，更表現出桂綸鎂對愛情的渴望。

舞蹈

在桂綸鎂被逮捕之後，廖凡來到一個歌舞廳，獨自在舞池中間狂舞。沒有章法、沒有節奏、他完全就是在亂扭一氣，非常丑，根本稱不上舞蹈。這一幕像極了電影《阮玲玉》中的結尾，張曼玉獨自曼舞的鏡頭，那時她已經做好了自殺的准備，在歌舞昇平後結束生命。而在本片中，這也似乎是廖凡的迴光返照，愛的人進了監獄，身心備受煎熬的他只能用外化的舞蹈來宣洩自己內心的痛苦，這跟他之前沉穩內斂的表現完全大相徑庭。

焰火

片名「白日焰火」在片中做了兩層解釋，一是一家夜總會的名字，二是桂綸鎂被帶走之後，白天里真的出現了焰火。這個意向有點向東野圭吾的《白夜行》致敬的意思，而本片也的的確確跟《白夜行》非常相似。焰火是美麗絢爛的，但終究是短暫易逝的，就像廖凡和桂綸鎂的愛情一樣，最終消失在風中。而焰火也可以代表桂綸鎂這個角色，焰火出現在白天，是體現不出它的美的，甚至還帶有幾分生硬和多餘，桂綸鎂多年的沉寂，最終還是暴露了蛇蠍美人的心腸，即便是外表清純，也仍然是枉留人間。

E. 孤單熊風吹不散的白日夢讀後感

《孤單熊·風復吹不散的白日夢制》一書是「陽光姐姐美美熊」系列叢書中的一本。該叢書共六本，按照不同主題分為：無敵熊、勇敢熊、孤單熊、成長熊、奇異熊、溫暖熊。每本書根據各自的主題，收錄與之相關的4～5篇作品，其中一篇為「陽光姐姐」伍美珍創作，同時挑選了「陽光家族」小作者創作的精彩小說。《孤單熊·風吹不散的白日夢》的主題是：孤單，由「陽光姐姐」伍美珍原創的《孤獨女生江冰蟾》領銜，攜手「陽光家族」明星小作家們為小讀者奉上一組既孤單又溫暖的成長故事。

F. 陶淵明的《雜詩 其二》中「白日淪西阿，素月出東嶺。遙遙萬里輝，盪盪空中景。」

陶淵明 雜詩·其二 雜詩·其二白日淪西阿，素月出東嶺。遙遙萬里輝，盪盪空中景。風來入房戶，夜中枕席冷。氣變悟時易，不眠知夕永。欲言無予和，揮杯勸孤影。日月擲人去，有志不獲騁。念此懷悲凄，終曉不能靜。[評] 《雜詩》是在晉義熙十年（公元414年）前後，陶淵明50歲時所寫，共12首，此首為其中之二。這是離他辭彭澤令歸耕園田已10年之久了。在"晨興理荒穢，帶月荷鋤歸"的生活中，他感到獲得了自由，心情舒暢，寫下了像"採菊東籬下，悠然見南山"這樣諸多名句。然而他終非"渾身靜穆"，這首詩正透露出個中消息。 此詩起首處氣勢恢弘："白日淪西阿，素月出東嶺。遙遙萬里輝，盪盪空中景"萬里河山一片寧靜肅然，籠罩在月光之下。望著這浩盪空闊的景象，詩人的心被感動了。正是"登山則情滿於山，觀海則意溢於海"（劉勰《文心雕龍》），浩渺長空，星轉斗移，又一次鼓動起詩人潛在的激情。接下來四句，"風來入房戶，夜中枕席冷。氣變悟時易，不眠知夕永。"冷風入戶，使詩人感悟到季節的交替、時光的流逝，思緒萬千，徹夜難眠。這四句詩承上啟下，由此轉入傷感悲戚的格調。詩人本懷有遠大的抱負，少年時即有濟蒼生之志，"猛志逸四海，騫翮思遠翥"（《雜詩·其五》）。但是頻繁的戰亂、黑暗的官場，使這位志高行潔的詩人理想破滅了，只能歸耕園田，獨善其身。"結廬在人境，而無車馬喧。問君何能爾？心遠地自偏"（《飲酒·其五》），他的心終於得到了寧靜。可是濟世之志未泯，它像一股暗流在詩人心底涌動著，撞擊著。在這樣一個晚上，無邊的月色，高遠的長空，又把它從詩人心底牽引出來。想起少年時的遠大志向，中年的官場磨難，直到行將老矣的現在，怎能不讓詩人感慨萬千呢！然而"欲言無予和，揮杯勸孤影"，漫漫長夜裡，只聽到詩人獨自嘆息的聲音。這種痛苦的孤獨感，並不僅為夜深無人語而來，我們從屈原的"舉世皆濁我獨清，眾人皆醉我獨醒"，從阮籍的"夜中不能寐，起坐彈鳴琴"，以至後來李白的"花間一壺酒，獨酌無相親"等等詩句中，都不難找到共鳴。他們都比世俗之人有更高遠的志向，不願隨波逐流，因而都難容於世，也更深的體會到"日月擲人去，有志不獲騁"的痛苦，這是不可解脫的、刻骨銘心的痛苦。 了解詩人的內心世界之後，我們對此詩後面出現的變之音，當會有更深的理解了。他可以"採菊東籬下，悠然見南山"，從生活的旋渦中逃避開來，停泊在寧靜的港灣，但卻無法迴避自己內心不時而來的風風雨雨。這可說是此詩的內蘊所在。

