白日孤独影评

A. 醉花阴 李清照 赏析！！！！！！！！！

片写秋凉情景。首二句就白昼来写：“薄雾浓云愁永昼。”这“薄雾浓云”不仅布满整个天宇，更罩满词人心头。“瑞脑消金兽”，写出了时间的漫长无聊，同时又烘托出环境的凄寂。次三句从夜间着笔，先点明节令：“佳节又重阳”。随之，又从“玉枕纱厨”这样一些具有特征性的事物与词人特殊的感受中写出了透人肌肤的秋寒，暗示词中女主人公的心境。而贯穿“永昼”与“一夜”的则是“愁”、“凉”二字。深秋的节候、物态、人情，已宛然在目。这是构成下片“人比黄花瘦”的原因。
下片写重九感怀。首二句写重九赏菊饮酒。古人在旧历九月九日这天，有赏菊饮酒的风习。唐诗人孟浩然《过故人庄》中就有“待到重阳日，还来就菊花”之句。宋时，此风不衰。所以重九这天，词人照样要“东篱把酒”直饮到“黄昏后”，菊花的幽香盛满了衣袖。这两句写的是佳节依旧，赏菊依旧，但人的情状却有所不同了：“莫道不消魂，帝卷西风，人比黄花瘦”。上下对比，大有物是人非，今昔异趣之感。就上下片之间的关系来说，这下片写的是结果。
比喻的巧妙也是这首词广泛传诵的重要原因之一。古诗词中以花喻人瘦的作品屡见不鲜。如“人与绿杨俱瘦”（宋无名氏《如梦令》），“人瘦也，比梅花、瘦几分？”（宋程垓《摊破江城子》），“天还知道，和天也瘦。”（秦观《水龙吟》）等等。但比较起来却均未及李清照本篇写得这样成功。原因是，这首词的比喻与全词的整体形象结合得十分紧密，极切合女词人的身份和情致，读之亲切。
词中还适当地运用了烘云托月的手法，有藏而不露的韵味。例如，下片写菊，并以菊喻人。但全篇却不见一“菊”字。“东篱’，本来是用陶渊明‘采菊东篱下”诗意，但却隐去了“采菊”二字，实际是藏头。又如，“把酒”二字也是如此，“酒”字之前，本来有“菊花”二字，因古人于九月九日有饮菊花酒的风习，这里也省略了“菊花”二字。再如“暗香”，这里的“暗香”指的是菊花而非其他花蕊的香气。“黄花”，也就是“菊花”。由上可见，全词不见一个“菊”字，但“菊”的色、香、形态却俱现纸上。词中多此一层转折，吟味时多一层思考，诗的韵味也因之增厚一层。

B. 白日我孤独 是什么歌

做美梦，你做梦！，别做梦！做噩梦！一场梦！都是梦！不是梦！

C. 为什么享受孤独，是人生最好的一种修行

我认为这个世界好像很排斥那种孤独的人，但是又有更多的人越来越喜欢孤独。孤独是一个人最高境界的一种修行，貌似是一个自我封闭的状态，却可以让心更快的到达彼岸。

在这个喧嚣的世界里，也让人心越来越浮躁，很多人都惧怕被别人孤立，惧怕被团体疏远。总是拼命的想要融入一个团体，拼命的想要挤进一个群体之内，要不然好像就会被世界抛弃了一样。

孤独是人生中最好的一种修行，能够享受孤独的人，才能用更大的格局去观察这个世界，才能用更远的一个目光，来判断眼前的人和事，享受孤独，也会活得更精彩。

以上内容仅供参考。

D. 电影白日焰火想表达什么意思

个人有个人的看法，我来提供几个作参考
1，吴志贞是一个看似无辜、玩弄感情的蛇蝎美人，张自力是一个真戏假做、渴望回归掌权者队伍的工厂保安，梁志军反倒是真正的受害者。情色的背后是绝望的纠葛，焰火的背后是无边的黑暗。
2，性，是暴力，也是解脱
3，纸牌

廖凡跟妻子离婚后，坐在宾馆里打牌，随后又在床上缠绵，但镜头只对准了他们的手。在手边，散落着几张扑克牌。另一个场景中，桂纶镁从廖凡的裤子里翻出了一大堆杂物，其中就包括一把纸牌，并且是用皮筋勒好的。

首先，离婚了还要做爱，并在火车站试图继续强迫，而在做保安时，同事给他介绍对象，他居然当大家的面对女子上下其手，说明廖凡这个角色有性瘾症，并伴有暴力倾向，非常容易就会被勾起欲望。这也就为接下来他跟桂纶镁的感情做了铺陈，也能解释为何他会那么快爱上她。纸牌是他拿出来的，他就像要掌控一盘牌局一样，要掌握整个事态的G点。片中他跟王队长也有过一段对话，关于输和赢的，大致意思是他说至少不会输得那么难看。他已经不再是警察，却还在做警察做的事情，正暴露出他勃勃的野心，只要案子不破，他绝不认输。

