甜美錯步影評
一、意象：
1、顏色和衣飾
顏色的喻意最常用也最明顯。
白色、粉色：白天鵝、妮娜。黑色：黑天鵝、母親、莉莉、貝絲。灰色：唯一的男主角——舞團藝術總監托馬斯。
白色：妮娜的枕頭是黑白花紋的，在多個夢醒的俯看鏡頭中，她的頭顱都正好擱在黑色藤蔓花紋盤繞糾纏的中心；她的雪白圍巾，呈絨毛狀，既是白天鵝羽翎的象徵，又像是雛鳥新生未豐的遍體軟茸。（以這種絨毛狀服飾象徵純潔，不久前在《單身男子》中也見過：尼古拉斯-霍爾特飾演的代表救贖天使的肯尼，就穿著這樣的軟絨白毛衣。）
粉色：妮娜的房間幾乎全部布置成粉色；開場的第一個早晨，母親端上來的早餐是切成兩半的水果，妮娜有如小女孩般呢喃：「粉色，多漂亮！」
妮娜的手機多次出現，可以看到她的手機屏幕上出現「MOM」字樣時，底色是粉紅色的。
當妮娜獨自蜷坐在甬道中練習手臂動作時，圍巾是淡粉色。
到她被選為「天鵝皇後」之後，那條絨毛狀的圍巾就不見了，即雛鳥褪毛的象徵。
——不過，當妮娜受到托馬斯誘惑又被拋閃後，曾坐在鏡前哭泣。彼時絨毛圍巾再次出現，應是喻意她此際彷徨悲苦，又回到瑟縮雛鳥的狀態。
灰色：當她頻頻出現幻象之後，她練舞時穿的上衣從白色變成灰色；她的家居服也成了灰色——灰色滲入了妮娜的粉色天地。
在酒吧中，莉莉給了妮娜一件黑色的性感背心。妮娜把它套在了白衣外面。服下致幻葯物後的一夜，妮娜的毛衣徹底變成了深灰色。
在妮娜的「白色時期」，她的鞋子是圓鈍、無侵略性也無野心的灰色棉布雪地靴，與她形成對比的是「黑天鵝」莉莉那冶艷的黑色皮靴。
2、天鵝
天鵝是個復雜奇怪的意象，可以代表純潔，卻也可以是肉慾的化身：眾神之神宙斯，為斯巴達王廷達瑞俄斯之妻麗達的美貌所傾倒，變為天鵝與其野合。天鵝雪白的胴體、柔媚的長頸、軟滑的羽毛、飽滿肉感的身軀，亦可看做女子性徵極致的組合。
天鵝的另外一個象徵意是藝術家的詩意唯美化身，聖桑的《天鵝之死》、諺語「天鵝之歌」，都用這個意義。
本片中天鵝的意象無處不在，貫穿始終的《天鵝湖》音樂令全片像一部音樂劇，此外尚有妮娜的手機鈴聲、帶有《天鵝湖》節奏和芭蕾舞小人兒的八音盒等。
我認為最重要的天鵝意象，出現在妮娜躺在浴缸中的時候（第50分鍾）。觀者可以看到鏡頭右邊一隻小盒子，盒子上用色點鑲嵌的手法砌出白天鵝的圖形。就在這天鵝的陪伴下，妮娜在浴缸中自慰——鏡頭中只有她閉目呻喚的面孔，和那隻天鵝圖形。這其實是「麗達與天鵝」故事的影像化的一幕，妮娜甚至向天鵝圖形那邊拋去一個嫵媚的眼風！但最後，妮娜被滴入水中的血液驚醒。
片中多名女子帶有黑天鵝的特質。
第一隻黑天鵝，當然是莉莉。
第二隻黑天鵝是貝絲。
第三隻黑天鵝，是妮娜的「另一個自己」。
需要說明的是：黑天鵝並不是徹底的邪惡象徵。它代表的是慾望、掙扎、不懦弱，和不掩飾、不壓抑一切渴求。黑天鵝唯一的原則是追求快感的原則。
（27分鍾時，一位黑衣舞蹈教師教授妮娜如何飾演黑天鵝，鏡頭長久凝視著這個老女人露出的肩胛，蝴蝶骨在衰老皺縮的皮膚下艱澀滑動，這是只不能再飛起的老天鵝。）
3、指甲與抓痕：
妮娜做了被黑魔王擒住的夢境之後，第一次發現肩胛處有傷痕，並且她閃躲著、砌辭掩飾，不願母親過多注意；後來，抓痕頻繁出現；她的足趾趾甲破裂，血肉模糊；在托馬斯把天鵝皇後隆重推出的晚宴上，妮娜發現指甲處開始有血印。她躲在洗手間里，試圖剝掉甲溝處脫離的皮膚，讓人心悸的是她順勢一撕，撕扯下一長條帶血的表皮，但當她喘息著在水流下沖凈血跡，發現傷口消失了；後來，妮娜的母親把她拉到洗手間，陰沉著臉為她修剪指甲。
指甲是「黑天鵝」掙扎出繭的武器。母親的動作代表粗暴的「解除武裝」與鎮壓。種種表象，暗喻妮娜身體中另一個自己越來越急迫地要破繭而出，要掙脫這個清潔的、嚴肅的、死氣沉沉的軀殼。
從處子到女人，需有一道疼痛和流血的儀式。無處不在的血污，象徵著妮娜性意識之逐漸覺醒，在心靈上從處子跨越到女人。
——或曰，妮娜並非處子。她曾在托馬斯的強迫下面對這個問題。然而當他問「你喜歡歡好么」，妮娜臉上露出的不是對美好事情的緬懷，而是不得不勾起醜陋回憶的憎厭。若她不曾領略到歡好的快感，從精神角度上說，她便仍是處子。
妮娜試圖在浴缸自慰一段。注意：自慰需要使用手。她被水面上懸空出現的自己的臉驚嚇，浮出水面，發現手指在流血——也便是用來自慰的手。亦即「撫慰」她的是她心中的「黑天鵝」。
而在浴室鏡子前剪指甲時，試圖剪除「指甲」的是妮娜，而鏡子里惡笑著令她把肌膚剪破、淌出血來的，則是要迫切要破殼出來的自我。
4、莉莉：
莉莉肩胛處有黑色紋身，粗看像是鋪開的羽翼，有張牙舞爪之勢，凝神看去，可以辨出圖案是兩朵並蒂開放的花，象徵善與惡的並蒂。
莉莉出現的這天傍晚，妮娜在歸途中首次與遍體黑衣、長發披拂的自己劈面撞見。這是她潛意識中的「黑天鵝」首次出現，暗示妮娜其實對風情迷人的莉莉十分欽羨。
莉莉把妮娜帶到酒吧作樂，在從酒吧回去後，妮娜最嚴重的一次幻象出現了。
仔細觀看這段影像可以看出，不必等到第二天早晨，導演早就暗示了莉莉的不存在：在妮娜笑著進門時，她的身影出現在多面鏡中，被分裂成無數個「妮娜」，暗示此時的她已呈分裂狀態；母親出現，沒有向「莉莉」打招呼（第一次看時，可能會當做母親對莉莉的不滿或故意忽視，但返回去看便知進門的從頭至尾只有妮娜一個人）；而此處有更明顯的暗示（1小時06分鍾）：在鏡子里一個妮娜的身影後閃出了莉莉的影像，她媚笑著躡手躡腳地走開，這表示莉莉就是從妮娜腦中分裂出來的。隨後，妮娜「拉著莉莉」跑回自己的卧室，當她把母親關在門外時，可以清晰地看到門上懸掛著灰色鑲嵌粉邊的外套——灰色已經是主要色調，粉色退居邊緣。
母親大喊：「you』re not my Nina again！」此際的妮娜確已不是母親的女兒，她歸屬於自己、臣服於慾望。
當「莉莉」與妮娜以同性方式歡好，由於別致的姿勢，觀者和妮娜都可看到莉莉怪異扭動的肩胛，以及肩胛上的紋身：從並蒂花變成了振起的翅膀——黑天鵝再次出現。
此際兩種弦樂——陰險的大提琴與纖細憂傷的小提琴，交織在一起。映襯著妮娜面龐的，也不再是黑白花紋的枕頭，而是曖昧艷麗的肉粉紅色枕頭，其上飾有彩色圓形圖案，象徵交合圓滿——淺粉色象徵純真少女，肉紅色便是肉慾的象徵。「莉莉」的面目始終埋在妮娜雙腿之間，惟有一種「破繭」的撕裂聲傳來。當妮娜從高潮中醒來，她發現「莉莉」的面孔，是自己。
這是第一次她在莉莉身上看到自己。
當妮娜在最後一天排練結束後，發現托馬斯與莉莉在晦暗的舞台角落中歡好，然而恍惚間，那張放盪快活的面孔卻是自己的，而御於自己身上的人，卻也不是托馬斯而是劇中的黑魔王。與托馬斯的歡好，當是妮娜心底盼望的，被黑魔王的蹂躪，則是她真實心靈現狀的物化體現。值得注意的是：這一段的背景交響樂中混雜了一種奇怪的、禽類的「格格」叫聲，這應當是妮娜心底「黑天鵝」急欲破體而出的聲音。在妮娜受驚飛奔開去時，更有鳥類展翅撲棱的聲音。
5、母親：
永遠一襲黑衣的母親，有一張禁慾者的長面孔，蒼老的手像鳥爪一樣抓在女兒粉嫩的手臂上。她曾是該公司的舞者，仍有人脈，妮娜在公司的舉動和表現，她都可掌握。
母親的愛好是坐在自己的屋中畫畫，她描繪的是自己年輕時的樣貌，以及妮娜的臉——畫像上的女子頰上有一顆痣。
可以捉摸到她的過去：曾經輝煌，因沉湎情愛，生下私生女斷送舞蹈生涯，因此她認為肉慾和性愛是毀滅性的，強迫女兒停留在十餘歲的懵懂之中。對女兒懷有不正常的控制欲和愛。
（耶利內克的《鋼琴教師》亦渲染此類畸形母女關系。）
6、妮娜與托馬斯的三個段落：
A、在托馬斯的門外等待他的妮娜，首次拆散了一絲不苟的發髻（發髻象徵禁慾與嚴格自律），對唇上鮮紅的胭脂膏子（唇膏來自貝絲）還不大習慣，不由自主地抬手去擦拭。此際她心中是矛盾的：為了得到夢寐以求，她不得不打算啟用長久以來忽略的、性別的魅力，做最後一搏——她其實意識得到自己是美的，只是始終不屑於張揚和運用，這仍是某些中學女孩子在性別差異萌發時的心理：努力勒緊腫脹的胸部，為性徵感到羞恥。
當她對著托馬斯時，就像犯了錯誤的小孩子面對手拿她的糟糕成績單的老師。隨時准備哭出來的急促氣息、這個時候的妮娜，甚至不是「女人」。她來爭取角色，竟像請求老師給予補考機會，始終喃喃說道：「我能做到，我昨晚努力過了。」她仍不敢亮出自己最原始的武器。當托馬斯誇獎她「美麗、優雅」的時候，妮娜臉上並未出現釋然和些微歡喜，目光甚至更焦慮，慌亂地躲閃開去。
在他的逼迫下，妮娜第一次說出了「完美」這個詞（舞者大多是完美主義者，撲朔迷離的「完美」，往往令他們陷入走火入魔的境地）。托馬斯扳過她細巧的下巴，惡狠狠地吻著了她。若是旁的女人，恐怕立即香舌暗度、運津咀華，順勢往來一番，然而竟有妮娜這等不曉事的，咬了上司一口。可以說托馬斯早就心有定案，要扶助妮娜成為白天鵝，一切波折只是故意鍛造她的過程，或可說在妮娜的咬嚙中，托馬斯看到了她並不懦弱、甚至有些兇狠的一面，於是相信她仍是可造之材。
在某些時候，灰色托馬斯的舉動，會引人誤解他是個想把妮娜潛規則的上司，其實他絕非心地齷齪，他看出這女孩有如渾金璞玉，希望通過愛欲的打磨，令她升華到更高境界。
所有藝術最高形式的魅力，其實都是模擬性快感。因此，不懂得愛與性愛的藝術家，永遠無法到達最高境界。她們需要先捉摸、領略過那個園中果實的異香與甜美，才能在舞台上模擬一二，以此引領觀者沉浸入相似的妙境。
B、從托馬斯的辦公室出來後，妮娜盤坐在牆角（她總是獨個兒坐在牆角，是膽怯小女孩的表現），狠狠地將散發再次綁起，這意味著她後悔方才的「放盪」，要迅速回到令自己感到安全的、清心寡慾的殼子去。
（在影片45分鍾時，妮娜第一次在練習舞蹈時拆散了發髻，旋轉時，長發在空中飄散出曼妙曲線，喻意她內心的「黑天鵝」的風情初露。）
C、托馬斯的理解是：舞者要散發出性的魅惑，要讓觀眾愛上你。
他親自與妮娜共舞，用手掌嫻熟地抹過女子的敏感處所，成功地喚起妮娜的迷狂。背景弦樂逐漸加強，危險而充滿誘惑，黝暗的練功房恍如亞當夏娃的園子，托馬斯反復說「open your mouth」，妮娜逐漸情動，揚起手反撫住托馬斯的頭頸，與他唇舌交纏。這是她的性意識被徹底喚醒的關鍵時刻。
