甜美错步影评
一、意象：
1、颜色和衣饰
颜色的喻意最常用也最明显。
白色、粉色：白天鹅、妮娜。黑色：黑天鹅、母亲、莉莉、贝丝。灰色：唯一的男主角——舞团艺术总监托马斯。
白色：妮娜的枕头是黑白花纹的，在多个梦醒的俯看镜头中，她的头颅都正好搁在黑色藤蔓花纹盘绕纠缠的中心；她的雪白围巾，呈绒毛状，既是白天鹅羽翎的象征，又像是雏鸟新生未丰的遍体软茸。（以这种绒毛状服饰象征纯洁，不久前在《单身男子》中也见过：尼古拉斯-霍尔特饰演的代表救赎天使的肯尼，就穿着这样的软绒白毛衣。）
粉色：妮娜的房间几乎全部布置成粉色；开场的第一个早晨，母亲端上来的早餐是切成两半的水果，妮娜有如小女孩般呢喃：“粉色，多漂亮！”
妮娜的手机多次出现，可以看到她的手机屏幕上出现“MOM”字样时，底色是粉红色的。
当妮娜独自蜷坐在甬道中练习手臂动作时，围巾是淡粉色。
到她被选为“天鹅皇后”之后，那条绒毛状的围巾就不见了，即雏鸟褪毛的象征。
——不过，当妮娜受到托马斯诱惑又被抛闪后，曾坐在镜前哭泣。彼时绒毛围巾再次出现，应是喻意她此际彷徨悲苦，又回到瑟缩雏鸟的状态。
灰色：当她频频出现幻象之后，她练舞时穿的上衣从白色变成灰色；她的家居服也成了灰色——灰色渗入了妮娜的粉色天地。
在酒吧中，莉莉给了妮娜一件黑色的性感背心。妮娜把它套在了白衣外面。服下致幻药物后的一夜，妮娜的毛衣彻底变成了深灰色。
在妮娜的“白色时期”，她的鞋子是圆钝、无侵略性也无野心的灰色棉布雪地靴，与她形成对比的是“黑天鹅”莉莉那冶艳的黑色皮靴。
2、天鹅
天鹅是个复杂奇怪的意象，可以代表纯洁，却也可以是肉欲的化身：众神之神宙斯，为斯巴达王廷达瑞俄斯之妻丽达的美貌所倾倒，变为天鹅与其野合。天鹅雪白的胴体、柔媚的长颈、软滑的羽毛、饱满肉感的身躯，亦可看做女子性征极致的组合。
天鹅的另外一个象征意是艺术家的诗意唯美化身，圣桑的《天鹅之死》、谚语“天鹅之歌”，都用这个意义。
本片中天鹅的意象无处不在，贯穿始终的《天鹅湖》音乐令全片像一部音乐剧，此外尚有妮娜的手机铃声、带有《天鹅湖》节奏和芭蕾舞小人儿的八音盒等。
我认为最重要的天鹅意象，出现在妮娜躺在浴缸中的时候（第50分钟）。观者可以看到镜头右边一只小盒子，盒子上用色点镶嵌的手法砌出白天鹅的图形。就在这天鹅的陪伴下，妮娜在浴缸中自慰——镜头中只有她闭目呻唤的面孔，和那只天鹅图形。这其实是“丽达与天鹅”故事的影像化的一幕，妮娜甚至向天鹅图形那边抛去一个妩媚的眼风！但最后，妮娜被滴入水中的血液惊醒。
片中多名女子带有黑天鹅的特质。
第一只黑天鹅，当然是莉莉。
第二只黑天鹅是贝丝。
第三只黑天鹅，是妮娜的“另一个自己”。
需要说明的是：黑天鹅并不是彻底的邪恶象征。它代表的是欲望、挣扎、不懦弱，和不掩饰、不压抑一切渴求。黑天鹅唯一的原则是追求快感的原则。
（27分钟时，一位黑衣舞蹈教师教授妮娜如何饰演黑天鹅，镜头长久凝视着这个老女人露出的肩胛，蝴蝶骨在衰老皱缩的皮肤下艰涩滑动，这是只不能再飞起的老天鹅。）
3、指甲与抓痕：
妮娜做了被黑魔王擒住的梦境之后，第一次发现肩胛处有伤痕，并且她闪躲着、砌辞掩饰，不愿母亲过多注意；后来，抓痕频繁出现；她的足趾趾甲破裂，血肉模糊；在托马斯把天鹅皇后隆重推出的晚宴上，妮娜发现指甲处开始有血印。她躲在洗手间里，试图剥掉甲沟处脱离的皮肤，让人心悸的是她顺势一撕，撕扯下一长条带血的表皮，但当她喘息着在水流下冲净血迹，发现伤口消失了；后来，妮娜的母亲把她拉到洗手间，阴沉着脸为她修剪指甲。
指甲是“黑天鹅”挣扎出茧的武器。母亲的动作代表粗暴的“解除武装”与镇压。种种表象，暗喻妮娜身体中另一个自己越来越急迫地要破茧而出，要挣脱这个清洁的、严肃的、死气沉沉的躯壳。
从处子到女人，需有一道疼痛和流血的仪式。无处不在的血污，象征着妮娜性意识之逐渐觉醒，在心灵上从处子跨越到女人。
——或曰，妮娜并非处子。她曾在托马斯的强迫下面对这个问题。然而当他问“你喜欢欢好么”，妮娜脸上露出的不是对美好事情的缅怀，而是不得不勾起丑陋回忆的憎厌。若她不曾领略到欢好的快感，从精神角度上说，她便仍是处子。
妮娜试图在浴缸自慰一段。注意：自慰需要使用手。她被水面上悬空出现的自己的脸惊吓，浮出水面，发现手指在流血——也便是用来自慰的手。亦即“抚慰”她的是她心中的“黑天鹅”。
而在浴室镜子前剪指甲时，试图剪除“指甲”的是妮娜，而镜子里恶笑着令她把肌肤剪破、淌出血来的，则是要迫切要破壳出来的自我。
4、莉莉：
莉莉肩胛处有黑色纹身，粗看像是铺开的羽翼，有张牙舞爪之势，凝神看去，可以辨出图案是两朵并蒂开放的花，象征善与恶的并蒂。
莉莉出现的这天傍晚，妮娜在归途中首次与遍体黑衣、长发披拂的自己劈面撞见。这是她潜意识中的“黑天鹅”首次出现，暗示妮娜其实对风情迷人的莉莉十分钦羡。
莉莉把妮娜带到酒吧作乐，在从酒吧回去后，妮娜最严重的一次幻象出现了。
仔细观看这段影像可以看出，不必等到第二天早晨，导演早就暗示了莉莉的不存在：在妮娜笑着进门时，她的身影出现在多面镜中，被分裂成无数个“妮娜”，暗示此时的她已呈分裂状态；母亲出现，没有向“莉莉”打招呼（第一次看时，可能会当做母亲对莉莉的不满或故意忽视，但返回去看便知进门的从头至尾只有妮娜一个人）；而此处有更明显的暗示（1小时06分钟）：在镜子里一个妮娜的身影后闪出了莉莉的影像，她媚笑着蹑手蹑脚地走开，这表示莉莉就是从妮娜脑中分裂出来的。随后，妮娜“拉着莉莉”跑回自己的卧室，当她把母亲关在门外时，可以清晰地看到门上悬挂着灰色镶嵌粉边的外套——灰色已经是主要色调，粉色退居边缘。
母亲大喊：“you’re not my Nina again！”此际的妮娜确已不是母亲的女儿，她归属于自己、臣服于欲望。
当“莉莉”与妮娜以同性方式欢好，由于别致的姿势，观者和妮娜都可看到莉莉怪异扭动的肩胛，以及肩胛上的纹身：从并蒂花变成了振起的翅膀——黑天鹅再次出现。
此际两种弦乐——阴险的大提琴与纤细忧伤的小提琴，交织在一起。映衬着妮娜面庞的，也不再是黑白花纹的枕头，而是暧昧艳丽的肉粉红色枕头，其上饰有彩色圆形图案，象征交合圆满——浅粉色象征纯真少女，肉红色便是肉欲的象征。“莉莉”的面目始终埋在妮娜双腿之间，惟有一种“破茧”的撕裂声传来。当妮娜从高潮中醒来，她发现“莉莉”的面孔，是自己。
这是第一次她在莉莉身上看到自己。
当妮娜在最后一天排练结束后，发现托马斯与莉莉在晦暗的舞台角落中欢好，然而恍惚间，那张放荡快活的面孔却是自己的，而御于自己身上的人，却也不是托马斯而是剧中的黑魔王。与托马斯的欢好，当是妮娜心底盼望的，被黑魔王的蹂躏，则是她真实心灵现状的物化体现。值得注意的是：这一段的背景交响乐中混杂了一种奇怪的、禽类的“格格”叫声，这应当是妮娜心底“黑天鹅”急欲破体而出的声音。在妮娜受惊飞奔开去时，更有鸟类展翅扑棱的声音。
5、母亲：
永远一袭黑衣的母亲，有一张禁欲者的长面孔，苍老的手像鸟爪一样抓在女儿粉嫩的手臂上。她曾是该公司的舞者，仍有人脉，妮娜在公司的举动和表现，她都可掌握。
母亲的爱好是坐在自己的屋中画画，她描绘的是自己年轻时的样貌，以及妮娜的脸——画像上的女子颊上有一颗痣。
可以捉摸到她的过去：曾经辉煌，因沉湎情爱，生下私生女断送舞蹈生涯，因此她认为肉欲和性爱是毁灭性的，强迫女儿停留在十余岁的懵懂之中。对女儿怀有不正常的控制欲和爱。
（耶利内克的《钢琴教师》亦渲染此类畸形母女关系。）
6、妮娜与托马斯的三个段落：
A、在托马斯的门外等待他的妮娜，首次拆散了一丝不苟的发髻（发髻象征禁欲与严格自律），对唇上鲜红的胭脂膏子（唇膏来自贝丝）还不大习惯，不由自主地抬手去擦拭。此际她心中是矛盾的：为了得到梦寐以求，她不得不打算启用长久以来忽略的、性别的魅力，做最后一搏——她其实意识得到自己是美的，只是始终不屑于张扬和运用，这仍是某些中学女孩子在性别差异萌发时的心理：努力勒紧肿胀的胸部，为性征感到羞耻。
当她对着托马斯时，就像犯了错误的小孩子面对手拿她的糟糕成绩单的老师。随时准备哭出来的急促气息、这个时候的妮娜，甚至不是“女人”。她来争取角色，竟像请求老师给予补考机会，始终喃喃说道：“我能做到，我昨晚努力过了。”她仍不敢亮出自己最原始的武器。当托马斯夸奖她“美丽、优雅”的时候，妮娜脸上并未出现释然和些微欢喜，目光甚至更焦虑，慌乱地躲闪开去。
在他的逼迫下，妮娜第一次说出了“完美”这个词（舞者大多是完美主义者，扑朔迷离的“完美”，往往令他们陷入走火入魔的境地）。托马斯扳过她细巧的下巴，恶狠狠地吻着了她。若是旁的女人，恐怕立即香舌暗度、运津咀华，顺势往来一番，然而竟有妮娜这等不晓事的，咬了上司一口。可以说托马斯早就心有定案，要扶助妮娜成为白天鹅，一切波折只是故意锻造她的过程，或可说在妮娜的咬啮中，托马斯看到了她并不懦弱、甚至有些凶狠的一面，于是相信她仍是可造之材。
在某些时候，灰色托马斯的举动，会引人误解他是个想把妮娜潜规则的上司，其实他绝非心地龌龊，他看出这女孩有如浑金璞玉，希望通过爱欲的打磨，令她升华到更高境界。
所有艺术最高形式的魅力，其实都是模拟性快感。因此，不懂得爱与性爱的艺术家，永远无法到达最高境界。她们需要先捉摸、领略过那个园中果实的异香与甜美，才能在舞台上模拟一二，以此引领观者沉浸入相似的妙境。
B、从托马斯的办公室出来后，妮娜盘坐在墙角（她总是独个儿坐在墙角，是胆怯小女孩的表现），狠狠地将散发再次绑起，这意味着她后悔方才的“放荡”，要迅速回到令自己感到安全的、清心寡欲的壳子去。
（在影片45分钟时，妮娜第一次在练习舞蹈时拆散了发髻，旋转时，长发在空中飘散出曼妙曲线，喻意她内心的“黑天鹅”的风情初露。）