G. 李清照醉花陰賞析，快，快

李清照 醉花陰的賞析
薄霧濃雲愁永晝，瑞腦銷金獸。佳節又重陽，玉枕紗廚，半夜涼初透。 東籬把酒黃昏後，有暗香盈袖。莫道不銷魂，簾卷西風，人比黃花瘦。
這首詞是李清照前期的懷人之作。李婚後不久，丈夫趙明誠便「 負笈遠游」，深閨寂寞，她深深思念著遠行的丈夫。這年，時屆重九，人逢佳節倍思親，便寫了這首詞寄給趙明誠。
「薄霧濃雲愁永晝，瑞腦銷金獸」，這兩句藉助室內外秋天的景物描寫，表現了詞人白日孤獨寂寞的愁懷。「永晝」指漫長的白天，「永」字便可見詞人內心的無聊愁苦。「瑞腦」，香料名，又叫龍腦香。「金獸」，銅制的獸形熏香爐。這兩句的意思是：從清晨稀薄的霧氣到傍晚濃厚的雲層，這漫長的白晝，陰沉沉的天氣真使人愁悶。那雕著獸形的銅香爐里，龍腦香已漸漸燒完了，可心中的愁思為何總縷縷不絕呢？可見，這兩句雖為景語，卻句句含情，構成一種凄清慘淡的氛圍，有力地襯托出思婦百無聊賴的閑愁。
「佳節又重陽，玉枕紗廚，半夜涼初透」，這三句寫出了詞人在重陽佳節孤眠獨寢、夜半相思的凄苦之情。「玉枕」，瓷枕。「紗廚」，即碧紗廚，以木架罩以綠色輕紗，內可置榻，用以避蚊。常言道：「每逢佳節倍思親」，今日里「佳節又重陽」，詞人又怎能不更加思念遠方的丈夫呢？一個「又」字，便充滿了寂寞、怨恨、愁苦之感，更何況，玉枕、紗廚往昔是與丈夫與共的，可如今自己卻孤眠獨寢，觸景生情，自然是柔腸寸斷心欲碎了。顯然，這里的「涼」不只是肌膚所感之涼意，更是心靈所感之凄涼。
「東籬把酒黃昏後，有暗香盈袖」，這兩句寫出了詞人在重陽節傍晚於東籬下菊圃前把酒獨酌的情景，襯托出詞人無語獨酌的離愁別緒。「東籬」，是菊圃的代稱，語出陶詩「採菊東籬下，悠然見南山。」「暗香」，菊花的幽香。「盈袖」，因飲酒時衣袖揮動，帶來的香氣充盈衣袖。重陽佳節，把酒賞菊，本來極富情趣，然而丈夫遠游，詞人孤寂冷清，離愁別恨湧上心頭，即便「借酒銷愁」，亦是「愁更愁」了。又哪有心情欣賞這「暗香浮動」的菊花呢？
「莫道不銷魂，簾卷西風，人比黃花瘦」，這三句直抒胸臆，寫出了抒情主人公憔悴的面容和愁苦的神情。「銷魂」極喻相思愁絕之情。「簾卷西風」即「西風卷簾」，暗含凄冷之意。這三句工穩精當，是作者藝術匠心之所在。先以「銷魂」點神傷，再以「西風」點凄景，最後落筆結出一個「瘦」字。在這里，詞人巧妙地將思婦與菊花相比，展現出兩個迭印的鏡頭：一邊是蕭瑟的秋風搖撼著羸弱的瘦菊，一邊是思婦布滿愁雲的憔悴面容，情景交融，創設出了一種凄苦絕倫的境界。
全詞開篇點「愁」，結句言「瘦」。「愁」是「瘦」的原因，「瘦」是「愁」的結果。貫穿全詞的愁緒因「瘦」而得到了最集中最形象的體現。可以說，全篇畫龍，結句點睛，「龍」畫得巧，「睛」點得妙，巧妙結合，相映成輝，創設出了「情深深，愁濃 濃」 的情境。