（這男人如此用心良苦。在妮娜贏得山呼海嘯般的掌聲後，他輕聲說：「你聽到了嗎？他們愛你。」）
D、首演前夜，妮娜在樓梯上向托馬斯哭訴。他仰頭看著她，看著她那張凄楚小面孔上的珠淚盈盈——是他把她托舉到了高處不勝寒的地方。
7、地鐵
地鐵是個奇妙之處。嘈雜昏暗、狹小擁擠的空間，不得不親密貼緊的無數陌生人，黑暗中映出人影的玻璃門窗，凄厲的呼嘯風聲，車廂像是一個盛滿夢魘的巨大鐵盒。
妮娜第一次塗口紅，便是在地鐵玻璃窗的映像中。
托馬斯曾問妮娜的男伴舞：「你想與她歡好么？」——此時妮娜全無性方面的吸引力。當妮娜的性意識覺醒後，地鐵中一個老者對著她大做猥瑣動作，值得注意的是，而空盪盪的車廂中有許多空位——地鐵的場景出現過很多次，惟有此次車廂幾乎是空的，導演在暗示妮娜可以更換座位，但她既未沒露出異樣神情，也未更換座位，只是平靜地轉開臉去——她其實並不厭惡，甚至暗暗喜悅自己具備了這樣的原始吸引力。
8、雕塑：
宴會結束後，妮娜在大廳中等待托馬斯，廳心有一尊奇異的雕像。當妮娜對牢雕像凝睇，音樂陰郁奏響，提醒觀者注意。雕像有如夢魘中的妖魔，吸引滿臉懵懂的少女一步步走近：五官模糊一片、塗成慘白的人臉，手臂斷折不見，只有兩只翅膀高揚，兩腿緊並，身體以耶穌受難的姿勢直立，下身有男子性徵。
這個雕塑的意思：要想要翅膀，就要拋棄雙臂，等待受難。
——下體的男子性徵，喻意不明。或暗喻「合體」？
9、貝絲：
妮娜在被貝絲砸得亂七八糟的化妝間中，偷取了一隻唇膏。這表示她其實暗暗期望像貝絲一樣有魅惑人心的女性魔力；貝絲的小刀象徵她的侵略性——那也是白天鵝潛意識中期望得到的。
她所擔心的：貝絲的今日就是她的明日，失掉舞者的腿，失掉容貌。因此幻覺中看到貝絲/自己瘋狂地將刀子向臉上插去。
10、前夜
在此引用茨威格一段話：
「她內在的激情還未蘇醒，她真正的、深處的自我尚未成形，只有被狂熱的激情激發之後，他才能真正蛻變，綻露出蜷縮的翅膀。就像選手在竭盡全力沖刺前所做的一次深呼吸，她的生命正在停滯的休眠期里積蓄著力量，猶如沉睡的火山，一旦噴發，將地動山搖。」（《蘇格蘭玫瑰-斷頭女王斯圖亞特》）
首演前夜，妮娜感到的壓力達到峰值，近乎崩潰，眼中的幻象也越來越血腥：她看望貝絲時看到瘋狂毀掉容貌的自己（象徵對年老色衰的恐懼）；畫像變成蒙克的吶喊者（母親的囚禁力幾乎成了妖魔）；她的肩胛上抓傷的地方迸現黑色的羽毛（黑天鵝已經迫不及待要掙脫白天鵝的肉身。但此段太像《變蠅人》），她的眼睛變得血紅（血的意象），雙腿折斷變成禽類的腿，用門掩傷母親的手（手，又是手），最後昏暈過去。
在她從昏迷狀態醒來之後，在鏡頭中始終沒出現母親的右手，令觀者疑慮：是否昨夜的恐怖都是臆想？當妮娜為了搶回門閂，捏住母親受傷的手，才明示昨夜的爭執其實都發生過。
期望妮娜得到成就的母親，為何一反常態，鎖了門不許她去參加演出？——她嫉妒了。她永遠不曾當上天鵝皇後，然而妮娜做到了。此時妮娜不再是她的「Sweet girl」，而是比她更成功的、映襯出她之失意寂寥的舞者。
11、黑天鵝之死
一切來到最後關頭，反而變得簡單多了。妮娜心事重重，從舞伴手中跌落——她所見的莉莉與男舞伴「密謀」暗害她，到底是真是幻？從後面情節來看應當是她臆想出來的。當妮娜回到化妝間，「黑天鵝」在等她。妮娜把她猛推到鏡子上，鏡面破碎，白天鵝用一塊鏡子的碎片殺死了「黑天鵝」。
鏡子，是鏡子。鏡子不復存在，鏡像亦香消玉殞。
這一段戲也頗為精妙：波曼把死去的黑天鵝拖入盥洗室，喘息未定，遍體戰栗，但音樂漸強，令她逐漸安下心來（迷茫時她曾喃喃「My music」，舞者心中有對音樂的下意識依賴），雙眸再次變為血紅——黑天鵝未死，反之，它完全攫住了妮娜的靈與肉。
妮娜化身黑天鵝之後的一段舞蹈，音樂節奏急促，時時伴有翅膀扇動之聲、喘息呢喃之聲。後一種聲音暗喻著歡好，而歡好之愉悅亦有人形容為「飛」，比如老三（《山楂樹之戀》）。
可以看到身著黑衣的男舞伴將驚艷痴迷的目光投在她面上，應對了前面托馬斯那一問（你願意與她……嗎？）。音樂暫停，妮娜回到幕後，表情仍像沉溺在歡好之後的余韻中。
最後一段獨舞中，她（在臆想中）看到兩臂滋生出天鵝的毛羽，在雪亮的燈光里，黑色羽翼應和著音樂瘋長，旋轉揮舞，越來越圓融，越來越忘我，越來越囂狂，越來越恣肆，越來越美。最後那一勢，巨大的天鵝影子與昂首的舞者交相輝映，心魅、靈魂、肉體、渴求、慾望，均在這一刻得到最自在無礙的完滿。
這一舞完成後，黑天鵝隱去——標志是妮娜的一對瞳仁回復清澈——舞者在潮水般的喝彩中變回白天鵝。亦即黑天鵝只為這最華彩的段落而生，方才的獨舞，便是「天鵝之死」。
但白天鵝亦不再是從前的白天鵝：妮娜在掌聲中回到側幕，激動快慰的托馬斯正在眾人中等待她，她欺上去狠狠吻住他，立在芭蕾舞者樹起的足尖上，吻了他，挾著隱隱風聲，像一次兇猛的襲擊，像天鵝從雲端俯沖而下，像他當初吻她一樣霸道。然則，她仍被邪魅所魘？宛轉柔媚的音樂浪濤一樣澎湃而起：不。黑天鵝確已死去，不再復活；白天鵝攝取了黑天鵝的悍勇、情致與佻達，涅磐再生。
在那一吻結束後，素常鎮定的托馬斯也禁不住顯出神魂顛倒的痴笑，目光微微無措羞赧卻又自豪地四下一溜。此一幕，應對了他在練功房中說的：「下一次，你來誘惑我。」徒弟出師了，被迷醉難以自拔的換成了師父。他看妮娜的眼神，是在看自己打磨成功的一件完美的藝術品。
不過，懸念仍未解開：化妝間中還有一隻死去的黑天鵝。妮娜用粉色的毛巾遮擋住門縫里滲出的血泊，卻驚見莉莉推門道賀，懸念之弦被綳上了最緊的一扣——死去的到底是誰？鏡子確實碎裂一地，但門下並沒有血……弦樂始終陰森急促地迫在空氣中，妮娜泫然呆怔，慢慢垂下頭，從小腹一起一伏的傷口中拿出了折斷的鏡子碎片。真相大白。
這一段波曼的面部表情豐富刻骨，恍然、惶然、悲凄、絕望、悔疚、無措、忍痛、堅忍……層次感極強的表演毫不脫力地支撐起這個最高潮的情節。最後，她低泣著在鏡前坐下，用粉撲抹去眼淚，肌肉受到被動拉扯，硬生生把戚容轉換為微笑。黑天鵝已死在舞台上，白天鵝也要在舞台上死去。
而在最後一躍中，遍體雪白的妮娜終於帶著黑天鵝的傷口，回歸純白世界（白色的海綿墊子）。
「完美。我得到了完美。」
在經歷靈與肉的雙重磨難之後，黑天鵝與白天鵝在糾纏中合為一體，創造出完美的境地，俱獲安寧。
當然，為什麼觀眾始終看不到血漬？為什麼眾人圍上來時沒有第一時間看到白裙上的鮮血？不必深究了。
12、青衣：
「青」有黑色的意思。《黑天鵝》的故事，很像畢飛宇的《青衣》。冰冷冷的筱燕秋（妮娜），青春洋溢的春來（莉莉），甚至最後一場演出的「遲到」橋段都如此相像。筱燕秋在雪地中的自舞，亦有血的伴隨。
二、戲與人生
毫無疑問，《黑天鵝》是一部奧斯卡級別的影片。精細得無微不至的音效和微妙聲音，簡直像是無言的解說，令這部電影更加飽滿，增添奇幻、妖異的魅力。畫面多次著墨在妮娜的精緻發髻、瘦削肩胛、天鵝一樣優雅的修長脖頸，讓人切實感到這就是職業芭蕾舞演員。妮娜時時迷惘、眉尖緊蹙、怯生生的表情，增一分嫌多，減一分嫌少。稍顯美中不足的是，「黑天鵝」上身時，魔力欠缺少許，好在黑天鵝的驚悚妖艷妝面提供助力，雙眼圓睜那一亮相，仍令人心頭一凜。
駭人的是，她還這樣年輕，小金人遲早是她的——不過，也許不是這次。
「女神的男人」文森特-卡索，乍看普通，多看幾眼，便覺優雅迷人、透骨而來，暗嘆莫妮卡挑枕邊人的眼光著實了得。文森特的面目恰到好處地有點肉慾色彩，時有媚氣一閃，符合他在女人堆廝混的身份；他特殊之處是雙眼生得有些開（錢鍾書雲：會略害相思病），感覺像《潘神的迷宮》中的潘神——半羊半人的潘神，湊巧也是慾望的象徵。
「莉莉」米拉-庫妮絲，看過她的《忘掉莎拉-馬歇爾》和《約會之夜》。她確實是能讓人忘掉女主角的美人！黑天鵝的邪魅之美，算是選對了代言人——不過，映襯女主角一定要煙熏眼么？《穿Prada的惡魔》中，艾米莉-布朗特煙熏眼一次之後便星途坦盪，但願米拉妞能為這條「煙熏眼定律」再做佐證。
薇諾娜的戲份不多，但相當出彩。其實若無當年一場偷盜波折，「白天鵝」這個角色由她擔綱亦非不可能，然而心裡的黑天鵝毀掉了她。白羽染皂，她再也飛不起來，如今只能看著年輕的波曼挾風直上，夷猶如意。戲中戲外之況味，不知何如？
舞蹈團中牙伶齒利、刻薄輕佻的維羅妮卡，肉臉厚唇，也讓人印象深刻。一個女人的小團體中，是必定會有一個這般人物的。
更讓人感慨的是：娜塔莉-波曼在拍攝中結識該片編舞、舞蹈家本傑明-皮勒米，相戀訂婚，如今已宣布有孕。
難道波曼與本傑明真的像妮娜與托馬斯一樣，在耳鬢廝磨、肌體交纏的共舞時，情愫滋生？戲中妮娜因一部《天鵝湖》醒覺了性意識，戲外波曼因《黑天鵝》得到愛情婚姻和胎兒。戲如人生人生如戲，即此謂也。
② 網上《阿甘正傳》觀後感千篇一律，你有什麼不同的觀影感受
5、生活其實更像是一根甘蔗
電影好看，但那畢竟只是電影；雞湯好喝，但那畢竟只是雞湯。生活不是巧克力，哪有那麼多各式各樣入嘴即化的甜美？在本大象看來：生活更像是一根甘蔗，只有用力咀嚼，才能嘗到冰冷與堅硬之下非常有限的甘甜。親們，你覺得呢？——這些經典你都看了嗎？百家號【大象看戲】約你一起來聊經典...
③ 高分懸賞 能幫找純真年代的影評嗎
Age of Innocence
(Period romantic drama -- Color)
By TODD MCCARTHYA Columbia release of a Cappa/De Fina proction. Proced by Barbara De Fina. Co-procer, Bruce S. Pustin. Directed by Martin Scorsese. Screenplay, Jay Cocks, Martin Scorsese, based on the novel by Edith Wharton.
Newland Archer - Daniel Day-Lewis
Ellen Olenska - Michelle Pfeiffer