C、托马斯的理解是：舞者要散发出性的魅惑，要让观众爱上你。
他亲自与妮娜共舞，用手掌娴熟地抹过女子的敏感处所，成功地唤起妮娜的迷狂。背景弦乐逐渐加强，危险而充满诱惑，黝暗的练功房恍如亚当夏娃的园子，托马斯反复说“open your mouth”，妮娜逐渐情动，扬起手反抚住托马斯的头颈，与他唇舌交缠。这是她的性意识被彻底唤醒的关键时刻。
（这男人如此用心良苦。在妮娜赢得山呼海啸般的掌声后，他轻声说：“你听到了吗？他们爱你。”）
D、首演前夜，妮娜在楼梯上向托马斯哭诉。他仰头看着她，看着她那张凄楚小面孔上的珠泪盈盈——是他把她托举到了高处不胜寒的地方。
7、地铁
地铁是个奇妙之处。嘈杂昏暗、狭小拥挤的空间，不得不亲密贴紧的无数陌生人，黑暗中映出人影的玻璃门窗，凄厉的呼啸风声，车厢像是一个盛满梦魇的巨大铁盒。
妮娜第一次涂口红，便是在地铁玻璃窗的映像中。
托马斯曾问妮娜的男伴舞：“你想与她欢好么？”——此时妮娜全无性方面的吸引力。当妮娜的性意识觉醒后，地铁中一个老者对着她大做猥琐动作，值得注意的是，而空荡荡的车厢中有许多空位——地铁的场景出现过很多次，惟有此次车厢几乎是空的，导演在暗示妮娜可以更换座位，但她既未没露出异样神情，也未更换座位，只是平静地转开脸去——她其实并不厌恶，甚至暗暗喜悦自己具备了这样的原始吸引力。
8、雕塑：
宴会结束后，妮娜在大厅中等待托马斯，厅心有一尊奇异的雕像。当妮娜对牢雕像凝睇，音乐阴郁奏响，提醒观者注意。雕像有如梦魇中的妖魔，吸引满脸懵懂的少女一步步走近：五官模糊一片、涂成惨白的人脸，手臂断折不见，只有两只翅膀高扬，两腿紧并，身体以耶稣受难的姿势直立，下身有男子性征。
这个雕塑的意思：要想要翅膀，就要抛弃双臂，等待受难。
——下体的男子性征，喻意不明。或暗喻“合体”？
9、贝丝：
妮娜在被贝丝砸得乱七八糟的化妆间中，偷取了一只唇膏。这表示她其实暗暗期望像贝丝一样有魅惑人心的女性魔力；贝丝的小刀象征她的侵略性——那也是白天鹅潜意识中期望得到的。
她所担心的：贝丝的今日就是她的明日，失掉舞者的腿，失掉容貌。因此幻觉中看到贝丝/自己疯狂地将刀子向脸上插去。
10、前夜
在此引用茨威格一段话：
“她内在的激情还未苏醒，她真正的、深处的自我尚未成形，只有被狂热的激情激发之后，他才能真正蜕变，绽露出蜷缩的翅膀。就像选手在竭尽全力冲刺前所做的一次深呼吸，她的生命正在停滞的休眠期里积蓄着力量，犹如沉睡的火山，一旦喷发，将地动山摇。”（《苏格兰玫瑰-断头女王斯图亚特》）
首演前夜，妮娜感到的压力达到峰值，近乎崩溃，眼中的幻象也越来越血腥：她看望贝丝时看到疯狂毁掉容貌的自己（象征对年老色衰的恐惧）；画像变成蒙克的呐喊者（母亲的囚禁力几乎成了妖魔）；她的肩胛上抓伤的地方迸现黑色的羽毛（黑天鹅已经迫不及待要挣脱白天鹅的肉身。但此段太像《变蝇人》），她的眼睛变得血红（血的意象），双腿折断变成禽类的腿，用门掩伤母亲的手（手，又是手），最后昏晕过去。
在她从昏迷状态醒来之后，在镜头中始终没出现母亲的右手，令观者疑虑：是否昨夜的恐怖都是臆想？当妮娜为了抢回门闩，捏住母亲受伤的手，才明示昨夜的争执其实都发生过。
期望妮娜得到成就的母亲，为何一反常态，锁了门不许她去参加演出？——她嫉妒了。她永远不曾当上天鹅皇后，然而妮娜做到了。此时妮娜不再是她的“Sweet girl”，而是比她更成功的、映衬出她之失意寂寥的舞者。
11、黑天鹅之死
一切来到最后关头，反而变得简单多了。妮娜心事重重，从舞伴手中跌落——她所见的莉莉与男舞伴“密谋”暗害她，到底是真是幻？从后面情节来看应当是她臆想出来的。当妮娜回到化妆间，“黑天鹅”在等她。妮娜把她猛推到镜子上，镜面破碎，白天鹅用一块镜子的碎片杀死了“黑天鹅”。
镜子，是镜子。镜子不复存在，镜像亦香消玉殒。
这一段戏也颇为精妙：波曼把死去的黑天鹅拖入盥洗室，喘息未定，遍体战栗，但音乐渐强，令她逐渐安下心来（迷茫时她曾喃喃“My music”，舞者心中有对音乐的下意识依赖），双眸再次变为血红——黑天鹅未死，反之，它完全攫住了妮娜的灵与肉。
妮娜化身黑天鹅之后的一段舞蹈，音乐节奏急促，时时伴有翅膀扇动之声、喘息呢喃之声。后一种声音暗喻着欢好，而欢好之愉悦亦有人形容为“飞”，比如老三（《山楂树之恋》）。
可以看到身着黑衣的男舞伴将惊艳痴迷的目光投在她面上，应对了前面托马斯那一问（你愿意与她……吗？）。音乐暂停，妮娜回到幕后，表情仍像沉溺在欢好之后的余韵中。
最后一段独舞中，她（在臆想中）看到两臂滋生出天鹅的毛羽，在雪亮的灯光里，黑色羽翼应和着音乐疯长，旋转挥舞，越来越圆融，越来越忘我，越来越嚣狂，越来越恣肆，越来越美。最后那一势，巨大的天鹅影子与昂首的舞者交相辉映，心魅、灵魂、肉体、渴求、欲望，均在这一刻得到最自在无碍的完满。
这一舞完成后，黑天鹅隐去——标志是妮娜的一对瞳仁回复清澈——舞者在潮水般的喝彩中变回白天鹅。亦即黑天鹅只为这最华彩的段落而生，方才的独舞，便是“天鹅之死”。
但白天鹅亦不再是从前的白天鹅：妮娜在掌声中回到侧幕，激动快慰的托马斯正在众人中等待她，她欺上去狠狠吻住他，立在芭蕾舞者树起的足尖上，吻了他，挟着隐隐风声，像一次凶猛的袭击，像天鹅从云端俯冲而下，像他当初吻她一样霸道。然则，她仍被邪魅所魇？宛转柔媚的音乐浪涛一样澎湃而起：不。黑天鹅确已死去，不再复活；白天鹅摄取了黑天鹅的悍勇、情致与佻达，涅磐再生。
在那一吻结束后，素常镇定的托马斯也禁不住显出神魂颠倒的痴笑，目光微微无措羞赧却又自豪地四下一溜。此一幕，应对了他在练功房中说的：“下一次，你来诱惑我。”徒弟出师了，被迷醉难以自拔的换成了师父。他看妮娜的眼神，是在看自己打磨成功的一件完美的艺术品。
不过，悬念仍未解开：化妆间中还有一只死去的黑天鹅。妮娜用粉色的毛巾遮挡住门缝里渗出的血泊，却惊见莉莉推门道贺，悬念之弦被绷上了最紧的一扣——死去的到底是谁？镜子确实碎裂一地，但门下并没有血……弦乐始终阴森急促地迫在空气中，妮娜泫然呆怔，慢慢垂下头，从小腹一起一伏的伤口中拿出了折断的镜子碎片。真相大白。
这一段波曼的面部表情丰富刻骨，恍然、惶然、悲凄、绝望、悔疚、无措、忍痛、坚忍……层次感极强的表演毫不脱力地支撑起这个最高潮的情节。最后，她低泣着在镜前坐下，用粉扑抹去眼泪，肌肉受到被动拉扯，硬生生把戚容转换为微笑。黑天鹅已死在舞台上，白天鹅也要在舞台上死去。
而在最后一跃中，遍体雪白的妮娜终于带着黑天鹅的伤口，回归纯白世界（白色的海绵垫子）。
“完美。我得到了完美。”
在经历灵与肉的双重磨难之后，黑天鹅与白天鹅在纠缠中合为一体，创造出完美的境地，俱获安宁。
当然，为什么观众始终看不到血渍？为什么众人围上来时没有第一时间看到白裙上的鲜血？不必深究了。
12、青衣：
“青”有黑色的意思。《黑天鹅》的故事，很像毕飞宇的《青衣》。冰冷冷的筱燕秋（妮娜），青春洋溢的春来（莉莉），甚至最后一场演出的“迟到”桥段都如此相像。筱燕秋在雪地中的自舞，亦有血的伴随。
二、戏与人生
毫无疑问，《黑天鹅》是一部奥斯卡级别的影片。精细得无微不至的音效和微妙声音，简直像是无言的解说，令这部电影更加饱满，增添奇幻、妖异的魅力。画面多次着墨在妮娜的精致发髻、瘦削肩胛、天鹅一样优雅的修长脖颈，让人切实感到这就是职业芭蕾舞演员。妮娜时时迷惘、眉尖紧蹙、怯生生的表情，增一分嫌多，减一分嫌少。稍显美中不足的是，“黑天鹅”上身时，魔力欠缺少许，好在黑天鹅的惊悚妖艳妆面提供助力，双眼圆睁那一亮相，仍令人心头一凛。
骇人的是，她还这样年轻，小金人迟早是她的——不过，也许不是这次。
“女神的男人”文森特-卡索，乍看普通，多看几眼，便觉优雅迷人、透骨而来，暗叹莫妮卡挑枕边人的眼光着实了得。文森特的面目恰到好处地有点肉欲色彩，时有媚气一闪，符合他在女人堆厮混的身份；他特殊之处是双眼生得有些开（钱钟书云：会略害相思病），感觉像《潘神的迷宫》中的潘神——半羊半人的潘神，凑巧也是欲望的象征。
“莉莉”米拉-库妮丝，看过她的《忘掉莎拉-马歇尔》和《约会之夜》。她确实是能让人忘掉女主角的美人！黑天鹅的邪魅之美，算是选对了代言人——不过，映衬女主角一定要烟熏眼么？《穿Prada的恶魔》中，艾米莉-布朗特烟熏眼一次之后便星途坦荡，但愿米拉妞能为这条“烟熏眼定律”再做佐证。
薇诺娜的戏份不多，但相当出彩。其实若无当年一场偷盗波折，“白天鹅”这个角色由她担纲亦非不可能，然而心里的黑天鹅毁掉了她。白羽染皂，她再也飞不起来，如今只能看着年轻的波曼挟风直上，夷犹如意。戏中戏外之况味，不知何如？
舞蹈团中牙伶齿利、刻薄轻佻的维罗妮卡，肉脸厚唇，也让人印象深刻。一个女人的小团体中，是必定会有一个这般人物的。
更让人感慨的是：娜塔莉-波曼在拍摄中结识该片编舞、舞蹈家本杰明-皮勒米，相恋订婚，如今已宣布有孕。
难道波曼与本杰明真的像妮娜与托马斯一样，在耳鬓厮磨、肌体交缠的共舞时，情愫滋生？戏中妮娜因一部《天鹅湖》醒觉了性意识，戏外波曼因《黑天鹅》得到爱情婚姻和胎儿。戏如人生人生如戏，即此谓也。
② 网上《阿甘正传》观后感千篇一律，你有什么不同的观影感受
5、生活其实更像是一根甘蔗
电影好看，但那毕竟只是电影；鸡汤好喝，但那毕竟只是鸡汤。生活不是巧克力，哪有那么多各式各样入嘴即化的甜美？在本大象看来：生活更像是一根甘蔗，只有用力咀嚼，才能尝到冰冷与坚硬之下非常有限的甘甜。亲们，你觉得呢？——这些经典你都看了吗？百家号【大象看戏】约你一起来聊经典...
③ 高分悬赏 能帮找纯真年代的影评吗
Age of Innocence