火车

在所有的交通工具中，火车最有厚重感、宿命感、稳定感，总有些不可名状的气质。前几天上映的《雪国列车》，干脆把所有故事都发生在火车里。《白日焰火》中，火车既载着碎尸驶向全国各地，又带着桂纶镁深夜归途。可见，火车跟桂纶镁是有直接关联的，导演正是用这样充满宿命感的暗示，在告诉观众真正的始作俑者到底是谁。

雪

影片是在哈尔滨取景拍摄，哈尔滨是冰城，而在影片从出片头字幕开始，就没离开过雪和冰。仔细观察，会发现影片一开始，地上还是冰水混合物，脚踩上去就化了的那种；而到了影片结束，雪已经很厚了，人们也穿上了很厚的衣物，这是影片时间线上呈现从初冬到深冬的过程，也在暗指桂纶镁的命运逐渐进入冰冻。电影的色调偏冷色调，尤其是在纯白的雪地上时，

面条

有一个客人在吃面条时，居然吃出了一只人的眼球，由此牵出了一起命案。在吃的东西方面，面条往往传递的是负面信息，主人公吃面代表将会有倒霉的事情降临。这不，这碗令人作呕的面条成了事件导火索。不过面条在片中只出现了这一次，还有一次吃的场景，是廖凡和王学兵前后脚进一个小饭馆，他们喝的都是羊汤。面条和汤的含义大致相同，由于吃的时候会发出声音，比较容易让人产生焦躁情绪，因此喝汤代表他们之间已经树立起了敌对关系。

烟

抽烟同样是主人公情绪的外在表现方式。廖凡在片中不止一次地抽烟，每一次都是他的境遇陷入困境之时，比如桂纶镁被逮捕之后，他就点起了一根烟。与此相对应，桂纶镁也曾抽过一次烟，她当时在为廖凡洗衣服，从裤子兜里翻出了香烟，她就在窗前默默抽了起来。显然，她已经知道廖凡正在跟踪自己，内心高度紧张的她只能用一根烟的时间来放松自己。

冰刀鞋

导演多次给冰刀鞋特写，尤其是出现在廖凡的脑海里。冰刀鞋是东北人常常会接触到的事物，但是它锋利的刀口也会带有一种令人不安的感觉。在王学兵手里，它成了杀人的工具，那些尸体正是用冰刀一块一块切开的。桂纶镁在刚认识廖凡的时候，就提出跟他一起去滑冰，殊不知，廖凡正是在危险（冰刀）上面舞蹈。其中有一幕是桂纶镁远离冰场，滑向黑暗中，暗指她正一步步带着廖凡走进深渊。

摩天轮

哈尔滨游乐园的摩天轮也派上了用场。冬季该摩天轮是不营业的，所以看到这不合常理的一幕有点奇怪，而两人的正式示爱也正是在摩天轮里。摩天轮是城市里最高的地方，两个人搭乘它离开了地面，升到了空中。“脚离地”是电影的一种象征手法，意思是他们的爱情仅仅是空中楼阁，不可能落到现实中来。因为接下来就是桂美轮接受警察质问，牢狱之灾等着她，一个罪犯和一个警察，就只能在“半空中”相爱了。

红衣服

片中桂纶镁都是穿黑色或灰色的衣服，色彩在表现人物内心方面也有重要作用。她过着非一般人的生活，有苦也不能说，所以黑灰色传递出一种压抑苦闷的情绪。而就在摩天轮一吻之后，桂纶镁的衣服大变样，居然穿上了红色衣服，甚至还开始抹上了口红，可见有了爱情的滋润，自闭的女人也有了转变，更表现出桂纶镁对爱情的渴望。

舞蹈

在桂纶镁被逮捕之后，廖凡来到一个歌舞厅，独自在舞池中间狂舞。没有章法、没有节奏、他完全就是在乱扭一气，非常丑，根本称不上舞蹈。这一幕像极了电影《阮玲玉》中的结尾，张曼玉独自曼舞的镜头，那时她已经做好了自杀的准备，在歌舞升平后结束生命。而在本片中，这也似乎是廖凡的回光返照，爱的人进了监狱，身心备受煎熬的他只能用外化的舞蹈来宣泄自己内心的痛苦，这跟他之前沉稳内敛的表现完全大相径庭。