May Welland - Winona Ryder
Mrs. Mingott - Miriam Margolyes
Larry Lefferts - Richard E. Grant
Sillerton Jackson - Alec McCowen
Mrs. Welland - Geraldine Chaplin
Regina Beaufort - Mary Beth Hurt
Julius Beaufort - Stuart Wilson
Mrs. Archer - Sian Phillips
Mr. van der Luyden - Michael Gough
Mrs. van der Luyden - Alexis Smith
Letterblair - Norman Lloyd
Monsieur Riviere - Jonathan Pryce
Janie Archer - Carolyn Farina
Ted Archer - Robert Sean Leonard
Narrator - Joanne Woodward
An extraordinarily sumptuous piece of filmmaking, "The Age of Innocence" represents an impeccably faithful adaptation of Edith Wharton's classic novel, which is both a blessing and a bit of a curse. Director Martin Scorsese has met most of the challenges inherent in tackling such a formidable period piece, but the material remains cloaked by the very propriety, stiff manners and emotional starchiness the picture delineates in such copious detail. Despite all the talent involved, this portrait of an impossible romance set in the upper reaches of New York society in the 1870s has a finite audience, more or less defined by the $ 25 million to $ 30 million grosses achieved by such tony releases as "Howards End" and "Dangerous Liaisons."
Even if it does that well, this prestige entry, with its reported $ 40 million-plus price tag, will be a long way from break-even. Film premieres tonight at the Venice Film Festival.
For sophisticated viewers with a taste for literary adaptations and visits to the past, there is a great deal here to savor. The sets, costumes, cinematography, music and attention to the mores and customs of the time are almost unimaginably luxurious and evocative, giving evidence of tremendous research and a feel of extreme authenticity. The screenplay adaptation is intelligent and economical, and the casting and acting, from the leads to the smallest roles, are as fine as one could want.
But it is difficult to picture general audiences warming up to these representatives of the old ruling class, whose constricted emotional lives Wharton brilliantly illustrated in her 1921 Pulitzer Prize-winning novel.
Present rendition (Irene Dunne and John Boles starred in a forgotten 1934 RKO version) begins with a lovely floral and lace title sequence by Elaine and Saul Bass, then plunges the viewer into the hotbed of high society -- the opera, where the real action is in the boxes, not onstage. The focus of most lorgnettes this evening is Ellen Olenska (Michelle Pfeiffer), a beautiful American recently returned from Europe after leaving her aristocratic husband.
Ellen is a cousin of lovely young May Welland (Winona Ryder), who is just now announcing her engagement to socially prominent lawyer Newland Archer (Daniel Day-Lewis). Although related to a distinguished family, Ellen is much whispered about e to the free-thinking ideas she appears to have acquired in Europe, and because she is rumored to have lived with her male secretary.
In this world of formal balls, dinners and other ritualized social engagements, propriety is all, and Countess Olenska doesn't conform to the letter of New York's standards. But Newland, who at moments dares to express unorthodox ideas about acceptable behavior for women, defends her and, with the help of his mother, orchestrates her acceptance into society.
But just as he is urging May to move up their wedding date, Newland becomes entranced by the bewitching Ellen, who is so tantalizingly different from everyone else in his sphere. With the excuse of advising her legally on her impending divorce, he is able to call on her frequently, and when he finally reveals his feelings, it's almost too much for both of them.
The real subject of the film is Newland's adhering to his prescribed role rather than following his heart, and while this is apparent, the emotion is, crucially, not deeply felt or conveyed despite the couple's furtive meetings in the film's second half. The obsessive central love story here is repressed on all levels, which serves to parch the film more than intensify it. Nor does a rather flat coda, set in Paris years later, deliver the intended poignance.