(Period romantic drama -- Color)
By TODD MCCARTHYA Columbia release of a Cappa/De Fina proction. Proced by Barbara De Fina. Co-procer, Bruce S. Pustin. Directed by Martin Scorsese. Screenplay, Jay Cocks, Martin Scorsese, based on the novel by Edith Wharton.
Newland Archer - Daniel Day-Lewis
Ellen Olenska - Michelle Pfeiffer
May Welland - Winona Ryder
Mrs. Mingott - Miriam Margolyes
Larry Lefferts - Richard E. Grant
Sillerton Jackson - Alec McCowen
Mrs. Welland - Geraldine Chaplin
Regina Beaufort - Mary Beth Hurt
Julius Beaufort - Stuart Wilson
Mrs. Archer - Sian Phillips
Mr. van der Luyden - Michael Gough
Mrs. van der Luyden - Alexis Smith
Letterblair - Norman Lloyd
Monsieur Riviere - Jonathan Pryce
Janie Archer - Carolyn Farina
Ted Archer - Robert Sean Leonard
Narrator - Joanne Woodward
An extraordinarily sumptuous piece of filmmaking, "The Age of Innocence" represents an impeccably faithful adaptation of Edith Wharton's classic novel, which is both a blessing and a bit of a curse. Director Martin Scorsese has met most of the challenges inherent in tackling such a formidable period piece, but the material remains cloaked by the very propriety, stiff manners and emotional starchiness the picture delineates in such copious detail. Despite all the talent involved, this portrait of an impossible romance set in the upper reaches of New York society in the 1870s has a finite audience, more or less defined by the $ 25 million to $ 30 million grosses achieved by such tony releases as "Howards End" and "Dangerous Liaisons."
Even if it does that well, this prestige entry, with its reported $ 40 million-plus price tag, will be a long way from break-even. Film premieres tonight at the Venice Film Festival.
For sophisticated viewers with a taste for literary adaptations and visits to the past, there is a great deal here to savor. The sets, costumes, cinematography, music and attention to the mores and customs of the time are almost unimaginably luxurious and evocative, giving evidence of tremendous research and a feel of extreme authenticity. The screenplay adaptation is intelligent and economical, and the casting and acting, from the leads to the smallest roles, are as fine as one could want.
But it is difficult to picture general audiences warming up to these representatives of the old ruling class, whose constricted emotional lives Wharton brilliantly illustrated in her 1921 Pulitzer Prize-winning novel.
Present rendition (Irene Dunne and John Boles starred in a forgotten 1934 RKO version) begins with a lovely floral and lace title sequence by Elaine and Saul Bass, then plunges the viewer into the hotbed of high society -- the opera, where the real action is in the boxes, not onstage. The focus of most lorgnettes this evening is Ellen Olenska (Michelle Pfeiffer), a beautiful American recently returned from Europe after leaving her aristocratic husband.
Ellen is a cousin of lovely young May Welland (Winona Ryder), who is just now announcing her engagement to socially prominent lawyer Newland Archer (Daniel Day-Lewis). Although related to a distinguished family, Ellen is much whispered about e to the free-thinking ideas she appears to have acquired in Europe, and because she is rumored to have lived with her male secretary.
In this world of formal balls, dinners and other ritualized social engagements, propriety is all, and Countess Olenska doesn't conform to the letter of New York's standards. But Newland, who at moments dares to express unorthodox ideas about acceptable behavior for women, defends her and, with the help of his mother, orchestrates her acceptance into society.
But just as he is urging May to move up their wedding date, Newland becomes entranced by the bewitching Ellen, who is so tantalizingly different from everyone else in his sphere. With the excuse of advising her legally on her impending divorce, he is able to call on her frequently, and when he finally reveals his feelings, it's almost too much for both of them.