H. 魔戒的影評

電影別出心裁的用了咕嚕從前的經歷承上啟下，作為《雙塔奇兵》過渡到《王者無敵》的引子。像是咕嚕回歸現實的夢之通道。即而，新的故事開始。自然委婉，不露一絲人工刻意的痕跡。
關於咕嚕不甚掉入河底恰拾魔戒，心生邪惡掐死哥哥的這段插敘。很多人認為是用來表現魔戒惟我獨尊的強大惡勢，以此暗示弗羅多一路上重重的精神磨難。其實從另一種角度觀望，魔戒不過是面魔鏡，它不是讓人變壞而是將你內心險惡反射進而無限擴大在你的瞳孔。我哥說，不見得咕嚕幾百年前每天釣釣魚你就看得出他曾是個單純善良的霍比特人吧。這個小怪物後來之所以變得人不人鬼不鬼，多半是由於長久來永無休止的內心掙扎。一個人最恐懼的事莫過於自己封鎖暗處的隱私抖落眼前。一個生命最艱難的事莫過於和自己靈魂上的負面持續斗爭。

弗羅多也並非聖賢。他雖然心地善良卻到底不過凡夫一介。日常生活中他不可能完美的毫無瑕缺。魔戒自靠近弗羅多那一天起，不僅使他踏上了千辛萬苦的征途，更意味著他與自己潛藏的靈魂負面進行一場持久較量的開始。最終弗羅多也沒能將魔戒扔下熔岩。而我分明讀見他藍寶石般的雙眸中，那交錯著不忍卻無奈的絕望。他終是無法戰勝外力所致的另一個自身。

《西遊記》中，孫悟空那樣一個曾經大鬧東海地府天宮的朋克，一樣在西行時屈服於唐僧和如來的管轄。最後連自己都難免變為統治階級。西行81難如激光般炸平了石頭尖銳的稜角。同時亦成了孫悟空打敗自己的過程。

且不論托爺爺本意如何，對於我們這些沒看過原著的人來說，一千名觀眾心中自有一千個哈姆雷特。如用某種深入的尺度來衡量，無疑上述論說更能體現價值感與可觀性。

壯麗的戰爭曼陀羅

剛多國古堡留給印象的清晰輪廓，是宛如白銀玉石般層層圍裹在懸崖峭壁上的雄偉城池。當甘道夫騎駕白馬盤繞飛馳，奔越民眾和集市，直達頂端居高臨下的國王寢殿。我已不難想見，佩蘭諾一戰的爆發將會導致怎樣一種覆滅性的殘酷美感。