The picture's other subject is the re-creation of an era, and in this the film is almost overwhelmingly successful. The repeated close-ups of 1870s place settings, food preparation, cigar trimmers, fabrics, clothes, paintings and decor, to the accompaniment of appropriate music, bespeaks an immersion in time and place that some may feel goes beyond the necessary to the fanatical (but which actually constitutes a pleasure in its own right).
In both their exquisite appearance and sheer quantity, Dante Ferretti's proction design and Gabriella Pescucci's costume design are practically beyond compare, and Michael Ballhaus surpasses himself with his resplendent widescreen cinematography.
In his attempt to define an era through a thwarted romance set among the trappings of the very rich, Scorsese conjures up the cinematic worlds of Max Ophuls, notably "Madame de ... ," and Luchino Visconti, particularly "Senso" and "The Leopard." For a director previously associated mostly with the violence of the lower classes of New York, it's a notable attempt to stretch, and admirable in many ways.
Day-Lewis cuts an impressive figure as Newland, and it may be that he is playing something of a thankless part: a character who invariably makes decisions that disappoint.
The two principal female roles are superbly filled. For any actress to make the transition from Cat Woman to Ellen Olenska would be impressive, and that Pfeiffer succeeds here as she did in her last film is the most conclusive proof yet of her widening talents. Ryder is also perfect as the child-woman with a more tenacious instinct than her retiring manner would indicate.
A great roster of superior actors fills out the supporting roles, and seeing the likes of Alec McCowen, Sian Phillips, Richard E. Grant, Miriam Margolyes, Geraldine Chaplin, Mary Beth Hurt, Norman Lloyd, Michael Gough, Jonathan Pryce and, in her last role, the late Alexis Smith pop up throughout reps a connoisseur's delight.
Scorsese brings great energy to what could have been a very static story, although his style is more restrained and less elaborate than usual. Script by the director and former film critic Jay Cocks judiciously trims the story down to manageable length while retaining its essential elements.
Elmer Bernstein's score is full-bodied and richly romantic, Thelma Schoonmaker's editing is very finely tuned and the scene transitions are notably varied. This is no doubt one of the few films ever to credit a table decoration consultant, etiquette consultant and chef for 19th-century meals, and these credits are very well earned.
建議你到學校外上網，肯定可以上國際網。你可以去www.imdb.com查這部片子，然後通過external reviews就可以看到不少評論，有些應該還比較有用，比如roger ebert的影評。另外，北師大的田卉群老師出過一套什麼教程，反正就是影片分析的，一共兩本，講外國電影的那本裡面我記得的有《純真年代》的分析，也可以找來看看，既然你是學這方面的，我想圖書館肯定少不了這些書。
④ 急需！！！《縱橫四海》和《賭神》的影評！！！
《賭神》
從《賭神》開始，港片開始真正將「賭」做神化處理。嗜賭如命的賭徒被塑造成正面形象，可恥的作弊出千到了他們手中變成巧妙優雅的眩人絕技，周潤發扮演的賭神形象，極具王者至尊風范，放眼華語影壇絕對不做第二人想，而在本片中，周潤發的喜劇表演亦是一大亮點，失憶後猶如小孩般的童真呆趣與賭神的王者之氣截然相反，卻又相得益彰，實在妙不可言。
由周星星釋演賭聖開始，「賭神」系列脫離了劇情片的巢臼，變成完全另類的電影，無厘頭喜劇天王周星馳的個性表演使「賭神」系列多出一道分水嶺，畢竟，星爺和發哥是截然不同的兩種路數，凡有星仔的戲，必定精彩搞筆，另具一格，令觀眾看得眉飛色舞。
賭神取得票房佳績後,王晶又旋即播出《賭俠》系列，主角除了繼承「賭神（周潤發）」，搞笑的「賭聖（周星馳）」外，又加入劉德華的「賭俠」角色，影片最後的賭桌大戰亦是特蒸發量異功能大顯神威，一個是精彩搞笑，一個是帥氣正牌，可謂賭壇至尊雙雄。
到了2000年之後，當賭片的發展經過三個輝煌的階段後，也出現了題材匱乏的問題，該演的都演了，這類影片的各種高度也都達到了，再拍還能拍什麼呢？最重要的是主題已經沒有了，神、聖、俠都有了，難道要演鬼不成？但是賭鬼很難聽，也不會有太大的吸引力，所以我們看到後來的賭片基本上屬於「亂賭」，沒有什麼大家風范的主角，而是各種小角色百家爭鳴、群魔亂舞。比如《中華賭俠》、《雀聖》之類。
《縱橫四海》
又見哥哥那迷人的笑容，又見發哥那邪氣的嘴角。再次看《縱橫四海》，突然不知道為什麼會重新看這部片子，或許是想看哥哥和發哥年輕時的神態。
故事是如此的簡單流暢，三個賊一起闖天下。兩個帥哥加上鍾楚紅這個美女，三人之間的感情也如此的清晰明了，動作則是一貫的吳式風格。
重新看這部片子，我只記住了那段話。當哥哥告訴發哥鍾楚紅喜歡發哥的時候，發哥回答到：「你們都知道我的性格，我喜歡西逛逛，東逛逛，我喜歡流浪，其實愛一個人並不是要跟她一輩子的，我喜歡花，難道我摘下來你讓我聞聞，我喜歡風，難道你讓風停下來，我喜歡雲，難道你就讓雲罩著我，我喜歡海，難道我去跳海……」