焰火

片名“白日焰火”在片中做了两层解释，一是一家夜总会的名字，二是桂纶镁被带走之后，白天里真的出现了焰火。这个意向有点向东野圭吾的《白夜行》致敬的意思，而本片也的的确确跟《白夜行》非常相似。焰火是美丽绚烂的，但终究是短暂易逝的，就像廖凡和桂纶镁的爱情一样，最终消失在风中。而焰火也可以代表桂纶镁这个角色，焰火出现在白天，是体现不出它的美的，甚至还带有几分生硬和多余，桂纶镁多年的沉寂，最终还是暴露了蛇蝎美人的心肠，即便是外表清纯，也仍然是枉留人间。

E. 孤单熊风吹不散的白日梦读后感

《孤单熊·风复吹不散的白日梦制》一书是“阳光姐姐美美熊”系列丛书中的一本。该丛书共六本，按照不同主题分为：无敌熊、勇敢熊、孤单熊、成长熊、奇异熊、温暖熊。每本书根据各自的主题，收录与之相关的4～5篇作品，其中一篇为“阳光姐姐”伍美珍创作，同时挑选了“阳光家族”小作者创作的精彩小说。《孤单熊·风吹不散的白日梦》的主题是：孤单，由“阳光姐姐”伍美珍原创的《孤独女生江冰蟾》领衔，携手“阳光家族”明星小作家们为小读者奉上一组既孤单又温暖的成长故事。

F. 陶渊明的《杂诗 其二》中“白日沦西阿，素月出东岭。遥遥万里辉，荡荡空中景。”

陶渊明 杂诗·其二 杂诗·其二白日沦西阿，素月出东岭。遥遥万里辉，荡荡空中景。风来入房户，夜中枕席冷。气变悟时易，不眠知夕永。欲言无予和，挥杯劝孤影。日月掷人去，有志不获骋。念此怀悲凄，终晓不能静。[评] 《杂诗》是在晋义熙十年（公元414年）前后，陶渊明50岁时所写，共12首，此首为其中之二。这是离他辞彭泽令归耕园田已10年之久了。在"晨兴理荒秽，带月荷锄归"的生活中，他感到获得了自由，心情舒畅，写下了像"采菊东篱下，悠然见南山"这样诸多名句。然而他终非"浑身静穆"，这首诗正透露出个中消息。 此诗起首处气势恢弘："白日沦西阿，素月出东岭。遥遥万里辉，荡荡空中景"万里河山一片宁静肃然，笼罩在月光之下。望着这浩荡空阔的景象，诗人的心被感动了。正是"登山则情满于山，观海则意溢于海"（刘勰《文心雕龙》），浩渺长空，星转斗移，又一次鼓动起诗人潜在的激情。接下来四句，"风来入房户，夜中枕席冷。气变悟时易，不眠知夕永。"冷风入户，使诗人感悟到季节的交替、时光的流逝，思绪万千，彻夜难眠。这四句诗承上启下，由此转入伤感悲戚的格调。诗人本怀有远大的抱负，少年时即有济苍生之志，"猛志逸四海，骞翮思远翥"（《杂诗·其五》）。但是频繁的战乱、黑暗的官场，使这位志高行洁的诗人理想破灭了，只能归耕园田，独善其身。"结庐在人境，而无车马喧。问君何能尔？心远地自偏"（《饮酒·其五》），他的心终于得到了宁静。可是济世之志未泯，它像一股暗流在诗人心底涌动着，撞击着。在这样一个晚上，无边的月色，高远的长空，又把它从诗人心底牵引出来。想起少年时的远大志向，中年的官场磨难，直到行将老矣的现在，怎能不让诗人感慨万千呢！然而"欲言无予和，挥杯劝孤影"，漫漫长夜里，只听到诗人独自叹息的声音。这种痛苦的孤独感，并不仅为夜深无人语而来，我们从屈原的"举世皆浊我独清，众人皆醉我独醒"，从阮籍的"夜中不能寐，起坐弹鸣琴"，以至后来李白的"花间一壶酒，独酌无相亲"等等诗句中，都不难找到共鸣。他们都比世俗之人有更高远的志向，不愿随波逐流，因而都难容于世，也更深的体会到"日月掷人去，有志不获骋"的痛苦，这是不可解脱的、刻骨铭心的痛苦。 了解诗人的内心世界之后，我们对此诗后面出现的变之音，当会有更深的理解了。他可以"采菊东篱下，悠然见南山"，从生活的旋涡中逃避开来，停泊在宁静的港湾，但却无法回避自己内心不时而来的风风雨雨。这可说是此诗的内蕴所在。