佩蘭諾戰役因為有擊鼓巨獸，戒靈飛龍，戰象甚至一片好似《加勒比海盜》里搬來的亡靈軍團進行海陸空三重參戰，其場面自然要比第二部中的聖盔谷戰更顯壯觀。飛龍時而展翅高翔時而俯沖低鳴的視角變換著賞識史詩氣魄的立體切面。亡靈援軍如潮如浪地蜂湧蔓延現身不為人知的冥界力量。烽火跨越山脈起伏，峰嶺延綿，千年冰雪托起它在雲霄之上的升騰，最終落到羅翰國繚望的邊境頂點。如同一道天啟星光，接連燃燒著人類共有的希望。
如此氣勢在恢宏程度上絕對勝於《雙塔奇兵》。但是缺乏上部那種讓五臟六腑為之顫抖的強烈震撼。《雙》因為有美麗出塵的精靈神箭手們參戰，魔軍的丑惡在反襯下更加無限放大。視覺反應便是超越光速觀望遠古神話的上演。加上陰暗流派的背景音樂，給戰場慘烈的畫面增添一抹淡淡蒼涼的顏色。晝之明終歸不如夜之暗來的深重。所以佩蘭諾光天白日下的戰爭，始終不及聖盔谷那種深不可測的無盡黑夜更具壓抑感和緊迫感。
領略過魔戒的特技製作，什麼哈里波特，什麼星戰終結者蜘蛛俠，真的都可以見鬼去了。我不敢這么說黑客，因為黑客蘊涵著太多晦澀難懂的哲學。但是黑客系列的戰爭場面顯然不如魔戒系列扣人心弦。前者帶來的更多是新鮮，刺激和喧嘩。恍如小時候看變形金剛打來打去那般精彩而空洞的心情。隱存在機械中的人性只剩下些許冰冷的殘余。然而中土平原卻是充滿人性情感的戰地。人類無力到達善與邪的彼岸。但遙相守望的各族生靈終會重見惡勢在勇氣中竭盡的寬慰和釋然。
觀影時我無從所知。為何沒有煽情的情節，不見悲劇的收場，亦無現代都市劇的孤獨空虛感，沒有原因沒有理由卻足以使我熱淚盈眶。直到告別朋友們，獨自回家的路上陷入冥思，才慢慢理解原來那是被高科技的社會濁蝕的本性。血液里喪失多年的溫熱再度沸騰，激撼著靈魂底處就快逝去的某些東西恢復了電流感應。
奇幻故事中的人性世界
西方神話無論人神，都是以人性結構為主的。古希臘神祗宙斯與眾女神的感情糾葛這樣體現，北歐異教的奧丁神與其眾兒女亦是如此。因此魔戒故事裡便有了精靈公主阿爾溫和人類勇士阿拉崗之間的曠世戀情。而東方文化素來將人和神的性情以不同境界劃分等級。天蓬元帥何以被貶下凡成了豬八戒，為得就是這個清規戒律。所以氣質脫俗的精靈可以主動熱吻阿拉崗，卻始終不必像嫦娥那般寒氣凌人。
但是這位神仙公主除了擁有不食人間煙火的容顏，除了透明純藍的眼珠和飄逸的行走姿態，幾乎讓人想不起她的存在理由。雖然pj導演認為叫阿爾溫上戰場純屬蛇足，但是僅憑聲色影像的直觀，確實令我無從感受她那所謂的精神意念。滿眼盡是她目光呆滯，黯然失色的模樣。怎麼看怎麼都像是等人家把仗打完了，她趁機跑去嫁給阿拉崗坐享其成。
倒是羅翰國公主伊奧溫，個人感覺影片中血肉豐濃的人物之最非她莫屬。自她身穿白色長裙佇立城頭那一刻起，我已能想見這個女孩心中的廣闊天空。她懂得如何爭取自己的幸福。而面對情感的失落，她更加清楚什麼才是最重要的理想追隨。沒有棲息的愛是比死亡還要冷酷的冰川。伊奧溫執意上了戰場。金發起舞如風中白帆，深綠眼瞳目光炯炯。與身邊那群英勇男兒毫無差異。她和他們一樣放聲吶喊，預見自己終有可能倒在滾燙的血泊中央。但無論是生是死，得到的自由早已覆蓋住那一點點微弱的傷。
伊奧溫不是童話里的公主。她不是只會坐在華美幽黯的後宮持續無用的想念。亦不會讓萬段柔腸在荒野林間譜寫流亡曲。她才是真正手持神劍，飛身駕馬的絕世精靈，於戰火硝煙的百里沙場上縱橫馳騁。
電影一直用相交的兩根線索編繪故事。我不理解為何很多影迷覺得弗羅多惹人厭惡。在我看來，他是人性善面的極致代表。「善良」 一詞不僅僅是心腸柔軟的意思。它同樣包含一個人對理想的詮釋和對責任的實行。這個身材矮小的霍比特人所承載的，或許是連天神都無法企及的靈魂。所以薩姆對弗羅多那種拚死護送的忠誠，絕對不能和同性傾向混為一談。因為一個真正純潔正義的生命，他身上自會散放出令任何人感到震攝的光芒。