The real subject of the film is Newland's adhering to his prescribed role rather than following his heart, and while this is apparent, the emotion is, crucially, not deeply felt or conveyed despite the couple's furtive meetings in the film's second half. The obsessive central love story here is repressed on all levels, which serves to parch the film more than intensify it. Nor does a rather flat coda, set in Paris years later, deliver the intended poignance.
The picture's other subject is the re-creation of an era, and in this the film is almost overwhelmingly successful. The repeated close-ups of 1870s place settings, food preparation, cigar trimmers, fabrics, clothes, paintings and decor, to the accompaniment of appropriate music, bespeaks an immersion in time and place that some may feel goes beyond the necessary to the fanatical (but which actually constitutes a pleasure in its own right).
In both their exquisite appearance and sheer quantity, Dante Ferretti's proction design and Gabriella Pescucci's costume design are practically beyond compare, and Michael Ballhaus surpasses himself with his resplendent widescreen cinematography.
In his attempt to define an era through a thwarted romance set among the trappings of the very rich, Scorsese conjures up the cinematic worlds of Max Ophuls, notably "Madame de ... ," and Luchino Visconti, particularly "Senso" and "The Leopard." For a director previously associated mostly with the violence of the lower classes of New York, it's a notable attempt to stretch, and admirable in many ways.
Day-Lewis cuts an impressive figure as Newland, and it may be that he is playing something of a thankless part: a character who invariably makes decisions that disappoint.
The two principal female roles are superbly filled. For any actress to make the transition from Cat Woman to Ellen Olenska would be impressive, and that Pfeiffer succeeds here as she did in her last film is the most conclusive proof yet of her widening talents. Ryder is also perfect as the child-woman with a more tenacious instinct than her retiring manner would indicate.
A great roster of superior actors fills out the supporting roles, and seeing the likes of Alec McCowen, Sian Phillips, Richard E. Grant, Miriam Margolyes, Geraldine Chaplin, Mary Beth Hurt, Norman Lloyd, Michael Gough, Jonathan Pryce and, in her last role, the late Alexis Smith pop up throughout reps a connoisseur's delight.
Scorsese brings great energy to what could have been a very static story, although his style is more restrained and less elaborate than usual. Script by the director and former film critic Jay Cocks judiciously trims the story down to manageable length while retaining its essential elements.
Elmer Bernstein's score is full-bodied and richly romantic, Thelma Schoonmaker's editing is very finely tuned and the scene transitions are notably varied. This is no doubt one of the few films ever to credit a table decoration consultant, etiquette consultant and chef for 19th-century meals, and these credits are very well earned.
建议你到学校外上网，肯定可以上国际网。你可以去www.imdb.com查这部片子，然后通过external reviews就可以看到不少评论，有些应该还比较有用，比如roger ebert的影评。另外，北师大的田卉群老师出过一套什么教程，反正就是影片分析的，一共两本，讲外国电影的那本里面我记得的有《纯真年代》的分析，也可以找来看看，既然你是学这方面的，我想图书馆肯定少不了这些书。
④ 急需！！！《纵横四海》和《赌神》的影评！！！
《赌神》
从《赌神》开始，港片开始真正将“赌”做神化处理。嗜赌如命的赌徒被塑造成正面形象，可耻的作弊出千到了他们手中变成巧妙优雅的眩人绝技，周润发扮演的赌神形象，极具王者至尊风范，放眼华语影坛绝对不做第二人想，而在本片中，周润发的喜剧表演亦是一大亮点，失忆后犹如小孩般的童真呆趣与赌神的王者之气截然相反，却又相得益彰，实在妙不可言。
由周星星释演赌圣开始，“赌神”系列脱离了剧情片的巢臼，变成完全另类的电影，无厘头喜剧天王周星驰的个性表演使“赌神”系列多出一道分水岭，毕竟，星爷和发哥是截然不同的两种路数，凡有星仔的戏，必定精彩搞笔，另具一格，令观众看得眉飞色舞。
赌神取得票房佳绩后,王晶又旋即播出《赌侠》系列，主角除了继承“赌神（周润发）”，搞笑的“赌圣（周星驰）”外，又加入刘德华的“赌侠”角色，影片最后的赌桌大战亦是特蒸发量异功能大显神威，一个是精彩搞笑，一个是帅气正牌，可谓赌坛至尊双雄。
到了2000年之后，当赌片的发展经过三个辉煌的阶段后，也出现了题材匮乏的问题，该演的都演了，这类影片的各种高度也都达到了，再拍还能拍什么呢？最重要的是主题已经没有了，神、圣、侠都有了，难道要演鬼不成？但是赌鬼很难听，也不会有太大的吸引力，所以我们看到后来的赌片基本上属于“乱赌”，没有什么大家风范的主角，而是各种小角色百家争鸣、群魔乱舞。比如《中华赌侠》、《雀圣》之类。