G. 李清照醉花阴赏析，快，快

李清照 醉花阴的赏析
薄雾浓云愁永昼，瑞脑销金兽。佳节又重阳，玉枕纱厨，半夜凉初透。 东篱把酒黄昏后，有暗香盈袖。莫道不销魂，帘卷西风，人比黄花瘦。
这首词是李清照前期的怀人之作。李婚后不久，丈夫赵明诚便“ 负笈远游”，深闺寂寞，她深深思念着远行的丈夫。这年，时届重九，人逢佳节倍思亲，便写了这首词寄给赵明诚。
“薄雾浓云愁永昼，瑞脑销金兽”，这两句借助室内外秋天的景物描写，表现了词人白日孤独寂寞的愁怀。“永昼”指漫长的白天，“永”字便可见词人内心的无聊愁苦。“瑞脑”，香料名，又叫龙脑香。“金兽”，铜制的兽形熏香炉。这两句的意思是：从清晨稀薄的雾气到傍晚浓厚的云层，这漫长的白昼，阴沉沉的天气真使人愁闷。那雕着兽形的铜香炉里，龙脑香已渐渐烧完了，可心中的愁思为何总缕缕不绝呢？可见，这两句虽为景语，却句句含情，构成一种凄清惨淡的氛围，有力地衬托出思妇百无聊赖的闲愁。
“佳节又重阳，玉枕纱厨，半夜凉初透”，这三句写出了词人在重阳佳节孤眠独寝、夜半相思的凄苦之情。“玉枕”，瓷枕。“纱厨”，即碧纱厨，以木架罩以绿色轻纱，内可置榻，用以避蚊。常言道：“每逢佳节倍思亲”，今日里“佳节又重阳”，词人又怎能不更加思念远方的丈夫呢？一个“又”字，便充满了寂寞、怨恨、愁苦之感，更何况，玉枕、纱厨往昔是与丈夫与共的，可如今自己却孤眠独寝，触景生情，自然是柔肠寸断心欲碎了。显然，这里的“凉”不只是肌肤所感之凉意，更是心灵所感之凄凉。
“东篱把酒黄昏后，有暗香盈袖”，这两句写出了词人在重阳节傍晚于东篱下菊圃前把酒独酌的情景，衬托出词人无语独酌的离愁别绪。“东篱”，是菊圃的代称，语出陶诗“采菊东篱下，悠然见南山。”“暗香”，菊花的幽香。“盈袖”，因饮酒时衣袖挥动，带来的香气充盈衣袖。重阳佳节，把酒赏菊，本来极富情趣，然而丈夫远游，词人孤寂冷清，离愁别恨涌上心头，即便“借酒销愁”，亦是“愁更愁”了。又哪有心情欣赏这“暗香浮动”的菊花呢？
“莫道不销魂，帘卷西风，人比黄花瘦”，这三句直抒胸臆，写出了抒情主人公憔悴的面容和愁苦的神情。“销魂”极喻相思愁绝之情。“帘卷西风”即“西风卷帘”，暗含凄冷之意。这三句工稳精当，是作者艺术匠心之所在。先以“销魂”点神伤，再以“西风”点凄景，最后落笔结出一个“瘦”字。在这里，词人巧妙地将思妇与菊花相比，展现出两个迭印的镜头：一边是萧瑟的秋风摇撼着羸弱的瘦菊，一边是思妇布满愁云的憔悴面容，情景交融，创设出了一种凄苦绝伦的境界。
全词开篇点“愁”，结句言“瘦”。“愁”是“瘦”的原因，“瘦”是“愁”的结果。贯穿全词的愁绪因“瘦”而得到了最集中最形象的体现。可以说，全篇画龙，结句点睛，“龙”画得巧，“睛”点得妙，巧妙结合，相映成辉，创设出了“情深深，愁浓 浓” 的情境。

H. 魔戒的影评

电影别出心裁的用了咕噜从前的经历承上启下，作为《双塔奇兵》过渡到《王者无敌》的引子。像是咕噜回归现实的梦之通道。即而，新的故事开始。自然委婉，不露一丝人工刻意的痕迹。
关于咕噜不甚掉入河底恰拾魔戒，心生邪恶掐死哥哥的这段插叙。很多人认为是用来表现魔戒惟我独尊的强大恶势，以此暗示弗罗多一路上重重的精神磨难。其实从另一种角度观望，魔戒不过是面魔镜，它不是让人变坏而是将你内心险恶反射进而无限扩大在你的瞳孔。我哥说，不见得咕噜几百年前每天钓钓鱼你就看得出他曾是个单纯善良的霍比特人吧。这个小怪物后来之所以变得人不人鬼不鬼，多半是由於长久来永无休止的内心挣扎。一个人最恐惧的事莫过于自己封锁暗处的隐私抖落眼前。一个生命最艰难的事莫过于和自己灵魂上的负面持续斗争。