聽說原著語言優美非凡。不過電影台詞大多採用了簡明的方式。可就是這些簡潔的對白，卻有一股直搗人心的份量。比如開頭不久薩姆把所有食物留給弗羅多時說的那句：i am not hungery。短促的言語暗中凸顯薩姆作出自我犧牲時所下的決心。而當弗羅多體力不支在石壁上倒下的時候，精靈女皇向他伸出帶著光和熱的手掌。this task is appointed to you. if you don』t find a way, no one will。這句話並非冥冥中精靈女皇帶給他的力量。而是自己必須完成的這個使命，扎在內心根深蒂固的重量。
伊奧溫戰勝戒靈巫師後，伏在父親身旁哀哀哭訴：i am going to save you。國王平靜說道：you always did。即爾安詳地永恆沉睡。這個「did」 已是不會再有下一次機會發生的過去時。國王記憶中最後一幕長新的情景，是公主那令人即使面對死亡都會感到安慰的勇敢堅強。然而生死無情絕不為此遲疑。它依然在瞬間築就永遠不可逾越的圍牆。
印象較深的還有決戰前精靈哥哥對矮人說得話：what about if we die side by side with friends？記得他們以前總喜歡比試戰績。精靈哥哥輕功征戰象時矮人還斤斤計較了一句：that couldn』t be counted as one。有趣的小心眼使人發笑。既然一切都將可能終結，假如死亡能讓友誼和希冀永恆，那麼生存的盡頭又有什麼值得恐懼呢？
我本是個感性的人。就連《海底總動員》這種動畫片也能讓我鼻腔酸楚。觀看魔戒更是不止一次地濕卻雙眼。這種經由人性相通的連接點引發的共鳴，是否就是遺忘在成人世界裡，淚水的恆溫？
瑰絕的音樂詩篇
大概本身迷戀另類的關系，總覺像魔戒這樣的電影，應該由深受古文明熏陶的歐洲音樂人但當配樂製作。事實上魔戒系列的原聲音樂拋不開和歌特及新古典流派一脈相承的關聯。起初精靈族行走林間那個場景，如詩如畫，彷彿一出夢境顯形在時空隧道的彼端。多麼像歌特金屬和darkwave一貫表達的典型意境。
由於影片需要，背景音樂的主調是澎湃激昂的。而有些場面加入些許蒼涼的調子，便是喧鬧背後令人動容的寂靜。好比法拉墨出征時梅利的那段清唱，以及高潮處如歌劇般的男女高音合唱，都蘊含幾分歌金的神秘色彩和darkwave的幽暗氛圍。音樂是比畫面和文字更具感染力的藝術形式。有時戰爭場面的氣魄，或許只需一篇冰涼而慘淡的曲章，就能表現淋漓。記憶中那些沉鬱悠揚的旋律，聽起來彷彿遠遠傳至的天籟。優美，似有，似無。到達耳膜深處卻有一段遙遙無期的路途。
很難想像一部壯闊而漫長的史詩，如何能每個情景和細節都製作的如此精緻，完美無瑕。這種感慨猶如前陣我反復聆聽的速度金屬。那種追求旋律速度的東西，竟也能做到重型和古典的並存。聽說魔戒原本有意請奧地利樂隊elend製作配樂。且不論真假，黑暗樂系的氛圍與神話故事的主旨總是最貼切的。
有人說，魔戒系列實為現代科技和人力結合的智慧結晶，卻是電影界的悲哀。可為什麼一定要把它嵌進傳統電影史的固有模式中去呢？它為我們帶來絕美的視聽享受，令我們重拾迷失在都市樓群中的人性情感。比起史詩的悲壯浩瀚，人類藝術觀也只不過是相對渺小的產物。如果沒有電腦特效的輔助，所有這些輝煌又如何燦爛在我們的瞳孔？
寫到這里，室外已是暮色漸暗之時。華燈初上，紛繁夜景，恍若隔世。能夠觸覺到任何一種豐富的感動，生活都是個美好的存在。
作 者：紫夜精靈
真正的勇士
總會在朋友危險時第一個拔刀相助
總是會對待兄弟和朋友心口不一
卻在暗處關心他們
帶給你光明的友情 帶給你愛情的純真 帶給你奇跡的知識
帶給你溫柔的誠實 帶給你希望的勇氣 ＝轉