當聽到這句話，我被感動了。我曾經以為愛就是佔有，但是現在越來越明白，愛並是佔有對方，而是讓對方快樂。
有的東西不屬於你，即使你再努力也沒有結果，最好的方法就是放棄。放棄並不是怯弱，放棄也是一種智慧。生活中有太多的背負，我們有時候太累，就是不知道如何放棄。
愛一個人，就是給她自由。當你真正愛上一個人，但是她卻不屬於你，你是否還是如此的執著？不妨學學發哥，愛一個人並不是要跟她一輩子。當在千里之外，能體會到她的幸福，那就足夠！
發哥對於愛情是一種高境界的領悟，可惜並不是所有的人都能體會。而正因為我們太在意一些事情的結局，而錯過了事情的過程。
生活並不象電影那樣總有個美好的結局。當你真心愛一個人，當無法在一起，不如學著釋然。
⑤ 拯救大兵瑞恩 影評
拯救大兵瑞恩 影評 （有點長）
《拯救大兵瑞恩》之結構•人物•藝術特色淺談《拯救大兵瑞恩》是一部描寫二戰時期的影片，講述了盟軍一隻八人小分隊潛入德軍後方，歷盡千辛萬苦，終於成功找到並帶回一位名叫瑞恩士兵，把他送還給他那已失去四個兒子中三個的母親的故事。 比照以往，戰爭題材的影片往往節奏緊湊，而這部影片卻是個例外，揮毫潑墨用了整整40分鍾描寫諾曼底登陸的血腥場面，以至許多觀眾都因受不了這樣的視覺刺激而提前退場。作為一個「極熱」的熱開場，導演無疑為屏幕前的觀眾們製造了與電影內容極為相符的情境，戰爭是慘烈而血腥的，人在彼時顯得如此脆弱，槍林彈雨穿透頭盔、撕裂身體；士兵在灘頭上尋找自己的殘肢斷臂；一聲炸響過後，米勒拖著的傷員只剩半截……戰爭場面的還原達到罕見的真實。而氣氛烘托濃烈之餘，導演也精明地埋了鋪墊，即為日後把人小分隊深入德軍的巨大危險性作了全面預告，先讓觀眾在自己心裡有了對比，當然也就更迫切地想知道艱巨的任務如何完成。情境這座平台的成功設置，開拓了日後情節沖突發展的空間。四十分鍾漫長視聽刺激過後，本片節奏的功力開始凸現：導演僅用了五分鍾的膠片，八人小分隊就已走在了尋找大兵瑞恩的路上，情節交待簡潔明了。一行人行軍的過程可算開端單元的句號，到此為止，每個成員的性格都已有所體現，小翻譯厄本跑前跑後問這問那既鬆弛了氣氛，又為下文揭開「米勒戰前的職業」打下伏筆。全片也進入帶入過程。帶入單元的第一個小高潮發生在第56分鍾，列兵卡帕佐被狙擊手擊中，不幸犧牲；第二個高潮僅在兩分鍾後的58分，雙方無意間產生對峙，最後以敵方被擊斃告終。兩個高潮連接得如此緊密，彷彿預示著本該得到休息的精神並不可放鬆，置身戰爭，理當如此，但一味強調警惕、危險不但不符合觀眾的審美需求，也難免把自己的門檻墊高，於是新因素介入——第一個瑞恩帶著搞笑的蠢氣上場，一點失望過後，留給觀眾更多的是希望。第三個高潮來臨，以數銘牌為過渡，小分隊的又一名成員——軍醫迪克•魏德死在攻擊傘兵的堡壘前；緊接著厄本放走德國人引發了第四個動作性不強，卻更為重要的高潮：列兵魯賓揚言離開，軍士豪沃茲舉槍阻攔。這個高潮的人物關系開始發生變化，不單單是小分隊里的上下級，還有隊員之間的分歧，以及最終極的矛盾——此次行動到底值不值得的點題，導演代米勒作了最機智的回答。這個高潮也可以看作發展部的內容。真正的瑞恩出現，是在影片過半，可見導演的目的很明確——救誰並不要緊，重要的是救人這項行動。個人認為接下來守橋戰斗的開始就已是高潮的部分了，發展部只有十幾分鍾，完成一個任務的轉移——救瑞恩到守橋。有趣的是，守橋階段的戰斗與開頭諾曼底登陸的長度相仿，都是四十分鍾左右，可見本片敘述的輕重緩急，導演拿捏的大膽而准確。作為高潮，這部分本該是情感最強烈、最緊張的時刻，主人公命運的高潮，主題的高潮，性格的高潮，但又由於戰爭題材的緣故而變為視聽等感官刺激的高潮，所以可以說這部影片的視覺高潮和主題高潮在時間上是相一致的，便於觀眾體悟電影的主題。高潮與結局連接緊密，而實際高潮的結束也就意味著表達的完結，最後老瑞恩在陵園的一場戲更多是為結構的完整性服務，而非情節上的必然連貫。繼結構合理之外，影片的人物塑造亦非常成功。八人小分隊，人皆迥異。軍士豪沃斯是米勒上尉的忠實下屬；下士厄本是連短兵相接時都會用敵國語言喊「放下槍」 的小翻譯；軍醫迪克•魏德事業心強烈，常為自己無法擔負與身份相符的職責而自責；其他四人都是列兵，魯賓對米勒上尉來說不是省油的燈，這個機智刻薄的紐約客毫不掩飾對此項行動的憤慨和質疑；卡帕佐是個心地善良的澳大利亞人；利施很有正義感，他為納粹對猶太人的所作所為義憤填膺；狙擊手傑克遜長著一幅桀驁不馴的面孔，卻是個虔誠的教徒，把每一個狙擊對象當作上帝賜予他的禮物。 而我想詳談的是主人公米勒上尉，和他所拯救的大兵——瑞恩。 米勒。米勒是個英雄，卻不是唯一的英雄。如果當面跟他這么說，他一定會笑著讓言者滾蛋。畢竟，「英雄」這個詞只對活著的人有意義，只對在乎他的人有意義。顫抖的右手、倒下的戰友、失聰、指揮戰斗、搶灘成功，與其說這是性格的鋪開，毋寧說是對米勒能力的首肯。可以說到軍醫死前，他都可被任意一部戰爭片中的長官所代替。服從命令，寬容下級，所有的抱怨照單全收，所有的任務漂亮完成。可以說導演塑造了一個真正立體的分隊長，他不是靠等級威信、軍人責任感支在下屬面前的，他想妻子、想回家，他會把袒露內心最柔軟的部分，當作作為一個完整的人，羞於與人分享卻又自豪而甜美的經歷。當然，他決不會忘記身為軍人的職責，和那個待他拯救的孩子的幸福。這部影片的美國色彩濃郁，家庭對美國人來說，幾乎等同於信仰，我想米勒在執行任務的同時，一定也無數次在心裡抱怨再自我安慰，或許每次說服自己的，除了「救了瑞恩，就離家近了一步」之外，還有「救瑞恩的家，也是救我自己」吧。軍醫下葬時，那個男人獨自一人的哭泣突然很動人。 瑞恩。大兵瑞恩並不是一個十分重要的角色，即便處於事件的核心，他的重要性也早被這次行動本身的意義所掩蓋。但是，略去拯救對象的額外身份，他，又是觀眾了解美國最普通士兵的途徑。瑞恩就像一扇窗，透過他，不難看到那些平凡的美國年輕人在沒有被社會賦予特殊關照時應有的戰爭經歷，那些跟瑞恩一道守橋的戰士們，甚至包括去拯救瑞恩的小分隊。被拯救，這是外界不為他所掌控的因素賦予他的義務，與他無關，因而影片的視角擴大了，在守橋之役前瑞恩根米勒講述自己兄弟的趣事一場戲，導演並非在試圖說服觀眾，力證這次行動是在拯救一個多麼值得憐憫的家庭，而是通過瑞恩的嘴，說出每一個美國士兵的故事——戰前，誰都有美好的生活，每個人都有他們被子彈擊中時要為之感傷和不舍的東西，那究竟是什麼？可能在美國，那是家庭的回憶，在別的地方又是別的什麼，總之是一些值得珍藏和懷戀的，卻又遠離的東西。戰爭的作用在這里僅僅是毀滅所能毀滅一切，戰斗者們便是要奪回他們能奪回的部分。瑞恩的性格體現相對於其他人來說，更為類型化，同樣更具有現實意義。 就藝術特色而言，這部影片的鏡頭運用很見功底，導演的意圖在鏡頭中往往表現得十分明確，並有出色的感染力和表達能力。在影片的前40分鍾里，與其他人也一樣，小分隊隊員搶灘時平行蒙太奇利落的切來切去要傳達給觀眾的不只是「臉熟」（對第二次看片的人是），更多的是戰爭的高強度視聽施壓，導演在這里要表現的是人類成片死去的過程，還有一些未死之人爭取活下來的過程，在這里沒有英雄沒有猛將，所有人的生命都微若草芥，隨時可能化為冰冷的統計數字中的一個，沒人相信「理智」，正如沒人會有意識的試著躲一顆子彈。又如卡巴佐犧牲的一場戲，鏡頭大部分時間對著敵方的高樓上的狙擊手，主觀鏡頭與臉部特寫頻繁切換，顯示出人物內心的猶豫不決，琢磨不定，而當鏡頭里的準星終於辨認出狙擊手傑克遜的影子，卻也是自己命喪黃泉之時。一個反視角的運用告訴我們，在戰場上一對一的決斗中根本沒有正義和非正義的言論必要，因為那時除了生，就是死。鏡頭的內容完全與所要表達的主旨一致，厄本最後開槍打死他曾放走的德國人時，攝影師並沒拍屍體，可見死的是誰並不重要，重要強調的是，他終於敢殺一個該死的人了。影片結尾米勒死去，賀信的聲音作為畫外音響起，那是美國政府在宣讀給瑞恩母親的賀信，硝煙尚未散去的戰場上，空鏡頭緩緩移動，傑克遜炸黑了的高塔，戰坑，破碎的橋面和屍體，每個行動著的人的表情都沉靜而安詳，他們還活著，他們在聆聽，那些軍方贊美瑞恩的語言那麼美，那同樣是贊揚所有軍士的語言，所有活著的人包括厄本，和那些死去的，更加無畏的人們。 戰爭與生命一旦被放在同一架天平的兩側，那麼就註定了「毀滅」二字的分量沉重。真正的戰爭片從不避諱人類為自己留下的創傷，而在戰爭陰霾的背後，同樣折射出人性燦爛的光芒。
《拯救大兵瑞恩》影評~！
一、 結構分析（系表）
開端部
1、 開場 老瑞恩帶著一家人來到米勒上校的墳前
2、 俄馬哈搶灘成功
發展部
總部收到瑞恩家三兄弟犧牲的消息，上校決定拯救瑞恩家的小兒子——詹姆斯·瑞恩；
米勒一行人雨中協助同盟破敵，卡帕佐死；
錯認他人為詹姆斯·瑞恩
在途中休息兩小時，米勒和手下暗夜聊天
第二天繼續前行，得知瑞恩在蘭姆勒；