弗罗多也并非圣贤。他虽然心地善良却到底不过凡夫一介。日常生活中他不可能完美的毫无瑕缺。魔戒自靠近弗罗多那一天起，不仅使他踏上了千辛万苦的征途，更意味着他与自己潜藏的灵魂负面进行一场持久较量的开始。最终弗罗多也没能将魔戒扔下熔岩。而我分明读见他蓝宝石般的双眸中，那交错着不忍却无奈的绝望。他终是无法战胜外力所致的另一个自身。

《西游记》中，孙悟空那样一个曾经大闹东海地府天宫的朋克，一样在西行时屈服于唐僧和如来的管辖。最后连自己都难免变为统治阶级。西行81难如激光般炸平了石头尖锐的棱角。同时亦成了孙悟空打败自己的过程。

且不论托爷爷本意如何，对於我们这些没看过原著的人来说，一千名观众心中自有一千个哈姆雷特。如用某种深入的尺度来衡量，无疑上述论说更能体现价值感与可观性。

壮丽的战争曼陀罗

刚多国古堡留给印象的清晰轮廓，是宛如白银玉石般层层围裹在悬崖峭壁上的雄伟城池。当甘道夫骑驾白马盘绕飞驰，奔越民众和集市，直达顶端居高临下的国王寝殿。我已不难想见，佩兰诺一战的爆发将会导致怎样一种覆灭性的残酷美感。