I. 高分懸賞 能幫找純真年代的影評嗎

Age of Innocence
(Period romantic drama -- Color)
By TODD MCCARTHYA Columbia release of a Cappa/De Fina proction. Proced by Barbara De Fina. Co-procer, Bruce S. Pustin. Directed by Martin Scorsese. Screenplay, Jay Cocks, Martin Scorsese, based on the novel by Edith Wharton.

Newland Archer - Daniel Day-Lewis
Ellen Olenska - Michelle Pfeiffer
May Welland - Winona Ryder
Mrs. Mingott - Miriam Margolyes
Larry Lefferts - Richard E. Grant
Sillerton Jackson - Alec McCowen
Mrs. Welland - Geraldine Chaplin
Regina Beaufort - Mary Beth Hurt
Julius Beaufort - Stuart Wilson
Mrs. Archer - Sian Phillips
Mr. van der Luyden - Michael Gough
Mrs. van der Luyden - Alexis Smith
Letterblair - Norman Lloyd
Monsieur Riviere - Jonathan Pryce
Janie Archer - Carolyn Farina
Ted Archer - Robert Sean Leonard
Narrator - Joanne Woodward

An extraordinarily sumptuous piece of filmmaking, "The Age of Innocence" represents an impeccably faithful adaptation of Edith Wharton's classic novel, which is both a blessing and a bit of a curse. Director Martin Scorsese has met most of the challenges inherent in tackling such a formidable period piece, but the material remains cloaked by the very propriety, stiff manners and emotional starchiness the picture delineates in such copious detail. Despite all the talent involved, this portrait of an impossible romance set in the upper reaches of New York society in the 1870s has a finite audience, more or less defined by the $ 25 million to $ 30 million grosses achieved by such tony releases as "Howards End" and "Dangerous Liaisons."
Even if it does that well, this prestige entry, with its reported $ 40 million-plus price tag, will be a long way from break-even. Film premieres tonight at the Venice Film Festival.

For sophisticated viewers with a taste for literary adaptations and visits to the past, there is a great deal here to savor. The sets, costumes, cinematography, music and attention to the mores and customs of the time are almost unimaginably luxurious and evocative, giving evidence of tremendous research and a feel of extreme authenticity. The screenplay adaptation is intelligent and economical, and the casting and acting, from the leads to the smallest roles, are as fine as one could want.

But it is difficult to picture general audiences warming up to these representatives of the old ruling class, whose constricted emotional lives Wharton brilliantly illustrated in her 1921 Pulitzer Prize-winning novel.

Present rendition (Irene Dunne and John Boles starred in a forgotten 1934 RKO version) begins with a lovely floral and lace title sequence by Elaine and Saul Bass, then plunges the viewer into the hotbed of high society -- the opera, where the real action is in the boxes, not onstage. The focus of most lorgnettes this evening is Ellen Olenska (Michelle Pfeiffer), a beautiful American recently returned from Europe after leaving her aristocratic husband.

Ellen is a cousin of lovely young May Welland (Winona Ryder), who is just now announcing her engagement to socially prominent lawyer Newland Archer (Daniel Day-Lewis). Although related to a distinguished family, Ellen is much whispered about e to the free-thinking ideas she appears to have acquired in Europe, and because she is rumored to have lived with her male secretary.

In this world of formal balls, dinners and other ritualized social engagements, propriety is all, and Countess Olenska doesn't conform to the letter of New York's standards. But Newland, who at moments dares to express unorthodox ideas about acceptable behavior for women, defends her and, with the help of his mother, orchestrates her acceptance into society.

But just as he is urging May to move up their wedding date, Newland becomes entranced by the bewitching Ellen, who is so tantalizingly different from everyone else in his sphere. With the excuse of advising her legally on her impending divorce, he is able to call on her frequently, and when he finally reveals his feelings, it's almost too much for both of them.