《纵横四海》
又见哥哥那迷人的笑容，又见发哥那邪气的嘴角。再次看《纵横四海》，突然不知道为什么会重新看这部片子，或许是想看哥哥和发哥年轻时的神态。
故事是如此的简单流畅，三个贼一起闯天下。两个帅哥加上钟楚红这个美女，三人之间的感情也如此的清晰明了，动作则是一贯的吴式风格。
重新看这部片子，我只记住了那段话。当哥哥告诉发哥钟楚红喜欢发哥的时候，发哥回答到：“你们都知道我的性格，我喜欢西逛逛，东逛逛，我喜欢流浪，其实爱一个人并不是要跟她一辈子的，我喜欢花，难道我摘下来你让我闻闻，我喜欢风，难道你让风停下来，我喜欢云，难道你就让云罩着我，我喜欢海，难道我去跳海……”
当听到这句话，我被感动了。我曾经以为爱就是占有，但是现在越来越明白，爱并是占有对方，而是让对方快乐。
有的东西不属于你，即使你再努力也没有结果，最好的方法就是放弃。放弃并不是怯弱，放弃也是一种智慧。生活中有太多的背负，我们有时候太累，就是不知道如何放弃。
爱一个人，就是给她自由。当你真正爱上一个人，但是她却不属于你，你是否还是如此的执着？不妨学学发哥，爱一个人并不是要跟她一辈子。当在千里之外，能体会到她的幸福，那就足够！
发哥对于爱情是一种高境界的领悟，可惜并不是所有的人都能体会。而正因为我们太在意一些事情的结局，而错过了事情的过程。
生活并不象电影那样总有个美好的结局。当你真心爱一个人，当无法在一起，不如学着释然。
⑤ 拯救大兵瑞恩 影评
拯救大兵瑞恩 影评 （有点长）
《拯救大兵瑞恩》之结构•人物•艺术特色浅谈《拯救大兵瑞恩》是一部描写二战时期的影片，讲述了盟军一只八人小分队潜入德军后方，历尽千辛万苦，终于成功找到并带回一位名叫瑞恩士兵，把他送还给他那已失去四个儿子中三个的母亲的故事。 比照以往，战争题材的影片往往节奏紧凑，而这部影片却是个例外，挥毫泼墨用了整整40分钟描写诺曼底登陆的血腥场面，以至许多观众都因受不了这样的视觉刺激而提前退场。作为一个“极热”的热开场，导演无疑为屏幕前的观众们制造了与电影内容极为相符的情境，战争是惨烈而血腥的，人在彼时显得如此脆弱，枪林弹雨穿透头盔、撕裂身体；士兵在滩头上寻找自己的残肢断臂；一声炸响过后，米勒拖着的伤员只剩半截……战争场面的还原达到罕见的真实。而气氛烘托浓烈之余，导演也精明地埋了铺垫，即为日后把人小分队深入德军的巨大危险性作了全面预告，先让观众在自己心里有了对比，当然也就更迫切地想知道艰巨的任务如何完成。情境这座平台的成功设置，开拓了日后情节冲突发展的空间。四十分钟漫长视听刺激过后，本片节奏的功力开始凸现：导演仅用了五分钟的胶片，八人小分队就已走在了寻找大兵瑞恩的路上，情节交待简洁明了。一行人行军的过程可算开端单元的句号，到此为止，每个成员的性格都已有所体现，小翻译厄本跑前跑后问这问那既松弛了气氛，又为下文揭开“米勒战前的职业”打下伏笔。全片也进入带入过程。带入单元的第一个小高潮发生在第56分钟，列兵卡帕佐被狙击手击中，不幸牺牲；第二个高潮仅在两分钟后的58分，双方无意间产生对峙，最后以敌方被击毙告终。两个高潮连接得如此紧密，仿佛预示着本该得到休息的精神并不可放松，置身战争，理当如此，但一味强调警惕、危险不但不符合观众的审美需求，也难免把自己的门槛垫高，于是新因素介入——第一个瑞恩带着搞笑的蠢气上场，一点失望过后，留给观众更多的是希望。第三个高潮来临，以数铭牌为过渡，小分队的又一名成员——军医迪克•魏德死在攻击伞兵的堡垒前；紧接着厄本放走德国人引发了第四个动作性不强，却更为重要的高潮：列兵鲁宾扬言离开，军士豪沃兹举枪阻拦。这个高潮的人物关系开始发生变化，不单单是小分队里的上下级，还有队员之间的分歧，以及最终极的矛盾——此次行动到底值不值得的点题，导演代米勒作了最机智的回答。这个高潮也可以看作发展部的内容。真正的瑞恩出现，是在影片过半，可见导演的目的很明确——救谁并不要紧，重要的是救人这项行动。个人认为接下来守桥战斗的开始就已是高潮的部分了，发展部只有十几分钟，完成一个任务的转移——救瑞恩到守桥。有趣的是，守桥阶段的战斗与开头诺曼底登陆的长度相仿，都是四十分钟左右，可见本片叙述的轻重缓急，导演拿捏的大胆而准确。作为高潮，这部分本该是情感最强烈、最紧张的时刻，主人公命运的高潮，主题的高潮，性格的高潮，但又由于战争题材的缘故而变为视听等感官刺激的高潮，所以可以说这部影片的视觉高潮和主题高潮在时间上是相一致的，便于观众体悟电影的主题。高潮与结局连接紧密，而实际高潮的结束也就意味着表达的完结，最后老瑞恩在陵园的一场戏更多是为结构的完整性服务，而非情节上的必然连贯。继结构合理之外，影片的人物塑造亦非常成功。八人小分队，人皆迥异。军士豪沃斯是米勒上尉的忠实下属；下士厄本是连短兵相接时都会用敌国语言喊“放下枪” 的小翻译；军医迪克•魏德事业心强烈，常为自己无法担负与身份相符的职责而自责；其他四人都是列兵，鲁宾对米勒上尉来说不是省油的灯，这个机智刻薄的纽约客毫不掩饰对此项行动的愤慨和质疑；卡帕佐是个心地善良的澳大利亚人；利施很有正义感，他为纳粹对犹太人的所作所为义愤填膺；狙击手杰克逊长着一幅桀骜不驯的面孔，却是个虔诚的教徒，把每一个狙击对象当作上帝赐予他的礼物。 而我想详谈的是主人公米勒上尉，和他所拯救的大兵——瑞恩。 米勒。米勒是个英雄，却不是唯一的英雄。如果当面跟他这么说，他一定会笑着让言者滚蛋。毕竟，“英雄”这个词只对活着的人有意义，只对在乎他的人有意义。颤抖的右手、倒下的战友、失聪、指挥战斗、抢滩成功，与其说这是性格的铺开，毋宁说是对米勒能力的首肯。可以说到军医死前，他都可被任意一部战争片中的长官所代替。服从命令，宽容下级，所有的抱怨照单全收，所有的任务漂亮完成。可以说导演塑造了一个真正立体的分队长，他不是靠等级威信、军人责任感支在下属面前的，他想妻子、想回家，他会把袒露内心最柔软的部分，当作作为一个完整的人，羞于与人分享却又自豪而甜美的经历。当然，他决不会忘记身为军人的职责，和那个待他拯救的孩子的幸福。这部影片的美国色彩浓郁，家庭对美国人来说，几乎等同于信仰，我想米勒在执行任务的同时，一定也无数次在心里抱怨再自我安慰，或许每次说服自己的，除了“救了瑞恩，就离家近了一步”之外，还有“救瑞恩的家，也是救我自己”吧。军医下葬时，那个男人独自一人的哭泣突然很动人。 瑞恩。大兵瑞恩并不是一个十分重要的角色，即便处于事件的核心，他的重要性也早被这次行动本身的意义所掩盖。但是，略去拯救对象的额外身份，他，又是观众了解美国最普通士兵的途径。瑞恩就像一扇窗，透过他，不难看到那些平凡的美国年轻人在没有被社会赋予特殊关照时应有的战争经历，那些跟瑞恩一道守桥的战士们，甚至包括去拯救瑞恩的小分队。被拯救，这是外界不为他所掌控的因素赋予他的义务，与他无关，因而影片的视角扩大了，在守桥之役前瑞恩根米勒讲述自己兄弟的趣事一场戏，导演并非在试图说服观众，力证这次行动是在拯救一个多么值得怜悯的家庭，而是通过瑞恩的嘴，说出每一个美国士兵的故事——战前，谁都有美好的生活，每个人都有他们被子弹击中时要为之感伤和不舍的东西，那究竟是什么？可能在美国，那是家庭的回忆，在别的地方又是别的什么，总之是一些值得珍藏和怀恋的，却又远离的东西。战争的作用在这里仅仅是毁灭所能毁灭一切，战斗者们便是要夺回他们能夺回的部分。瑞恩的性格体现相对于其他人来说，更为类型化，同样更具有现实意义。 就艺术特色而言，这部影片的镜头运用很见功底，导演的意图在镜头中往往表现得十分明确，并有出色的感染力和表达能力。在影片的前40分钟里，与其他人也一样，小分队队员抢滩时平行蒙太奇利落的切来切去要传达给观众的不只是“脸熟”（对第二次看片的人是），更多的是战争的高强度视听施压，导演在这里要表现的是人类成片死去的过程，还有一些未死之人争取活下来的过程，在这里没有英雄没有猛将，所有人的生命都微若草芥，随时可能化为冰冷的统计数字中的一个，没人相信“理智”，正如没人会有意识的试着躲一颗子弹。又如卡巴佐牺牲的一场戏，镜头大部分时间对着敌方的高楼上的狙击手，主观镜头与脸部特写频繁切换，显示出人物内心的犹豫不决，琢磨不定，而当镜头里的准星终于辨认出狙击手杰克逊的影子，却也是自己命丧黄泉之时。一个反视角的运用告诉我们，在战场上一对一的决斗中根本没有正义和非正义的言论必要，因为那时除了生，就是死。镜头的内容完全与所要表达的主旨一致，厄本最后开枪打死他曾放走的德国人时，摄影师并没拍尸体，可见死的是谁并不重要，重要强调的是，他终于敢杀一个该死的人了。影片结尾米勒死去，贺信的声音作为画外音响起，那是美国政府在宣读给瑞恩母亲的贺信，硝烟尚未散去的战场上，空镜头缓缓移动，杰克逊炸黑了的高塔，战坑，破碎的桥面和尸体，每个行动着的人的表情都沉静而安详，他们还活着，他们在聆听，那些军方赞美瑞恩的语言那么美，那同样是赞扬所有军士的语言，所有活着的人包括厄本，和那些死去的，更加无畏的人们。 战争与生命一旦被放在同一架天平的两侧，那么就注定了“毁灭”二字的分量沉重。真正的战争片从不避讳人类为自己留下的创伤，而在战争阴霾的背后，同样折射出人性灿烂的光芒。