佩兰诺战役因为有击鼓巨兽，戒灵飞龙，战象甚至一片好似《加勒比海盗》里搬来的亡灵军团进行海陆空三重参战，其场面自然要比第二部中的圣盔谷战更显壮观。飞龙时而展翅高翔时而俯冲低鸣的视角变换着赏识史诗气魄的立体切面。亡灵援军如潮如浪地蜂涌蔓延现身不为人知的冥界力量。烽火跨越山脉起伏，峰岭延绵，千年冰雪托起它在云霄之上的升腾，最终落到罗翰国缭望的边境顶点。如同一道天启星光，接连燃烧着人类共有的希望。
如此气势在恢宏程度上绝对胜于《双塔奇兵》。但是缺乏上部那种让五脏六腑为之颤抖的强烈震撼。《双》因为有美丽出尘的精灵神箭手们参战，魔军的丑恶在反衬下更加无限放大。视觉反应便是超越光速观望远古神话的上演。加上阴暗流派的背景音乐，给战场惨烈的画面增添一抹淡淡苍凉的颜色。昼之明终归不如夜之暗来的深重。所以佩兰诺光天白日下的战争，始终不及圣盔谷那种深不可测的无尽黑夜更具压抑感和紧迫感。
领略过魔戒的特技制作，什么哈里波特，什么星战终结者蜘蛛侠，真的都可以见鬼去了。我不敢这么说黑客，因为黑客蕴涵着太多晦涩难懂的哲学。但是黑客系列的战争场面显然不如魔戒系列扣人心弦。前者带来的更多是新鲜，刺激和喧哗。恍如小时候看变形金刚打来打去那般精彩而空洞的心情。隐存在机械中的人性只剩下些许冰冷的残余。然而中土平原却是充满人性情感的战地。人类无力到达善与邪的彼岸。但遥相守望的各族生灵终会重见恶势在勇气中竭尽的宽慰和释然。
观影时我无从所知。为何没有煽情的情节，不见悲剧的收场，亦无现代都市剧的孤独空虚感，没有原因没有理由却足以使我热泪盈眶。直到告别朋友们，独自回家的路上陷入冥思，才慢慢理解原来那是被高科技的社会浊蚀的本性。血液里丧失多年的温热再度沸腾，激撼着灵魂底处就快逝去的某些东西恢复了电流感应。
奇幻故事中的人性世界
西方神话无论人神，都是以人性结构为主的。古希腊神祗宙斯与众女神的感情纠葛这样体现，北欧异教的奥丁神与其众儿女亦是如此。因此魔戒故事里便有了精灵公主阿尔温和人类勇士阿拉岗之间的旷世恋情。而东方文化素来将人和神的性情以不同境界划分等级。天蓬元帅何以被贬下凡成了猪八戒，为得就是这个清规戒律。所以气质脱俗的精灵可以主动热吻阿拉岗，却始终不必像嫦娥那般寒气凌人。
但是这位神仙公主除了拥有不食人间烟火的容颜，除了透明纯蓝的眼珠和飘逸的行走姿态，几乎让人想不起她的存在理由。虽然pj导演认为叫阿尔温上战场纯属蛇足，但是仅凭声色影像的直观，确实令我无从感受她那所谓的精神意念。满眼尽是她目光呆滞，黯然失色的模样。怎么看怎么都像是等人家把仗打完了，她趁机跑去嫁给阿拉岗坐享其成。
倒是罗翰国公主伊奥温，个人感觉影片中血肉丰浓的人物之最非她莫属。自她身穿白色长裙伫立城头那一刻起，我已能想见这个女孩心中的广阔天空。她懂得如何争取自己的幸福。而面对情感的失落，她更加清楚什么才是最重要的理想追随。没有栖息的爱是比死亡还要冷酷的冰川。伊奥温执意上了战场。金发起舞如风中白帆，深绿眼瞳目光炯炯。与身边那群英勇男儿毫无差异。她和他们一样放声呐喊，预见自己终有可能倒在滚烫的血泊中央。但无论是生是死，得到的自由早已覆盖住那一点点微弱的伤。
伊奥温不是童话里的公主。她不是只会坐在华美幽黯的后宫持续无用的想念。亦不会让万段柔肠在荒野林间谱写流亡曲。她才是真正手持神剑，飞身驾马的绝世精灵，于战火硝烟的百里沙场上纵横驰骋。
电影一直用相交的两根线索编绘故事。我不理解为何很多影迷觉得弗罗多惹人厌恶。在我看来，他是人性善面的极致代表。“善良” 一词不仅仅是心肠柔软的意思。它同样包含一个人对理想的诠释和对责任的实行。这个身材矮小的霍比特人所承载的，或许是连天神都无法企及的灵魂。所以萨姆对弗罗多那种拼死护送的忠诚，绝对不能和同性倾向混为一谈。因为一个真正纯洁正义的生命，他身上自会散放出令任何人感到震摄的光芒。
听说原著语言优美非凡。不过电影台词大多采用了简明的方式。可就是这些简洁的对白，却有一股直捣人心的份量。比如开头不久萨姆把所有食物留给弗罗多时说的那句：i am not hungery。短促的言语暗中凸显萨姆作出自我牺牲时所下的决心。而当弗罗多体力不支在石壁上倒下的时候，精灵女皇向他伸出带着光和热的手掌。this task is appointed to you. if you don’t find a way, no one will。这句话并非冥冥中精灵女皇带给他的力量。而是自己必须完成的这个使命，扎在内心根深蒂固的重量。
伊奥温战胜戒灵巫师后，伏在父亲身旁哀哀哭诉：i am going to save you。国王平静说道：you always did。即尔安详地永恒沉睡。这个“did” 已是不会再有下一次机会发生的过去时。国王记忆中最后一幕长新的情景，是公主那令人即使面对死亡都会感到安慰的勇敢坚强。然而生死无情绝不为此迟疑。它依然在瞬间筑就永远不可逾越的围墙。
印象较深的还有决战前精灵哥哥对矮人说得话：what about if we die side by side with friends？记得他们以前总喜欢比试战绩。精灵哥哥轻功征战象时矮人还斤斤计较了一句：that couldn’t be counted as one。有趣的小心眼使人发笑。既然一切都将可能终结，假如死亡能让友谊和希冀永恒，那么生存的尽头又有什么值得恐惧呢？
我本是个感性的人。就连《海底总动员》这种动画片也能让我鼻腔酸楚。观看魔戒更是不止一次地湿却双眼。这种经由人性相通的连接点引发的共鸣，是否就是遗忘在成人世界里，泪水的恒温？
瑰绝的音乐诗篇
大概本身迷恋另类的关系，总觉像魔戒这样的电影，应该由深受古文明熏陶的欧洲音乐人但当配乐制作。事实上魔戒系列的原声音乐抛不开和歌特及新古典流派一脉相承的关联。起初精灵族行走林间那个场景，如诗如画，仿佛一出梦境显形在时空隧道的彼端。多么像歌特金属和darkwave一贯表达的典型意境。
由於影片需要，背景音乐的主调是澎湃激昂的。而有些场面加入些许苍凉的调子，便是喧闹背后令人动容的寂静。好比法拉墨出征时梅利的那段清唱，以及高潮处如歌剧般的男女高音合唱，都蕴含几分歌金的神秘色彩和darkwave的幽暗氛围。音乐是比画面和文字更具感染力的艺术形式。有时战争场面的气魄，或许只需一篇冰凉而惨淡的曲章，就能表现淋漓。记忆中那些沉郁悠扬的旋律，听起来仿佛远远传至的天籁。优美，似有，似无。到达耳膜深处却有一段遥遥无期的路途。
很难想象一部壮阔而漫长的史诗，如何能每个情景和细节都制作的如此精致，完美无瑕。这种感慨犹如前阵我反复聆听的速度金属。那种追求旋律速度的东西，竟也能做到重型和古典的并存。听说魔戒原本有意请奥地利乐队elend制作配乐。且不论真假，黑暗乐系的氛围与神话故事的主旨总是最贴切的。
有人说，魔戒系列实为现代科技和人力结合的智慧结晶，却是电影界的悲哀。可为什么一定要把它嵌进传统电影史的固有模式中去呢？它为我们带来绝美的视听享受，令我们重拾迷失在都市楼群中的人性情感。比起史诗的悲壮浩瀚，人类艺术观也只不过是相对渺小的产物。如果没有电脑特效的辅助，所有这些辉煌又如何灿烂在我们的瞳孔？
写到这里，室外已是暮色渐暗之时。华灯初上，纷繁夜景，恍若隔世。能够触觉到任何一种丰富的感动，生活都是个美好的存在。
作 者：紫夜精灵
真正的勇士
总会在朋友危险时第一个拔刀相助
总是会对待兄弟和朋友心口不一
却在暗处关心他们
带给你光明的友情 带给你爱情的纯真 带给你奇迹的知识
带给你温柔的诚实 带给你希望的勇气 ＝转