The real subject of the film is Newland's adhering to his prescribed role rather than following his heart, and while this is apparent, the emotion is, crucially, not deeply felt or conveyed despite the couple's furtive meetings in the film's second half. The obsessive central love story here is repressed on all levels, which serves to parch the film more than intensify it. Nor does a rather flat coda, set in Paris years later, deliver the intended poignance.

The picture's other subject is the re-creation of an era, and in this the film is almost overwhelmingly successful. The repeated close-ups of 1870s place settings, food preparation, cigar trimmers, fabrics, clothes, paintings and decor, to the accompaniment of appropriate music, bespeaks an immersion in time and place that some may feel goes beyond the necessary to the fanatical (but which actually constitutes a pleasure in its own right).

In both their exquisite appearance and sheer quantity, Dante Ferretti's proction design and Gabriella Pescucci's costume design are practically beyond compare, and Michael Ballhaus surpasses himself with his resplendent widescreen cinematography.

In his attempt to define an era through a thwarted romance set among the trappings of the very rich, Scorsese conjures up the cinematic worlds of Max Ophuls, notably "Madame de ... ," and Luchino Visconti, particularly "Senso" and "The Leopard." For a director previously associated mostly with the violence of the lower classes of New York, it's a notable attempt to stretch, and admirable in many ways.

Day-Lewis cuts an impressive figure as Newland, and it may be that he is playing something of a thankless part: a character who invariably makes decisions that disappoint.

The two principal female roles are superbly filled. For any actress to make the transition from Cat Woman to Ellen Olenska would be impressive, and that Pfeiffer succeeds here as she did in her last film is the most conclusive proof yet of her widening talents. Ryder is also perfect as the child-woman with a more tenacious instinct than her retiring manner would indicate.

A great roster of superior actors fills out the supporting roles, and seeing the likes of Alec McCowen, Sian Phillips, Richard E. Grant, Miriam Margolyes, Geraldine Chaplin, Mary Beth Hurt, Norman Lloyd, Michael Gough, Jonathan Pryce and, in her last role, the late Alexis Smith pop up throughout reps a connoisseur's delight.

Scorsese brings great energy to what could have been a very static story, although his style is more restrained and less elaborate than usual. Script by the director and former film critic Jay Cocks judiciously trims the story down to manageable length while retaining its essential elements.

Elmer Bernstein's score is full-bodied and richly romantic, Thelma Schoonmaker's editing is very finely tuned and the scene transitions are notably varied. This is no doubt one of the few films ever to credit a table decoration consultant, etiquette consultant and chef for 19th-century meals, and these credits are very well earned.

建議你到學校外上網，肯定可以上國際網。你可以去www.imdb.com查這部片子，然後通過external reviews就可以看到不少評論，有些應該還比較有用，比如roger ebert的影評。另外，北師大的田卉群老師出過一套什麼教程，反正就是影片分析的，一共兩本，講外國電影的那本裡面我記得的有《純真年代》的分析，也可以找來看看，既然你是學這方面的，我想圖書館肯定少不了這些書。

J. 誰能忍受孤獨，誰便最常情.白日焰火

白日焰火經典台詞

1、一個人需要隱藏多少的秘密，才能巧妙地度過一生?

2、「你還想贏專得世界啊屬?」 「不，我只想輸得慢一點。」

3、那時候這家酒吧也叫白日焰火，現在鳥槍換炮了，可是多美多爛的記憶，都不會改變的。

4、張自力（廖凡 飾）：想逃，逃不掉

5、吳志貞（桂綸鎂 飾）：我說不用解釋！

6、張自力（廖凡 飾）：看到什麼了？白日焰火

7、她的愛沉浸在海底。就如白日焰火，旁人無從察覺，可是一直在努力綻放。

8、做不成人生贏家，但也不能輸的太快

可是，多美多爛的記憶，都不會改變的

如今滄海桑田、鳥槍換炮了，但最美最爛的記憶永遠不會忘記!

我們經歷的每一種情境都是完美的，即便它不一定符合我們的理解與自尊

你還想贏得人生嗎

不想這輩子這么失敗。

——要不然呢，你還想功成名就不成?

——至少失敗得慢一點