《拯救大兵瑞恩》影评~！
一、 结构分析（系表）
开端部
1、 开场 老瑞恩带着一家人来到米勒上校的坟前
2、 俄马哈抢滩成功
发展部
总部收到瑞恩家三兄弟牺牲的消息，上校决定拯救瑞恩家的小儿子——詹姆斯·瑞恩；
米勒一行人雨中协助同盟破敌，卡帕佐死；
错认他人为詹姆斯·瑞恩
在途中休息两小时，米勒和手下暗夜聊天
第二天继续前行，得知瑞恩在兰姆勒；
又一次小规模战斗，魏德死；
放掉德国俘虏；
找到大兵瑞恩，米勒告诉他来意。
高潮部
米勒一行人决定不走，帮助瑞恩保住桥，等待救援。
整个战役
结尾部
米勒死，临死叮咛瑞恩要好好活下去。
尾声
老瑞恩在米勒坟前对他诉说自己的生活。
二、 人物分析
瑞恩——瑞恩并不是一个功能性人物，但是他却是一种象征。是胜利的象征，他对于米勒一行人意味着任务的终结，对美国意味着国家人性化、人权化、民主化的象征。他从简单的符号人物，变成了一个具有深远意义且空泛的标志。但剧本赋予他的却很少，他只是一个二等兵、没有比别人更多的勇气、战绩和故事，是一个普通的，年少轻狂，拥有拳拳报国心的男子。这就更引发人们对这次任务的思考，思考它是否值得，是否劳师动众、是否像剧中米勒一行人所议论的：只是因为他有三个同样骁勇，战死沙场的兄弟吗？只是因为怕他的妈妈伤心吗？试问：谁没有父母？谁的死对于家人又是一件好事呢？凭什么他能享受到这样的幸运待遇？凭什么要为他去浪费那些珍贵的军用物资呢？难道只是为了美国的那些小小的虚荣心？为了高呼民主，人权吗？米勒说过：“为了一项任务，死掉两三个人是值得的，但是可以换取二十、三十、甚至成百上千人的姓名。这样死是值得的。”但是为了区区一个二等兵瑞恩，却死了三条人命，这看起来并不值得。但是幸好我们的瑞恩是个视死如归的硬汉，试想：如果他只是个软弱怕死的孬种，这次任务还是否具备他的意义？还是否能达到预期的效果呢？瑞恩只是美国人概念中的士兵群像，是他们憧憬的士兵的形象，是他们心目中的英雄，至少值得用生命去换取的人，是一个理想化的士兵。是弘扬英雄主义的一个最好的典范。他的形象不见的高大，但是平凡中却显出不平凡，并不需要多少另类，也足以讴歌美国兵士对国家的忠诚、对信仰的致死不逾。另外：瑞恩有一个完美的家庭，儿孙成群，看上去他真地按照米勒说的那样，“好好地活下去”，但是他的家庭美满与坟冢排列整齐的白色墓碑相比是最大的反差；以至于在影片的结尾，瑞恩不禁问自己的太太：“我是不是一个好人？” 这是发自本源的一种疑问？他确实使得很多人为他而死，虽然他是无辜的，他是不知情的，但是在无形中，他背上了一个包袱，三条人命的包袱，这是国家赋予它的，是生活赋予它的。他必须被动接受，比起那些死去的人，瑞恩活得艰难许多，他虽然活着，但是永远不能放下包袱轻松的活着，他的生命不掌握在自己手里，他是为国家、为责任、为了三条人命活着，甚至为了米勒临死的那句话活着；战争中，他的生命掌握在敌人的枪林弹雨中，听天由命；战争结束了，他的生命掌握在强烈的责任感里，身不由己。瑞恩没有自由，他不能掌握自己的生死，这是他极度可悲的一面。战争泯灭人性，只要踏在战争边沿，或者涉足其中的人，从那天起，生死就永远不属于自己，就永远要背负着包袱沉重地走下去。这是战争带给人们最深刻最可怕的痛楚。
厄本——厄本在多数人眼中是个孬种的形象，在他的反衬下，米勒一行的其他人显得如此的高大伟岸；但是厄本只是个小小的翻译官，从来没有参加过战斗，在他眼里，面对敌人，他并不确切知道什么是仇恨，并不知道应该冲上去将他的头颅打爆。他只是一个大多数百姓的象征，他只是个平凡普通的人。他表现出的躲闪，懦弱、不敢面对死亡、不敢冲出重围挽救同盟…… 这一切都是人之常情，是一个普通人面对战争的态度。在普通人眼里，面对战场上的血腥，躲闪逃跑是第一个念头，手无缚鸡之力的人，怎么可能神话般地冲上去将敌军的头颅打爆呢？这里片子想告诉我们，不是谁拿起枪都能独当一面，不是谁面对敌人就能英勇在前，这并不是每个人都能做到的削土豆皮那样简单的事情。战士都是英雄，他们都是超人，从肢体的力量，到心理的承受力，方方面面都不是一般人能及的。也从一个侧面告诉观众，应该给予他们更多的关注，面对那些逃跑怯懦的士兵，也应该给予一些理解，毕竟在死亡面前，真正能够做到视死如归的人实在是微乎其微。但厄本也有另一面，他在最后枪杀了害死梅利西的德国士兵，在最后一个镜头里，他手握长枪，从硝烟中走来。这个形象简直就是在讴歌他就是英雄，他才是最后的胜利者，他没有死，没有伤亡，他还替同伴报了仇，他才是值得歌颂的人，他才是最伟大的人。我想，这也是对高级官员的一种讽刺。毕竟他们才是最终活下来授勋的人，他们肩膀上的每一颗星都是用无数的战士鲜血换来的，他们在享受美馔佳肴的时候，因为他而死去的战士却在地下呜音哭泣，这是一个小小的讽刺，对高层，对那些腆着硕大啤酒肚，晃悠着一身肥油，享受着和平带个他们的高薪、厚禄、美女、香车的日子，但是谁有知道在杀场上，他们是否在敌人面前哭泣，是否高歌自己的国家总统该死，在敌人面前投降，给敌军舔屁股呢？
米勒——无疑，他是一个英雄。在美国人眼里，英雄的种类很多，只要是涉及“拯救”的，都是英雄。他们不一定十分高大，不一定作出很多丰功伟绩，但是起码要独挡一方，起码要聪明睿智。但是伴随着英雄的往往是灾难，没有灾难哪儿会有英雄呢？这就好比哪里有反抗，哪里就往往有压迫。米勒是英雄，但是英雄却死了。却带领着同伴兄弟去送死，难道英雄连保护自己的能力都没有吗？这未必要求太高，毕竟英雄不是超人，英雄也是有血有肉有心有肺的真人，他们也会有喜怒哀乐，也会有七情六欲，不是神仙。米勒颤抖的手告诉我们，他和普通人一样，也会受到疾病的困扰，也会痛；在兄弟死去之后，他躲在废墟上偷偷地哭，泣不成声，这也告诉我们，米勒是个有感情的人。这些细节无疑让英雄这个钢铁之躯更加贴近平凡的人。英雄并不是高处不胜寒的稀罕物件；同伴问起他为什么要这么拼命的时候，他不是说：“我是为了国家”“为了家园”或者什么其它的让地球人听着都觉得虚假的理由。他为的是早一天见到自己的妻子，和她团圆，“每杀一个人，这就意味着离家又远了”仔细想来，确实如此，敌人永远不可能完全歼灭，只能是越杀越多，无穷无尽。在米勒眼里战争并不像一场瘟疫，人慢慢一点一点死去，等到最后一个人死掉，战争就结束了；在他眼里战争是一场大火，越是煽动就越厉害，越蔓延，不断死去的人，总会引发更多的战争，引发更多的人死去。这又告诉我们，英雄并不是好战者，发动战争的都不是真正的英雄。英雄应该学会怎么样去平息战争，不让更多的人死去。从概念化的英雄，到了有血有肉有情有感的具体的英雄，影片无疑将米勒的多面性展现在我们的面前。但是这里也有不少概念化的成分，比如：“不救儿童”无疑，这是英雄米勒冷酷理智的一面，他经验丰富知道这样做的后果，这和后面的为朋友哭泣是一种对比，但是却显得非常刻意。
魏德——在魏德身上充满了人文关怀。他是一个战地医生，既是战士又是医生，他可以在医疗条件极其恶劣的情况下为病人缝合，竭力挽救他们的生命。他对生命的态度和米勒一行的其他人都不相同。在开端部里，他的出场是在帮一名士兵止血，但是一枚飞弹袭来，士兵当场死亡。“为什么不给我个机会救他”飞弹就在他身边滑过，在那一瞬间，他表现出来的是一种不同常人的生气，一种愤恨，这不能仅仅概念化地说成是医生的一种天职，但是影片却让观众感觉到了这种刻意。在卡帕佐中抢躺在雨中的时候，他不顾生命危险要冲上去，只是为了看清卡上在哪儿？这种行为，无疑是英雄主义的，无疑是夸大的，是脱离现实的，有些符号化；但是另一方面，在暗夜中，他替卡帕佐抄写信件、讲述自己儿童时代和母亲的情感经历，却又觉得这个人物并不是高不可攀，也有自己的具体情感，不十分概念化。但情感上过于片面，对职业的热爱，对朋友的关怀。甚至到最后，他看到伙伴们当着伞兵的面玩弄识别牌，过去组织的时候，也只是让观众觉得，他是个很善解人意，极度善良的人，但正是这个有些符号化，有些理想化的人物，在他死时，却感动得我落泪了。他的死真正让我觉得生命的淡薄和脆弱，身为医生的人却不能挽救自己的生命，眼睁睁地看着自己去死，完全无能为力。死的时候他一个劲儿地喊着“妈妈，妈妈”。那是一种最本源的做法，是一种本能的表现。这样的情感冲击，又让人觉得他并不十分符号化，片子将魏德善解人意，善良淳厚的一面渲染到了及至，并且加以美化，使他变成了一个塑像人物。但却能让人感动，让人觉得完美却真实可信。
梅利西——相比魏德，犹太人梅利西也是如此。片子着重渲染，他作为一个犹太人对德国法西斯的愤恨。在坑道里，他拿着德国阵亡士兵的刀说：“它曾经是希特勒青年团的小刀，现在是犹太面包刀”。说完这话，就坐在哪儿哽咽起来。这也不觉刻意，苦难深重的犹太人，手握着敌人的刀，作为一个战利品，成就感马上引起了一种悲痛的感觉，不用更多的语言交待，就能深深体会他曾经受的苦，和一种民族责任心。在德国俘虏队伍旁，他拿着自己的识别牌，炫耀着：“我是犹太人，我是犹太人！”那是一种骄傲，一种挑衅。实际上也是可悲的，可怜的。德国人并不能听懂他的语言，他这样做只是得到自己的一种宽慰，死去的犹太人不可能复活，他的伤痛也永远在心中烙下痕迹。这更增添了无数的辛酸和无奈。也告诉人们战争的极度残酷。