又一次小規模戰斗，魏德死；
放掉德國俘虜；
找到大兵瑞恩，米勒告訴他來意。
高潮部
米勒一行人決定不走，幫助瑞恩保住橋，等待救援。
整個戰役
結尾部
米勒死，臨死叮嚀瑞恩要好好活下去。
尾聲
老瑞恩在米勒墳前對他訴說自己的生活。
二、 人物分析
瑞恩——瑞恩並不是一個功能性人物，但是他卻是一種象徵。是勝利的象徵，他對於米勒一行人意味著任務的終結，對美國意味著國家人性化、人權化、民主化的象徵。他從簡單的符號人物，變成了一個具有深遠意義且空泛的標志。但劇本賦予他的卻很少，他只是一個二等兵、沒有比別人更多的勇氣、戰績和故事，是一個普通的，年少輕狂，擁有拳拳報國心的男子。這就更引發人們對這次任務的思考，思考它是否值得，是否勞師動眾、是否像劇中米勒一行人所議論的：只是因為他有三個同樣驍勇，戰死沙場的兄弟嗎？只是因為怕他的媽媽傷心嗎？試問：誰沒有父母？誰的死對於家人又是一件好事呢？憑什麼他能享受到這樣的幸運待遇？憑什麼要為他去浪費那些珍貴的軍用物資呢？難道只是為了美國的那些小小的虛榮心？為了高呼民主，人權嗎？米勒說過：「為了一項任務，死掉兩三個人是值得的，但是可以換取二十、三十、甚至成百上千人的姓名。這樣死是值得的。」但是為了區區一個二等兵瑞恩，卻死了三條人命，這看起來並不值得。但是幸好我們的瑞恩是個視死如歸的硬漢，試想：如果他只是個軟弱怕死的孬種，這次任務還是否具備他的意義？還是否能達到預期的效果呢？瑞恩只是美國人概念中的士兵群像，是他們憧憬的士兵的形象，是他們心目中的英雄，至少值得用生命去換取的人，是一個理想化的士兵。是弘揚英雄主義的一個最好的典範。他的形象不見的高大，但是平凡中卻顯出不平凡，並不需要多少另類，也足以謳歌美國兵士對國家的忠誠、對信仰的致死不逾。另外：瑞恩有一個完美的家庭，兒孫成群，看上去他真地按照米勒說的那樣，「好好地活下去」，但是他的家庭美滿與墳冢排列整齊的白色墓碑相比是最大的反差；以至於在影片的結尾，瑞恩不禁問自己的太太：「我是不是一個好人？」 這是發自本源的一種疑問？他確實使得很多人為他而死，雖然他是無辜的，他是不知情的，但是在無形中，他背上了一個包袱，三條人命的包袱，這是國家賦予它的，是生活賦予它的。他必須被動接受，比起那些死去的人，瑞恩活得艱難許多，他雖然活著，但是永遠不能放下包袱輕松的活著，他的生命不掌握在自己手裡，他是為國家、為責任、為了三條人命活著，甚至為了米勒臨死的那句話活著；戰爭中，他的生命掌握在敵人的槍林彈雨中，聽天由命；戰爭結束了，他的生命掌握在強烈的責任感里，身不由己。瑞恩沒有自由，他不能掌握自己的生死，這是他極度可悲的一面。戰爭泯滅人性，只要踏在戰爭邊沿，或者涉足其中的人，從那天起，生死就永遠不屬於自己，就永遠要背負著包袱沉重地走下去。這是戰爭帶給人們最深刻最可怕的痛楚。
厄本——厄本在多數人眼中是個孬種的形象，在他的反襯下，米勒一行的其他人顯得如此的高大偉岸；但是厄本只是個小小的翻譯官，從來沒有參加過戰斗，在他眼裡，面對敵人，他並不確切知道什麼是仇恨，並不知道應該沖上去將他的頭顱打爆。他只是一個大多數百姓的象徵，他只是個平凡普通的人。他表現出的躲閃，懦弱、不敢面對死亡、不敢沖出重圍挽救同盟…… 這一切都是人之常情，是一個普通人面對戰爭的態度。在普通人眼裡，面對戰場上的血腥，躲閃逃跑是第一個念頭，手無縛雞之力的人，怎麼可能神話般地沖上去將敵軍的頭顱打爆呢？這里片子想告訴我們，不是誰拿起槍都能獨當一面，不是誰面對敵人就能英勇在前，這並不是每個人都能做到的削土豆皮那樣簡單的事情。戰士都是英雄，他們都是超人，從肢體的力量，到心理的承受力，方方面面都不是一般人能及的。也從一個側面告訴觀眾，應該給予他們更多的關注，面對那些逃跑怯懦的士兵，也應該給予一些理解，畢竟在死亡面前，真正能夠做到視死如歸的人實在是微乎其微。但厄本也有另一面，他在最後槍殺了害死梅利西的德國士兵，在最後一個鏡頭里，他手握長槍，從硝煙中走來。這個形象簡直就是在謳歌他就是英雄，他才是最後的勝利者，他沒有死，沒有傷亡，他還替同伴報了仇，他才是值得歌頌的人，他才是最偉大的人。我想，這也是對高級官員的一種諷刺。畢竟他們才是最終活下來授勛的人，他們肩膀上的每一顆星都是用無數的戰士鮮血換來的，他們在享受美饌佳餚的時候，因為他而死去的戰士卻在地下嗚音哭泣，這是一個小小的諷刺，對高層，對那些腆著碩大啤酒肚，晃悠著一身肥油，享受著和平帶個他們的高薪、厚祿、美女、香車的日子，但是誰有知道在殺場上，他們是否在敵人面前哭泣，是否高歌自己的國家總統該死，在敵人面前投降，給敵軍舔屁股呢？
米勒——無疑，他是一個英雄。在美國人眼裡，英雄的種類很多，只要是涉及「拯救」的，都是英雄。他們不一定十分高大，不一定作出很多豐功偉績，但是起碼要獨擋一方，起碼要聰明睿智。但是伴隨著英雄的往往是災難，沒有災難哪兒會有英雄呢？這就好比哪裡有反抗，哪裡就往往有壓迫。米勒是英雄，但是英雄卻死了。卻帶領著同伴兄弟去送死，難道英雄連保護自己的能力都沒有嗎？這未必要求太高，畢竟英雄不是超人，英雄也是有血有肉有心有肺的真人，他們也會有喜怒哀樂，也會有七情六慾，不是神仙。米勒顫抖的手告訴我們，他和普通人一樣，也會受到疾病的困擾，也會痛；在兄弟死去之後，他躲在廢墟上偷偷地哭，泣不成聲，這也告訴我們，米勒是個有感情的人。這些細節無疑讓英雄這個鋼鐵之軀更加貼近平凡的人。英雄並不是高處不勝寒的稀罕物件；同伴問起他為什麼要這么拚命的時候，他不是說：「我是為了國家」「為了家園」或者什麼其它的讓地球人聽著都覺得虛假的理由。他為的是早一天見到自己的妻子，和她團圓，「每殺一個人，這就意味著離家又遠了」仔細想來，確實如此，敵人永遠不可能完全殲滅，只能是越殺越多，無窮無盡。在米勒眼裡戰爭並不像一場瘟疫，人慢慢一點一點死去，等到最後一個人死掉，戰爭就結束了；在他眼裡戰爭是一場大火，越是煽動就越厲害，越蔓延，不斷死去的人，總會引發更多的戰爭，引發更多的人死去。這又告訴我們，英雄並不是好戰者，發動戰爭的都不是真正的英雄。英雄應該學會怎麼樣去平息戰爭，不讓更多的人死去。從概念化的英雄，到了有血有肉有情有感的具體的英雄，影片無疑將米勒的多面性展現在我們的面前。但是這里也有不少概念化的成分，比如：「不救兒童」無疑，這是英雄米勒冷酷理智的一面，他經驗豐富知道這樣做的後果，這和後面的為朋友哭泣是一種對比，但是卻顯得非常刻意。
魏德——在魏德身上充滿了人文關懷。他是一個戰地醫生，既是戰士又是醫生，他可以在醫療條件極其惡劣的情況下為病人縫合，竭力挽救他們的生命。他對生命的態度和米勒一行的其他人都不相同。在開端部里，他的出場是在幫一名士兵止血，但是一枚飛彈襲來，士兵當場死亡。「為什麼不給我個機會救他」飛彈就在他身邊滑過，在那一瞬間，他表現出來的是一種不同常人的生氣，一種憤恨，這不能僅僅概念化地說成是醫生的一種天職，但是影片卻讓觀眾感覺到了這種刻意。在卡帕佐中搶躺在雨中的時候，他不顧生命危險要沖上去，只是為了看清卡上在哪兒？這種行為，無疑是英雄主義的，無疑是誇大的，是脫離現實的，有些符號化；但是另一方面，在暗夜中，他替卡帕佐抄寫信件、講述自己兒童時代和母親的情感經歷，卻又覺得這個人物並不是高不可攀，也有自己的具體情感，不十分概念化。但情感上過於片面，對職業的熱愛，對朋友的關懷。甚至到最後，他看到夥伴們當著傘兵的面玩弄識別牌，過去組織的時候，也只是讓觀眾覺得，他是個很善解人意，極度善良的人，但正是這個有些符號化，有些理想化的人物，在他死時，卻感動得我落淚了。他的死真正讓我覺得生命的淡薄和脆弱，身為醫生的人卻不能挽救自己的生命，眼睜睜地看著自己去死，完全無能為力。死的時候他一個勁兒地喊著「媽媽，媽媽」。那是一種最本源的做法，是一種本能的表現。這樣的情感沖擊，又讓人覺得他並不十分符號化，片子將魏德善解人意，善良淳厚的一面渲染到了及至，並且加以美化，使他變成了一個塑像人物。但卻能讓人感動，讓人覺得完美卻真實可信。
梅利西——相比魏德，猶太人梅利西也是如此。片子著重渲染，他作為一個猶太人對德國法西斯的憤恨。在坑道里，他拿著德國陣亡士兵的刀說：「它曾經是希特勒青年團的小刀，現在是猶太麵包刀」。說完這話，就坐在哪兒哽咽起來。這也不覺刻意，苦難深重的猶太人，手握著敵人的刀，作為一個戰利品，成就感馬上引起了一種悲痛的感覺，不用更多的語言交待，就能深深體會他曾經受的苦，和一種民族責任心。在德國俘虜隊伍旁，他拿著自己的識別牌，炫耀著：「我是猶太人，我是猶太人！」那是一種驕傲，一種挑釁。實際上也是可悲的，可憐的。德國人並不能聽懂他的語言，他這樣做只是得到自己的一種寬慰，死去的猶太人不可能復活，他的傷痛也永遠在心中烙下痕跡。這更增添了無數的辛酸和無奈。也告訴人們戰爭的極度殘酷。
三、 中心思想
（一） 米勒的七次手抖
第一次：米勒的出場就是從他的手開始，一雙顫抖的手，握著水壺；