I. 高分悬赏 能帮找纯真年代的影评吗

Age of Innocence
(Period romantic drama -- Color)
By TODD MCCARTHYA Columbia release of a Cappa/De Fina proction. Proced by Barbara De Fina. Co-procer, Bruce S. Pustin. Directed by Martin Scorsese. Screenplay, Jay Cocks, Martin Scorsese, based on the novel by Edith Wharton.

Newland Archer - Daniel Day-Lewis
Ellen Olenska - Michelle Pfeiffer
May Welland - Winona Ryder
Mrs. Mingott - Miriam Margolyes
Larry Lefferts - Richard E. Grant
Sillerton Jackson - Alec McCowen
Mrs. Welland - Geraldine Chaplin
Regina Beaufort - Mary Beth Hurt
Julius Beaufort - Stuart Wilson
Mrs. Archer - Sian Phillips
Mr. van der Luyden - Michael Gough
Mrs. van der Luyden - Alexis Smith
Letterblair - Norman Lloyd
Monsieur Riviere - Jonathan Pryce
Janie Archer - Carolyn Farina
Ted Archer - Robert Sean Leonard
Narrator - Joanne Woodward

An extraordinarily sumptuous piece of filmmaking, "The Age of Innocence" represents an impeccably faithful adaptation of Edith Wharton's classic novel, which is both a blessing and a bit of a curse. Director Martin Scorsese has met most of the challenges inherent in tackling such a formidable period piece, but the material remains cloaked by the very propriety, stiff manners and emotional starchiness the picture delineates in such copious detail. Despite all the talent involved, this portrait of an impossible romance set in the upper reaches of New York society in the 1870s has a finite audience, more or less defined by the $ 25 million to $ 30 million grosses achieved by such tony releases as "Howards End" and "Dangerous Liaisons."
Even if it does that well, this prestige entry, with its reported $ 40 million-plus price tag, will be a long way from break-even. Film premieres tonight at the Venice Film Festival.

For sophisticated viewers with a taste for literary adaptations and visits to the past, there is a great deal here to savor. The sets, costumes, cinematography, music and attention to the mores and customs of the time are almost unimaginably luxurious and evocative, giving evidence of tremendous research and a feel of extreme authenticity. The screenplay adaptation is intelligent and economical, and the casting and acting, from the leads to the smallest roles, are as fine as one could want.

But it is difficult to picture general audiences warming up to these representatives of the old ruling class, whose constricted emotional lives Wharton brilliantly illustrated in her 1921 Pulitzer Prize-winning novel.

Present rendition (Irene Dunne and John Boles starred in a forgotten 1934 RKO version) begins with a lovely floral and lace title sequence by Elaine and Saul Bass, then plunges the viewer into the hotbed of high society -- the opera, where the real action is in the boxes, not onstage. The focus of most lorgnettes this evening is Ellen Olenska (Michelle Pfeiffer), a beautiful American recently returned from Europe after leaving her aristocratic husband.

Ellen is a cousin of lovely young May Welland (Winona Ryder), who is just now announcing her engagement to socially prominent lawyer Newland Archer (Daniel Day-Lewis). Although related to a distinguished family, Ellen is much whispered about e to the free-thinking ideas she appears to have acquired in Europe, and because she is rumored to have lived with her male secretary.