三、 中心思想
（一） 米勒的七次手抖
第一次：米勒的出场就是从他的手开始，一双颤抖的手，握着水壶；
第二次：俄马哈抢滩成功后，手颤抖着拿水壶；
第三次：暗夜中两小时的等待，手颤抖着拿水杯；
第四次：暗夜中两小时的等待，谈到卡帕佐，手颤抖。
第五次：得知瑞恩在兰姆勒，手颤抖着拿指南针；
第六次：魏德死后，米勒躲在岩石后哭泣，手颤抖着拿着卡帕佐的信。
第七次：等待敌军坦克车，和瑞恩谈天前，手颤抖谎称在为音乐打拍子。
米勒的颤抖表现的是对战争的态度，是一种精神的紧张，也同样是一种情绪的宣泄。他害怕、痛苦、紧张的时候手都会颤抖。影片借助米勒手的颤抖表现他情绪的变化，但是在外部看来，他面对一切的一切都那么泰然自若，甚至连他的身世都是个谜。但实际上，他只是个平凡得不能在平凡的高中老师，和普通人一样，也希望早日能看到自己的妻子，能和她团聚。并不是像他表现出来的那样冷静和理智。面对死亡他有自己的看法，他是一个队伍的首领，有着比别人更多的对死亡的冷静。他变得冷漠，是战争改变了他。
（二） 米勒的无声世界
片中，米勒常会进入无声的世界。炸弹在他身后爆炸的时候，耳朵会有短暂的失聪现象。在开端部里——
第一次无声的世界：米勒从海滩的血泊中爬出，炸弹在他身后爆炸。他进入了无声的世界，他眼前呈现出——
1、 一名瘫软哭泣的士兵；
2、 三个被弹药引着的士兵；
3、 断了一只臂膀的士兵，在尸体中寻找被炸断的手臂，用另一只手捡出那只手臂；
4、 几个燃烧着的士兵，在海滩上奔跑逃命；
5、 一个对他大声喊叫的士兵。
第二次无声的世界：米勒拖着负伤布格，炸弹在他身后引爆，他又一次进入无声的世界，恢复听力之后，再一次托起布格，他已经只剩下上半身了。
在结尾部——
第三次无声的世界：桥头，炸弹在米勒身后引爆，这一次他长时间进入了无声世界，看到了瑞恩的哭泣，看到了兵士的大声喊叫，看到了霍威的死，看到了近旁的手枪。
在开端部，这种手法很像《黑镜头》里面呈现的——平面的、瞬间的切割了战争。第一次无声世界，哭泣的士兵——这象征着一种对战争的恐惧，枪林弹雨中，不能自控地坐在地上哭泣，不知所措；断了手臂的士兵，用另一只手在尸体中寻找失去的手臂。提起它像提着自己的背包一样，那并不像是自己肢体的一部分，而单纯是个物件。战争带给人们的远远超过肢体上的痛楚，这完全是一种本能的表现，他脱离了理智，比起沉重的精神枷锁，肢体的疼痛只是微不足道的小事。
米勒死前无声的世界中，看到了瑞恩的哭和同伴的死，但是更多的是看到了身边的枪。他只是本能地去拾起那把枪，在他完全丧失了行为能力的时候——没有多余力量去思考、去分析，这种行为也是出于一种本能。他站起来去拿枪，中弹后，瘫在地上，还不停地瞄准正驶向他的坦克车，战争把人性都改变了，攻击敌人变成了一种本能。
（三） 死在米勒身边的七个人
在开端部
1、 头盔胸部中弹的战士
2、 104医队战士，胃部被打穿，内脏在体外；
3、 被炸掉下半身的布格
4、 坑道里身边的通讯员；
5、 坑道里脑部中两枪的战士。
这中惨烈的场面在米勒看来司空见惯，他的士兵就在自己身边死去，横尸遍野、血流成河，内脏横在尸体旁边、子弹打穿头颅，他依然往前冲，并不伤心，留恋或者惧怕。这除了表现战争的残酷外，还从一个侧面表现了米勒那“94”个兵士的死，带给他的是一种对生命透彻的看法，变成了视死如归。他曾对厄本说：“我怕我活不到堵住累计到一千，还是五百吧。”对生命，他知道他随时可能死去，所以当他死的时候才显得那是意料之中，没有多余的痛苦，像个活人一样坐在那儿死去，没有了大喊大叫也没有泪流满面，没有恐惧没有一切留恋，静静地死去。
夏树 2005-10-05 20:52
时光可以流逝，岁月可以飘过，但是经典永存。如果真的有一种情感可以使人回肠荡气。如果真的有一次行动可以让人感慨万千；那么这种情感一定是超越普通情感的伟大情义，这次行动也一定是一次伟大的行动——影片《拯救大兵瑞恩》所表现的就是这样一种情感，这样一次大无畏的行动。
《拯救大兵瑞恩》是著名导演斯皮尔伯格执导的一部力作，重温经典，感觉依旧如此强烈，既慷慨又激昂。汤姆·汉克斯的实力表演使得影片更加精彩。
影片以著名的第二次世界大战中，最惨烈的诺曼底登陆为背景，通过一系列的自然主义拍摄手法再现了上世纪那场为自由而战的战争的惨烈。以米勒上尉奉命率领士兵去敌战区寻找一位名叫瑞恩的士兵为线索，提出了一个很严肃的问题：用几个人的性命去换取一个人的生命是否值得？刻画了米勒为代表的一系列为自由而战的士兵的形象，影片的主题是鲜明和积极向上的。
抢滩行动中指挥出色的米勒上尉受命去敌战区寻找一位在101空降师服役的叫做詹姆斯·瑞恩的士兵，他的三个哥哥都相继在战场中阵亡，为了不使他的母亲失去这个最后的孩子，盟军总部决定将他寻找回来。这是一项艰巨的任务，因为每向前一步，就离敌战区近了一步，危险也就增加了一分，他们面对的会是越来越多的德军和大量的坦克！出发的时候，就有人提出这样的问题，这种近似荒唐的行动和与此引来的一系列伤亡是否值得去冒险？随着故事情节的发展和战士的阵亡，在准备袭击德军雷达站的时候，生存和为此次行动付出巨大牺牲的问题再次摆在面前。米勒上尉最终说服了大家——在他看来这次意外袭击德军雷达站的行动和寻找瑞恩的行动都是一样的，都是为了正义和自由而战的。终于，米勒上尉率领的弟兄历经艰险找到了瑞恩。而为了盟军的顺利挺进，他们又决定留了下来一起参加桥头保卫的战役。力量的对比是悬殊的。尽管他们进行了精心的部署，把有限的人力进行了最合理的布局，也曾一度阻止了德军的前进，但是面对不断涌来的德军和炮火威力很大的“虎式”坦克的进攻，他们只能且战且走，在桥头最后的防线，身负重伤的米勒上尉在冲锋枪枪弹打光的时候，无助地却很决然地向坦克连连发射手枪子弹，奇迹出现了——随着一声爆炸的声音，坦克被摧毁了——盟军的“野马式”轰炸机及时赶到！桥头保住了，援军陆续地赶到了。生命垂危的米勒上尉弥留之际对着俯身过来瑞恩只是轻声地说了一句；好好活着，不要辜负大家。
米勒上尉原本只是一位普通的上尉军官。这次任务也应该说只是一次特殊的任务，但是他的这句话使我动容。一句普普通通的话语是一位长官对士兵的殷切嘱托，也是为了寻找瑞恩而牺牲的士兵的共同心声和话语，米勒和他的战友都已经牺牲，但是瑞恩活下来了。他们的任务完成了，为了一个人的生命牺牲八个人的性命，这种牺牲的代价是否值得？从感性或者理性的角度而言，这是个错误甚至有些荒唐的任务，但是从道义和正义的角度来看，这绝对是一次真正意义上的拯救行动，一次大无畏的行动。一个人的命值得用八个人性命去冒险的，一句普通的嘱托便是最好的答案。一句很平实的语言，一种崇高的精神和高尚品格情操却跃然在心中。
碟片已经播放完。但是我的心情许久不能平静。米勒上尉最后说的话一直在我耳边回响，他的身影也越发令我肃然起敬。
拯救大兵是一次特殊光荣的任务，就是因为这一句普通的“好好活着，不要辜负大家”话语，我一直记得这部影片，记得了汤姆·汉克斯，记得了这次大无畏的行动！
⑥ 《初到东京》中有哪些令你印象深刻的片段
刚开始看到这电影的图标以为是小清新，看到电影名，以为写得是主角到东京专然后发展属了一段恋情故事。结果看了一两个小时完全没看懂，正在我茫然的时候影片戛然而止，让我目瞪口呆，原来烂片是不分国籍的。第二天一大早我就到公司了，赶紧上豆瓣，因为豆瓣在我眼里是比较专业的，以前有些电影没怎么看懂到了豆瓣看了影迷们一番评论恍然大悟。结果没想到的是这个电影评分如此之高，一大堆人写了长篇大论的影评，基本都是赞美认同，却没有一个人写这部片到底讲了些什么，我不知道那些给好评的人他们看懂没。我觉得上面有个网友说得对，这纯粹是亲日分子的春梦。
⑦ 安徒生童话的观后感
解答复如下:
安徒生制童话观后感
看了《安徒生童话》这本后，令我十分着迷，童话故事十分有趣，从书中我明白了许多道理。
《安徒生童话》中有一个拇指姑娘的故事：在很久以前，有个善良的女人很想要个孩子，于是她像一个有魔法的老太婆求助，老太婆给了她一个孩子，就是拇指姑娘。
女人十分疼爱拇指姑娘。没过几天不幸发生了，女人回家晚了，拇指姑娘被癞蛤蟆背回了家，后来拇指姑娘被小动物救了，又遇到了小人国的国王，他们从此过上了幸福的生活。
安徒生童话中有一个个有趣的故事，让我们明白了一个个道理。还有一个更有趣的故事‘皇帝的新装’讲的是一个傻皇帝被人骗的故事。
告诉我们不要因为别人说什么聪明的人能看见这类骗人的话，就硬是说自己能看见，看见就是看见没看见就是没看见，别最后像皇帝一样闹了笑话出来。不只这些还有海的女儿，白雪皇后，红舞鞋，凤凰等更加有趣的故事让我们阅读。同学们请你们去阅读这些有趣的故事吧，我相信你们一定会爱上这本书的。你们一定会爱上这本书的。