第二次：俄馬哈搶灘成功後，手顫抖著拿水壺；
第三次：暗夜中兩小時的等待，手顫抖著拿水杯；
第四次：暗夜中兩小時的等待，談到卡帕佐，手顫抖。
第五次：得知瑞恩在蘭姆勒，手顫抖著拿指南針；
第六次：魏德死後，米勒躲在岩石後哭泣，手顫抖著拿著卡帕佐的信。
第七次：等待敵軍坦克車，和瑞恩談天前，手顫抖謊稱在為音樂打拍子。
米勒的顫抖表現的是對戰爭的態度，是一種精神的緊張，也同樣是一種情緒的宣洩。他害怕、痛苦、緊張的時候手都會顫抖。影片藉助米勒手的顫抖表現他情緒的變化，但是在外部看來，他面對一切的一切都那麼泰然自若，甚至連他的身世都是個謎。但實際上，他只是個平凡得不能在平凡的高中老師，和普通人一樣，也希望早日能看到自己的妻子，能和她團聚。並不是像他表現出來的那樣冷靜和理智。面對死亡他有自己的看法，他是一個隊伍的首領，有著比別人更多的對死亡的冷靜。他變得冷漠，是戰爭改變了他。
（二） 米勒的無聲世界
片中，米勒常會進入無聲的世界。炸彈在他身後爆炸的時候，耳朵會有短暫的失聰現象。在開端部里——
第一次無聲的世界：米勒從海灘的血泊中爬出，炸彈在他身後爆炸。他進入了無聲的世界，他眼前呈現出——
1、 一名癱軟哭泣的士兵；
2、 三個被彈葯引著的士兵；
3、 斷了一隻臂膀的士兵，在屍體中尋找被炸斷的手臂，用另一隻手撿出那隻手臂；
4、 幾個燃燒著的士兵，在海灘上奔跑逃命；
5、 一個對他大聲喊叫的士兵。
第二次無聲的世界：米勒拖著負傷布格，炸彈在他身後引爆，他又一次進入無聲的世界，恢復聽力之後，再一次托起布格，他已經只剩下上半身了。
在結尾部——
第三次無聲的世界：橋頭，炸彈在米勒身後引爆，這一次他長時間進入了無聲世界，看到了瑞恩的哭泣，看到了兵士的大聲喊叫，看到了霍威的死，看到了近旁的手槍。
在開端部，這種手法很像《黑鏡頭》裡面呈現的——平面的、瞬間的切割了戰爭。第一次無聲世界，哭泣的士兵——這象徵著一種對戰爭的恐懼，槍林彈雨中，不能自控地坐在地上哭泣，不知所措；斷了手臂的士兵，用另一隻手在屍體中尋找失去的手臂。提起它像提著自己的背包一樣，那並不像是自己肢體的一部分，而單純是個物件。戰爭帶給人們的遠遠超過肢體上的痛楚，這完全是一種本能的表現，他脫離了理智，比起沉重的精神枷鎖，肢體的疼痛只是微不足道的小事。
米勒死前無聲的世界中，看到了瑞恩的哭和同伴的死，但是更多的是看到了身邊的槍。他只是本能地去拾起那把槍，在他完全喪失了行為能力的時候——沒有多餘力量去思考、去分析，這種行為也是出於一種本能。他站起來去拿槍，中彈後，癱在地上，還不停地瞄準正駛向他的坦克車，戰爭把人性都改變了，攻擊敵人變成了一種本能。
（三） 死在米勒身邊的七個人
在開端部
1、 頭盔胸部中彈的戰士
2、 104醫隊戰士，胃部被打穿，內臟在體外；
3、 被炸掉下半身的布格
4、 坑道里身邊的通訊員；
5、 坑道里腦部中兩槍的戰士。
這中慘烈的場面在米勒看來司空見慣，他的士兵就在自己身邊死去，橫屍遍野、血流成河，內臟橫在屍體旁邊、子彈打穿頭顱，他依然往前沖，並不傷心，留戀或者懼怕。這除了表現戰爭的殘酷外，還從一個側面表現了米勒那「94」個兵士的死，帶給他的是一種對生命透徹的看法，變成了視死如歸。他曾對厄本說：「我怕我活不到堵住累計到一千，還是五百吧。」對生命，他知道他隨時可能死去，所以當他死的時候才顯得那是意料之中，沒有多餘的痛苦，像個活人一樣坐在那兒死去，沒有了大喊大叫也沒有淚流滿面，沒有恐懼沒有一切留戀，靜靜地死去。
夏樹 2005-10-05 20:52
時光可以流逝，歲月可以飄過，但是經典永存。如果真的有一種情感可以使人回腸盪氣。如果真的有一次行動可以讓人感慨萬千；那麼這種情感一定是超越普通情感的偉大情義，這次行動也一定是一次偉大的行動——影片《拯救大兵瑞恩》所表現的就是這樣一種情感，這樣一次大無畏的行動。
《拯救大兵瑞恩》是著名導演斯皮爾伯格執導的一部力作，重溫經典，感覺依舊如此強烈，既慷慨又激昂。湯姆·漢克斯的實力表演使得影片更加精彩。
影片以著名的第二次世界大戰中，最慘烈的諾曼底登陸為背景，通過一系列的自然主義拍攝手法再現了上世紀那場為自由而戰的戰爭的慘烈。以米勒上尉奉命率領士兵去敵戰區尋找一位名叫瑞恩的士兵為線索，提出了一個很嚴肅的問題：用幾個人的性命去換取一個人的生命是否值得？刻畫了米勒為代表的一系列為自由而戰的士兵的形象，影片的主題是鮮明和積極向上的。
搶灘行動中指揮出色的米勒上尉受命去敵戰區尋找一位在101空降師服役的叫做詹姆斯·瑞恩的士兵，他的三個哥哥都相繼在戰場中陣亡，為了不使他的母親失去這個最後的孩子，盟軍總部決定將他尋找回來。這是一項艱巨的任務，因為每向前一步，就離敵戰區近了一步，危險也就增加了一分，他們面對的會是越來越多的德軍和大量的坦克！出發的時候，就有人提出這樣的問題，這種近似荒唐的行動和與此引來的一系列傷亡是否值得去冒險？隨著故事情節的發展和戰士的陣亡，在准備襲擊德軍雷達站的時候，生存和為此次行動付出巨大犧牲的問題再次擺在面前。米勒上尉最終說服了大家——在他看來這次意外襲擊德軍雷達站的行動和尋找瑞恩的行動都是一樣的，都是為了正義和自由而戰的。終於，米勒上尉率領的弟兄歷經艱險找到了瑞恩。而為了盟軍的順利挺進，他們又決定留了下來一起參加橋頭保衛的戰役。力量的對比是懸殊的。盡管他們進行了精心的部署，把有限的人力進行了最合理的布局，也曾一度阻止了德軍的前進，但是面對不斷涌來的德軍和炮火威力很大的「虎式」坦克的進攻，他們只能且戰且走，在橋頭最後的防線，身負重傷的米勒上尉在沖鋒槍槍彈打光的時候，無助地卻很決然地向坦克連連發射手槍子彈，奇跡出現了——隨著一聲爆炸的聲音，坦克被摧毀了——盟軍的「野馬式」轟炸機及時趕到！橋頭保住了，援軍陸續地趕到了。生命垂危的米勒上尉彌留之際對著俯身過來瑞恩只是輕聲地說了一句；好好活著，不要辜負大家。
米勒上尉原本只是一位普通的上尉軍官。這次任務也應該說只是一次特殊的任務，但是他的這句話使我動容。一句普普通通的話語是一位長官對士兵的殷切囑托，也是為了尋找瑞恩而犧牲的士兵的共同心聲和話語，米勒和他的戰友都已經犧牲，但是瑞恩活下來了。他們的任務完成了，為了一個人的生命犧牲八個人的性命，這種犧牲的代價是否值得？從感性或者理性的角度而言，這是個錯誤甚至有些荒唐的任務，但是從道義和正義的角度來看，這絕對是一次真正意義上的拯救行動，一次大無畏的行動。一個人的命值得用八個人性命去冒險的，一句普通的囑托便是最好的答案。一句很平實的語言，一種崇高的精神和高尚品格情操卻躍然在心中。
碟片已經播放完。但是我的心情許久不能平靜。米勒上尉最後說的話一直在我耳邊回響，他的身影也越發令我肅然起敬。
拯救大兵是一次特殊光榮的任務，就是因為這一句普通的「好好活著，不要辜負大家」話語，我一直記得這部影片，記得了湯姆·漢克斯，記得了這次大無畏的行動！
⑥ 《初到東京》中有哪些令你印象深刻的片段
剛開始看到這電影的圖標以為是小清新，看到電影名，以為寫得是主角到東京專然後發展屬了一段戀情故事。結果看了一兩個小時完全沒看懂，正在我茫然的時候影片戛然而止，讓我目瞪口呆，原來爛片是不分國籍的。第二天一大早我就到公司了，趕緊上豆瓣，因為豆瓣在我眼裡是比較專業的，以前有些電影沒怎麼看懂到了豆瓣看了影迷們一番評論恍然大悟。結果沒想到的是這個電影評分如此之高，一大堆人寫了長篇大論的影評，基本都是贊美認同，卻沒有一個人寫這部片到底講了些什麼，我不知道那些給好評的人他們看懂沒。我覺得上面有個網友說得對，這純粹是親日分子的春夢。
⑦ 安徒生童話的觀後感
解答復如下:
安徒生制童話觀後感
看了《安徒生童話》這本後，令我十分著迷，童話故事十分有趣，從書中我明白了許多道理。
《安徒生童話》中有一個拇指姑娘的故事：在很久以前，有個善良的女人很想要個孩子，於是她像一個有魔法的老太婆求助，老太婆給了她一個孩子，就是拇指姑娘。
女人十分疼愛拇指姑娘。沒過幾天不幸發生了，女人回家晚了，拇指姑娘被癩蛤蟆背回了家，後來拇指姑娘被小動物救了，又遇到了小人國的國王，他們從此過上了幸福的生活。
安徒生童話中有一個個有趣的故事，讓我們明白了一個個道理。還有一個更有趣的故事『皇帝的新裝』講的是一個傻皇帝被人騙的故事。
告訴我們不要因為別人說什麼聰明的人能看見這類騙人的話，就硬是說自己能看見，看見就是看見沒看見就是沒看見，別最後像皇帝一樣鬧了笑話出來。不只這些還有海的女兒，白雪皇後，紅舞鞋，鳳凰等更加有趣的故事讓我們閱讀。同學們請你們去閱讀這些有趣的故事吧，我相信你們一定會愛上這本書的。你們一定會愛上這本書的。
⑧ 電影《小鞋子》觀後感