In this world of formal balls, dinners and other ritualized social engagements, propriety is all, and Countess Olenska doesn't conform to the letter of New York's standards. But Newland, who at moments dares to express unorthodox ideas about acceptable behavior for women, defends her and, with the help of his mother, orchestrates her acceptance into society.

But just as he is urging May to move up their wedding date, Newland becomes entranced by the bewitching Ellen, who is so tantalizingly different from everyone else in his sphere. With the excuse of advising her legally on her impending divorce, he is able to call on her frequently, and when he finally reveals his feelings, it's almost too much for both of them.

The real subject of the film is Newland's adhering to his prescribed role rather than following his heart, and while this is apparent, the emotion is, crucially, not deeply felt or conveyed despite the couple's furtive meetings in the film's second half. The obsessive central love story here is repressed on all levels, which serves to parch the film more than intensify it. Nor does a rather flat coda, set in Paris years later, deliver the intended poignance.

The picture's other subject is the re-creation of an era, and in this the film is almost overwhelmingly successful. The repeated close-ups of 1870s place settings, food preparation, cigar trimmers, fabrics, clothes, paintings and decor, to the accompaniment of appropriate music, bespeaks an immersion in time and place that some may feel goes beyond the necessary to the fanatical (but which actually constitutes a pleasure in its own right).

In both their exquisite appearance and sheer quantity, Dante Ferretti's proction design and Gabriella Pescucci's costume design are practically beyond compare, and Michael Ballhaus surpasses himself with his resplendent widescreen cinematography.

In his attempt to define an era through a thwarted romance set among the trappings of the very rich, Scorsese conjures up the cinematic worlds of Max Ophuls, notably "Madame de ... ," and Luchino Visconti, particularly "Senso" and "The Leopard." For a director previously associated mostly with the violence of the lower classes of New York, it's a notable attempt to stretch, and admirable in many ways.

Day-Lewis cuts an impressive figure as Newland, and it may be that he is playing something of a thankless part: a character who invariably makes decisions that disappoint.

The two principal female roles are superbly filled. For any actress to make the transition from Cat Woman to Ellen Olenska would be impressive, and that Pfeiffer succeeds here as she did in her last film is the most conclusive proof yet of her widening talents. Ryder is also perfect as the child-woman with a more tenacious instinct than her retiring manner would indicate.

A great roster of superior actors fills out the supporting roles, and seeing the likes of Alec McCowen, Sian Phillips, Richard E. Grant, Miriam Margolyes, Geraldine Chaplin, Mary Beth Hurt, Norman Lloyd, Michael Gough, Jonathan Pryce and, in her last role, the late Alexis Smith pop up throughout reps a connoisseur's delight.

Scorsese brings great energy to what could have been a very static story, although his style is more restrained and less elaborate than usual. Script by the director and former film critic Jay Cocks judiciously trims the story down to manageable length while retaining its essential elements.

Elmer Bernstein's score is full-bodied and richly romantic, Thelma Schoonmaker's editing is very finely tuned and the scene transitions are notably varied. This is no doubt one of the few films ever to credit a table decoration consultant, etiquette consultant and chef for 19th-century meals, and these credits are very well earned.

建议你到学校外上网，肯定可以上国际网。你可以去www.imdb.com查这部片子，然后通过external reviews就可以看到不少评论，有些应该还比较有用，比如roger ebert的影评。另外，北师大的田卉群老师出过一套什么教程，反正就是影片分析的，一共两本，讲外国电影的那本里面我记得的有《纯真年代》的分析，也可以找来看看，既然你是学这方面的，我想图书馆肯定少不了这些书。

J. 谁能忍受孤独，谁便最常情.白日焰火

白日焰火经典台词

1、一个人需要隐藏多少的秘密，才能巧妙地度过一生?

2、“你还想赢专得世界啊属?” “不，我只想输得慢一点。”

3、那时候这家酒吧也叫白日焰火，现在鸟枪换炮了，可是多美多烂的记忆，都不会改变的。

4、张自力（廖凡 饰）：想逃，逃不掉

5、吴志贞（桂纶镁 饰）：我说不用解释！

6、张自力（廖凡 饰）：看到什么了？白日焰火

7、她的爱沉浸在海底。就如白日焰火，旁人无从察觉，可是一直在努力绽放。

8、做不成人生赢家，但也不能输的太快

可是，多美多烂的记忆，都不会改变的

如今沧海桑田、鸟枪换炮了，但最美最烂的记忆永远不会忘记!

我们经历的每一种情境都是完美的，即便它不一定符合我们的理解与自尊

你还想赢得人生吗

不想这辈子这么失败。

——要不然呢，你还想功成名就不成?

——至少失败得慢一点