⑧ 电影《小鞋子》观后感
《小鞋子》这部电影的大致内容讲：阿里帮莎拉修理那破烂不堪，补了N次的鞋子，当回来的路上，阿里不小心把妹妹的鞋子丢了。他垂头丧气的回家，而妹妹却满心欢喜地等待着。当莎拉知道自己的鞋子“不翼而飞”时，她从天堂落到了地狱。她神眉紧索，不知如是好。阿里想到了主意，先让妹妹去上课，再回来，阿里跟她换鞋子，以超快的速度飞奔到学校。就这样，反反复复，阿里也练成了一般“武技”。在学校的通知上，阿里知道第三名有一双旅游鞋时，他仿佛又看到了希望，可报名时间以截至，在他的苦苦哀求下，老师终于给他一次机会。在比赛那天，每个人都有父母来加油助威，只有阿里孤零零一人。“啪”的一声，几千人像一群蚂蚁似的在田野上奔跑，你根本不能看到阿里的身影。阿里摔跤两次后，跑得更快，在最后的几百米冲刺时，他用劲全身的力量。当他睁开眼睛时，他哭了，他并不是为了胜利而哭泣，而是的不到一双“球鞋”而哭泣。
最后，阿里把自己那长满了水泡 的脚防进池塘，许多的小鱼来啄他的脚……
“穷苦的孩子早当家”。这句话放在这里在合适不过了。
生在21世纪的我们，吃的是山珍海味，穿的是绫罗绸缎，过的是“衣来伸手，饭来张眼”的无忧无虑的生活，是父母的掌上明珠。一遇到挫折，就只会逃避。
而阿里兄妹呢？虽然他们家境贫困，可是他们的生活却很快乐；虽然他们没有锦衣玉食，可是他们吃的是粗茶淡饭也甘愿；虽然他们年纪轻轻，却能勇敢地面对生活的困难；虽然他们的父母不能满足他们所有的欲望，但他们可以得到富家子弟没有的爱。
在《小鞋子》中，让我懂得了什么是亲情。亲情并不只是单单挂在嘴边说说而已，而是表现在实际行动上；亲情并不是刻意地表现，而是出现在生活的点点滴滴。
亲情，是我们每人拥有的礼物，只是看你有没有珍惜，只要我们好好珍惜爱，也懂得爱，并奉献自己内心最真，最无私的爱
⑨ 求《静静的嘛呢石》《歌谣》《五朵金花》《大东巴的女儿》《玉蝴蝶》任意一部电影的观后感 字数越多越好
影片《大东巴的女儿》表现了和西、和纳这一对纳西族姐妹不寻常的成长道路，不寻常的人生命运和不寻常的情感世界。姐姐和纳，凭借甜美的歌喉成为著名的“纳西族女歌王”，可妹妹和西却是一个聋哑人。她聪明美丽，从小喜欢跳舞，但由于不会说话，在人生的道路上历尽了辛酸和磨难，是一个挣扎在生活底层的“灰姑娘”。然而，由于偶遇从维也纳来到丽江研究东巴文化和纳西族歌舞的奥地利青年学者杰克，她的命运发生了改变。在杰克的激励和姐姐和纳的引领下，和西经过刻苦努力，终于从一个“灰姑娘”变成了“白天鹅”，成为了万众瞩目的“纳西族女舞王”！ 影片着重表现了聋哑女孩和西自强不息、挑战命运的奋斗精神，相信这部作品会极大地鼓舞残疾人，鼓励他们勇敢地面对生活、命运的挑战，同时体现了丰富的东巴文化。
生活在我国省地区的纳西族就是一个有着深厚文化底蕴的民族，他们不仅善于吸收其他民族的优秀文化，而且还创造了自身独特的民族文化——东巴文化。 中国是一个多民族的国家，各民族的祖先劳动、生息、繁衍在这片广袤的土地上，共同创造了灿烂的民族文化。生活在我国省地区的纳西族就是一个有着深厚文化底蕴的民族，他们不仅善于吸收其他民族的优秀文化，而且还创造了自身独特的民族文化——东巴文化。
东巴文化包括图画象形文字，包括东巴经还有东巴画，东巴舞蹈、东巴音乐，还有东巴的各种道场就是祭祀活动，这部分也包含有民族心理素质的很多内涵在里头，所谓东巴文化就是指的这么一个文化体系。
东巴文是一种十分原始的图画象形文字，从文字形态发展的角度来看，它比甲骨文还要原始，属于文字起源的早期形态，最早是写、画在木头和石头上的符号图象，后来有了纸，才把这些符号图象写在纸上。由于东巴才掌握这种文字，故称为东巴文。东巴文是目前世界上唯一存活着的象形文字，是人类社会文字起源和发展的“活化石”。
东巴经就是现在我们所说的活着的象形文字，它现在被统称为是纳西古代社会的网络全书，因为它牵涉到历史，政治，天文地理，文学艺术，宗教，人类学，甚至于医药等的方方面面，还有生产生活方面的许许多多知识和神话故事。
东巴文字，由于人类造字尊重意识，或者叫做仿造，基本上都是大同小异，文字无非就是记录语言的一种工具。人在观察事物的时候，把它记录下来，开始的时候就有图画，现在的东巴文里面有很多的图画字，一幅图画就是一个故事，也是一个约定俗成固定的一个内容，大家一看这个画就知道它是指什么事情，所以由于图画字，人们在观察，比如说汉字，因为是在平原里面看那个‘山'，是一个山，一个山的，所以他写字的时候，就有三个山头，但是纳西族生活在山区里头，他一出门就是大山，所以他造字的时候，就是只有一个‘山'，再像汉字的门字，有两扇门，纳西族只有一个门，所以他造字的时候看到的只有一个门，与他所处的环境是有关系的，所以他在造字的时候看到什么就画下了什么，逐步用图画从繁到简，就把它减少了，形成约定俗成的一种笔画，固定的形式，它属于这样造字的范围，所以东巴文它是通过图画到文字发展起来的。用汉族的话说叫书画同源。
随着纳西族社会的发展和民族文化的相互影响，在明末清初，的一些东巴，又创造了格巴文。格巴是弟子的意思，格巴文的意思是东巴什罗后代弟子创造的文字，格巴文是对东巴文的改造和发展。
西族生活的重要组成部分，他们有很多内容丰富、形式多样的民间舞蹈。东巴舞就是纳西族的古典舞蹈，它表现了古代纳西人同大自然和社会邪恶势力的斗争。
纳西族素以能歌善舞著称。唐代和元代的志书就有“男女皆披羊皮，俗好饮酒歌舞”，及“男女动数百，各执其手，团旋歌舞以为乐”的记载。目前广泛在民间流传和新发掘整理的舞蹈，有原始舞蹈、东巴古典舞蹈、组舞和新歌舞等几类。“麦达蹉”和“热热蹉”等是诗、歌、舞三者合一的原始舞蹈。其特点是边唱边舞，以唱促舞，以舞助唱，唱完舞止；没有乐器伴奏，人数、地点和场合不受限制，男女皆可参加。舞步简单，一般是以右手搭左肩或手挽手，从右行进，渐成圆圈。
西族的古典舞蹈，也是东巴文化的重要组成部分。它是东巴祭司根据不同仪式，按照道场规则所跳的一种宗教舞蹈。东巴舞从形式上，似乎多是跳神驱鬼之类的动作，但实际上，大部分内容是表现古代纳西人同大自然和社会邪恶势力的斗争。
蹈素材的来源主要从民间，因为从民间舞蹈里面把它吸收过来了以后，用在它祭祀的时候来跳，又加上有东巴教神韵的一些风格后，就变为东巴的舞蹈，它又有非常浓郁的民间性。《牦牛戏老虎》是根据纳西民间的一个典故改编而成的动物舞，舞蹈分为颂经、牦牛戏老虎等几个部分。主要讲述了两只猴，分别代表人类最早的两个家族，一族崇拜老虎、一族崇拜牦牛，两家族为此发生争执的故事。
中，有很多舞蹈都是模仿动物的动作而形成的。据《东巴舞谱》记载，纳西最古老的舞蹈源于金色青蛙的跳跃。如今在西北部山区仍然保留着一种古老舞蹈《勒巴舞》。据《吕氏春秋》记载：“昔葛天氏之乐，三人操牛尾，投歌以歌八厥”。而《勒巴舞》最显著的特点也是拿着牛尾巴跳的，它分别模仿大象、鹰、猴、蛙及虎，并使之形成了一套连贯的舞蹈动作。
文化的主要部分，无论是文字、音乐还是舞蹈，它们的传承和发展都离不开东巴，座落在古城的东巴宫，更为现代人提供了一个了解东巴文化的窗口。东巴宫座落在古城东大街，它的门楼上装饰的是东巴的“五幅冠”，大门两旁悬挂着东巴的木牌画，东巴宫内别具一格的装饰和文化活动更会让您感受到东巴文化的魅力。
整个东巴宫的布局，突出纳西族的特点，就是突出东巴的特点。主要是通过像东巴的经卷、文物、东巴的绘画、祭祠用品、东巴的壁画、浮雕等等这几个方面来相对完整地介绍纳西族的东巴文化的音乐、舞蹈这一块，通过加强它的文化气氛，给大家有一种能相对直观的了解纳西族的音乐、舞蹈文化。整个东巴宫就是一座小而全的民族文化艺术博物馆，通过它可以欣赏到举世无双的东巴文化艺术，领略到真正的纳西古乐以及民间歌舞神韵。
是东巴文化的重要内容之一，它包括木牌画、纸牌画、布卷画和经文画几大类，反映了古代纳西族社会的各种世俗生活。
传统东巴画主要是东巴在做法事时制作和使用的，有布轴的神佛像画、经书画、木牌画上的神、鬼、鸟、兽画，以及大型布卷画，民间还有反映生产和生活的装饰画，这些画笔调粗犷、色彩浓艳、形象朴实生动。
画的内容主要表现了古代纳西族信仰的神灵鬼怪和各种理想世界。东巴画中的布卷画《神路图》它一般长达14米多，宽26厘米左右，主要用于丧葬时超度死者亡灵仪式中，描述了死者亡灵要经过的地狱、人间、自然界、天堂等各阶段的具体场面，有较高的文化和艺术研究价值。虽然传统东巴画也受到周边民族文化，特别是汉藏文化的影响，但它仍然比较系统地保持了自己整体的风格和特点。
纳西的东巴文化，确实受藏传佛教的影响相当之大，所以在纳西的所有的东巴文化的绘画部分，包括其它的仪式部分等等，人家一看就知道受藏文化、藏传佛教的影响特别大，包括绘画，但它整个过程、整个赋彩、用线，不是那么求华丽，它是求朴实、画完一张画以后，它外观的包装，它是不加以装饰，然后上下一般的是用两块黑布，中间就像我们裱轴画一样，国画里面裱轴一样，穿上两根木头，它整个过程已经完成。
一部影片，一种文化。《大东巴的女儿》让人们看到了东巴文化的精深。（自己可以再加点）