《小鞋子》這部電影的大致內容講：阿里幫莎拉修理那破爛不堪，補了N次的鞋子，當回來的路上，阿里不小心把妹妹的鞋子丟了。他垂頭喪氣的回家，而妹妹卻滿心歡喜地等待著。當莎拉知道自己的鞋子「不翼而飛」時，她從天堂落到了地獄。她神眉緊索，不知如是好。阿里想到了主意，先讓妹妹去上課，再回來，阿里跟她換鞋子，以超快的速度飛奔到學校。就這樣，反反復復，阿里也練成了一般「武技」。在學校的通知上，阿里知道第三名有一雙旅遊鞋時，他彷彿又看到了希望，可報名時間以截至，在他的苦苦哀求下，老師終於給他一次機會。在比賽那天，每個人都有父母來加油助威，只有阿里孤零零一人。「啪」的一聲，幾千人像一群螞蟻似的在田野上奔跑，你根本不能看到阿里的身影。阿里摔跤兩次後，跑得更快，在最後的幾百米沖刺時，他用勁全身的力量。當他睜開眼睛時，他哭了，他並不是為了勝利而哭泣，而是的不到一雙「球鞋」而哭泣。
最後，阿里把自己那長滿了水泡 的腳防進池塘，許多的小魚來啄他的腳……
「窮苦的孩子早當家」。這句話放在這里在合適不過了。
生在21世紀的我們，吃的是山珍海味，穿的是綾羅綢緞，過的是「衣來伸手，飯來張眼」的無憂無慮的生活，是父母的掌上明珠。一遇到挫折，就只會逃避。
而阿里兄妹呢？雖然他們家境貧困，可是他們的生活卻很快樂；雖然他們沒有錦衣玉食，可是他們吃的是粗茶淡飯也甘願；雖然他們年紀輕輕，卻能勇敢地面對生活的困難；雖然他們的父母不能滿足他們所有的慾望，但他們可以得到富家子弟沒有的愛。
在《小鞋子》中，讓我懂得了什麼是親情。親情並不只是單單掛在嘴邊說說而已，而是表現在實際行動上；親情並不是刻意地表現，而是出現在生活的點點滴滴。
親情，是我們每人擁有的禮物，只是看你有沒有珍惜，只要我們好好珍惜愛，也懂得愛，並奉獻自己內心最真，最無私的愛
⑨ 求《靜靜的嘛呢石》《歌謠》《五朵金花》《大東巴的女兒》《玉蝴蝶》任意一部電影的觀後感 字數越多越好
影片《大東巴的女兒》表現了和西、和納這一對納西族姐妹不尋常的成長道路，不尋常的人生命運和不尋常的情感世界。姐姐和納，憑借甜美的歌喉成為著名的「納西族女歌王」，可妹妹和西卻是一個聾啞人。她聰明美麗，從小喜歡跳舞，但由於不會說話，在人生的道路上歷盡了辛酸和磨難，是一個掙扎在生活底層的「灰姑娘」。然而，由於偶遇從維也納來到麗江研究東巴文化和納西族歌舞的奧地利青年學者傑克，她的命運發生了改變。在傑克的激勵和姐姐和納的引領下，和西經過刻苦努力，終於從一個「灰姑娘」變成了「白天鵝」，成為了萬眾矚目的「納西族女舞王」！ 影片著重表現了聾啞女孩和西自強不息、挑戰命運的奮斗精神，相信這部作品會極大地鼓舞殘疾人，鼓勵他們勇敢地面對生活、命運的挑戰，同時體現了豐富的東巴文化。
生活在我國省地區的納西族就是一個有著深厚文化底蘊的民族，他們不僅善於吸收其他民族的優秀文化，而且還創造了自身獨特的民族文化——東巴文化。 中國是一個多民族的國家，各民族的祖先勞動、生息、繁衍在這片廣袤的土地上，共同創造了燦爛的民族文化。生活在我國省地區的納西族就是一個有著深厚文化底蘊的民族，他們不僅善於吸收其他民族的優秀文化，而且還創造了自身獨特的民族文化——東巴文化。
東巴文化包括圖畫象形文字，包括東巴經還有東巴畫，東巴舞蹈、東巴音樂，還有東巴的各種道場就是祭祀活動，這部分也包含有民族心理素質的很多內涵在里頭，所謂東巴文化就是指的這么一個文化體系。
東巴文是一種十分原始的圖畫象形文字，從文字形態發展的角度來看，它比甲骨文還要原始，屬於文字起源的早期形態，最早是寫、畫在木頭和石頭上的符號圖象，後來有了紙，才把這些符號圖象寫在紙上。由於東巴才掌握這種文字，故稱為東巴文。東巴文是目前世界上唯一存活著的象形文字，是人類社會文字起源和發展的「活化石」。
東巴經就是現在我們所說的活著的象形文字，它現在被統稱為是納西古代社會的網路全書，因為它牽涉到歷史，政治，天文地理，文學藝術，宗教，人類學，甚至於醫葯等的方方面面，還有生產生活方面的許許多多知識和神話故事。
東巴文字，由於人類造字尊重意識，或者叫做仿造，基本上都是大同小異，文字無非就是記錄語言的一種工具。人在觀察事物的時候，把它記錄下來，開始的時候就有圖畫，現在的東巴文裡面有很多的圖畫字，一幅圖畫就是一個故事，也是一個約定俗成固定的一個內容，大家一看這個畫就知道它是指什麼事情，所以由於圖畫字，人們在觀察，比如說漢字，因為是在平原裡面看那個『山'，是一個山，一個山的，所以他寫字的時候，就有三個山頭，但是納西族生活在山區里頭，他一出門就是大山，所以他造字的時候，就是只有一個『山'，再像漢字的門字，有兩扇門，納西族只有一個門，所以他造字的時候看到的只有一個門，與他所處的環境是有關系的，所以他在造字的時候看到什麼就畫下了什麼，逐步用圖畫從繁到簡，就把它減少了，形成約定俗成的一種筆畫，固定的形式，它屬於這樣造字的范圍，所以東巴文它是通過圖畫到文字發展起來的。用漢族的話說叫書畫同源。
隨著納西族社會的發展和民族文化的相互影響，在明末清初，的一些東巴，又創造了格巴文。格巴是弟子的意思，格巴文的意思是東巴什羅後代弟子創造的文字，格巴文是對東巴文的改造和發展。
西族生活的重要組成部分，他們有很多內容豐富、形式多樣的民間舞蹈。東巴舞就是納西族的古典舞蹈，它表現了古代納西人同大自然和社會邪惡勢力的斗爭。
納西族素以能歌善舞著稱。唐代和元代的志書就有「男女皆披羊皮，俗好飲酒歌舞」，及「男女動數百，各執其手，團旋歌舞以為樂」的記載。目前廣泛在民間流傳和新發掘整理的舞蹈，有原始舞蹈、東巴古典舞蹈、組舞和新歌舞等幾類。「麥達蹉」和「熱熱蹉」等是詩、歌、舞三者合一的原始舞蹈。其特點是邊唱邊舞，以唱促舞，以舞助唱，唱完舞止；沒有樂器伴奏，人數、地點和場合不受限制，男女皆可參加。舞步簡單，一般是以右手搭左肩或手挽手，從右行進，漸成圓圈。
西族的古典舞蹈，也是東巴文化的重要組成部分。它是東巴祭司根據不同儀式，按照道場規則所跳的一種宗教舞蹈。東巴舞從形式上，似乎多是跳神驅鬼之類的動作，但實際上，大部分內容是表現古代納西人同大自然和社會邪惡勢力的斗爭。
蹈素材的來源主要從民間，因為從民間舞蹈裡面把它吸收過來了以後，用在它祭祀的時候來跳，又加上有東巴教神韻的一些風格後，就變為東巴的舞蹈，它又有非常濃郁的民間性。《氂牛戲老虎》是根據納西民間的一個典故改編而成的動物舞，舞蹈分為頌經、氂牛戲老虎等幾個部分。主要講述了兩只猴，分別代表人類最早的兩個家族，一族崇拜老虎、一族崇拜氂牛，兩家族為此發生爭執的故事。
中，有很多舞蹈都是模仿動物的動作而形成的。據《東巴舞譜》記載，納西最古老的舞蹈源於金色青蛙的跳躍。如今在西北部山區仍然保留著一種古老舞蹈《勒巴舞》。據《呂氏春秋》記載：「昔葛天氏之樂，三人操牛尾，投歌以歌八厥」。而《勒巴舞》最顯著的特點也是拿著牛尾巴跳的，它分別模仿大象、鷹、猴、蛙及虎，並使之形成了一套連貫的舞蹈動作。
文化的主要部分，無論是文字、音樂還是舞蹈，它們的傳承和發展都離不開東巴，座落在古城的東巴宮，更為現代人提供了一個了解東巴文化的窗口。東巴宮座落在古城東大街，它的門樓上裝飾的是東巴的「五幅冠」，大門兩旁懸掛著東巴的木牌畫，東巴宮內別具一格的裝飾和文化活動更會讓您感受到東巴文化的魅力。
整個東巴宮的布局，突出納西族的特點，就是突出東巴的特點。主要是通過像東巴的經卷、文物、東巴的繪畫、祭祠用品、東巴的壁畫、浮雕等等這幾個方面來相對完整地介紹納西族的東巴文化的音樂、舞蹈這一塊，通過加強它的文化氣氛，給大家有一種能相對直觀的了解納西族的音樂、舞蹈文化。整個東巴宮就是一座小而全的民族文化藝術博物館，通過它可以欣賞到舉世無雙的東巴文化藝術，領略到真正的納西古樂以及民間歌舞神韻。
是東巴文化的重要內容之一，它包括木牌畫、紙牌畫、布卷畫和經文畫幾大類，反映了古代納西族社會的各種世俗生活。
傳統東巴畫主要是東巴在做法事時製作和使用的，有布軸的神佛像畫、經書畫、木牌畫上的神、鬼、鳥、獸畫，以及大型布卷畫，民間還有反映生產和生活的裝飾畫，這些畫筆調粗獷、色彩濃艷、形象朴實生動。
畫的內容主要表現了古代納西族信仰的神靈鬼怪和各種理想世界。東巴畫中的布卷畫《神路圖》它一般長達14米多，寬26厘米左右，主要用於喪葬時超度死者亡靈儀式中，描述了死者亡靈要經過的地獄、人間、自然界、天堂等各階段的具體場面，有較高的文化和藝術研究價值。雖然傳統東巴畫也受到周邊民族文化，特別是漢藏文化的影響，但它仍然比較系統地保持了自己整體的風格和特點。
納西的東巴文化，確實受藏傳佛教的影響相當之大，所以在納西的所有的東巴文化的繪畫部分，包括其它的儀式部分等等，人家一看就知道受藏文化、藏傳佛教的影響特別大，包括繪畫，但它整個過程、整個賦彩、用線，不是那麼求華麗，它是求朴實、畫完一張畫以後，它外觀的包裝，它是不加以裝飾，然後上下一般的是用兩塊黑布，中間就像我們裱軸畫一樣，國畫裡面裱軸一樣，穿上兩根木頭，它整個過程已經完成。
一部影片，一種文化。《大東巴的女兒》讓人們看到了東巴文化的精深。（自己可以再加點）