过猴山剧本
A. 紧急啊!!拜托!!今天就要.关于一个剧本的问题.
《过山猴》的剧本啊？哪个可以再查查。
B. 中国动画片有哪些
20世纪40年代：中国动画片第一部长片《铁扇公主》
1979年：中国第一部彩色宽银幕动画长片《哪吒闹海》
[编辑本段]回眸中国动画片八十年
中国动画曾无比地辉煌过，这也证明中国动画片是有实力的，有适合它发展的艺术规律。对中国动画片发展脉络有一个了解，对今天的动画片创作是大有裨益的。既可从中借鉴吸收优良传统，又可发现总结中国动画片的不足之处，找到一条在新的社会发展时期的发展道路。
[编辑本段]一、艰难的创始期
谈到中国动画片，不能不提及万氏兄弟（万籁鸣、万古蟾、万超尘、万涤寰），他们可谓中国动画片的鼻祖。在极其艰难的条件下，他们于1926年摄制了中国第一部动画片《大闹画室》，揭开了中国动画史的一页。紧接着在1930年又摄制出《纸人捣乱记》。此后，万氏兄弟便不辞劳苦、坚持不懈地致力于中国动画的创作。在反对日本帝国主义和左翼文化运动的影响下，万氏兄弟拍摄了大量的抗日作品如《血钱》、《航空救国》、《民族痛史》、《新潮》，和提倡国货的《国货年》、《漏洞》，以及一些儿童寓言片《鼠与蛙》、《飞来祸》、《龟兔赛跑》等20余部黑白动画短片。直至20世纪40年代，万氏兄弟创作了中国动画第一部长片《铁扇公主》，发行到东南亚和日本地区，并受到人们的热烈欢迎，为中国动画走向国际作了很好的铺垫。太平洋战争爆发后，万氏兄弟被迫中断了动画创作。而以钱家骏为中心的当时的一批动画人也绘制了以抗日为内容的动画短片《农家乐》，随后又绘制两部短片。中国动画片在创作初期就时刻与时代气息紧密相联。同时最早一批的动画人也显示了他们百折不挠的精神，具有强烈的民族使命感。
[编辑本段]二、民族风格的探寻之路
新中国成立之后，中国动画片开始了它更为广阔的发展。早在1947年，人民艺术家陈波儿和日本动画专家方明（持永只仁）等创作了新中国第一部木偶片《皇帝梦》和动画片《瓮中捉鳖》。他们在人员不足、设备简陋的艰难条件下完成摄制工作，为新中国动画片的发展揭开了序幕。
中国的动画片在此后的发展中便自觉开始了民族风格的道路的探寻，这是时代和世界环境使然。1957年上海美术电影制片厂建立，特伟任厂长，此时中国动画人已发展到两百多人。有万籁鸣、万古蟾、万超尘、钱家骏、虞哲光、章超群、雷雨、金近、马国良、包蕾等一大批著名艺术家、文学家先后加入到这一行列当中，为中国的动画事业发展做出巨大的贡献。
建国初期是中国动画片蹒跚学步的时期，中国动画人积极学习国外先进的动画技术和艺术，主要是苏联和南斯拉夫，在动画技艺上有了很大提高。同时在动画的风格上不免受到这些国家动画的影响，如《小猫钓鱼》（1952）、《小梅的梦》（1954）、《野外的遭遇》（1955）等影片便留有苏联动画的影子。特别是1956年《乌鸦为什么是黑的》在国际动画节上获奖，令人沮丧的是与会者以为这部影片是苏联的影片。这个误会使中国动画人深刻意识到：“对他国动画亦步亦趋的模仿是不会利于中国动画电影发展的。” 只能导致中国动画的消减。“只有搞民族化，才是中国动画电影的出路。” 其实中国早期的动画电影也有这个倾向，万氏兄弟的《纸人捣乱记》便是模仿美国的动画制作，追求的是逗乐搞笑，仅是一部简单的噱头闹剧而已。事实上这也是动画娱乐本性体现，影片给人们以娱乐消遣，才会有观众，才会有市场。同时它在人物的造型设计上仍具有民族特点。
在1957年，上海美术电影厂厂长特伟提出了“探民族风格之路”的口号，从此开始了中国动画的民族风格建设。中国动画艺术家从中国传统文化艺术当中汲取营养，为己所用，力求表现出中国独有的风格，并取得了骄人的成绩。在动画片《骄傲的将军》当中，民族特色十足，将军的脸谱化便借鉴了京戏人物造型，在动作的设计上也采取了京戏的风格。影片的背景音乐恰到好处地运用民乐，在将军彷徨无助时，琵琶古曲“十面埋伏”响起，画面与音乐完美地结合在一起，达到烘云托月的效果。这部仅30分钟的动画片充溢着浓郁的民族化气息，给人以耳目一新之感，对当时的民族化探索起了极大的鼓舞作用。同时，中国的动画艺术家们积极地致力于新的动画艺术手法的探索和动画技艺的提高。在发展中国动画的一大片种木偶动画时，著名的木偶片导演靳夕、钱远达，曾在20世纪50年代远赴捷克学习，师从德恩卡。靳夕的第一部代表作《孔雀公主》，故事情节动人。后来，靳夕拍摄的《谁唱的最好》在技术上非常完美，但在意识形态上却受到了局限。当时的文艺政策较为教条，由于过分强调了“政治挂帅”、“革命传统”、“主题至上”，限制了木偶片的进一步发展。钱家骏在1957年导演的《拔萝卜》和1958年导演的《古博士的新发现》就注意开掘动画片的童趣、童心。在1958年中国动画人研制了中国第一部剪纸片《猪八戒吃西瓜》，为中国动画增添一个新品种且富有鲜明的民间艺术特色。接着又拍摄了剪纸片《渔童》（1959）、《济公斗蟋蟀》、《金色的海螺》（1963）等影片，吸收了中国皮影戏和民间窗花的艺术特色，将动画形象塑造得生动丰满，也使中国的民间传统艺术得到发扬。到了20世纪80年代，剪纸片技术日益成熟，在此基础上，美影厂又研制成功剪纸“拉毛”新工艺，拍出了水墨风格的剪纸片《鹬蚌相争》，该片荣获第十三届柏林国际短片电影节银熊奖、南斯拉夫第六届萨格勒布国际动画电影节特别奖、加拿大多伦多国际动画电影节特别奖和文化部1984年度优秀美术片奖。1985年出品的《草人》也获得好评，在日本第二届广岛国际动画电影节获儿童片一等奖和国内文化部1985年度优秀美术片奖、全国少数民族题材电影“腾龙奖”美术片二等奖。这一片种在国际国内都得到认可，且受到广大观众欢迎。此外，在1960年又摄制了折纸片《聪明的鸭子》，情趣盎然，活泼生动。同一时期又发明创造了水墨动画片，可谓是最具中国风格的动画片，它将中国的水墨画与动画电影相结合，使中国特有的笔墨情趣完美地再现于银幕，形成最具中国特色的艺术风格，震惊了整个世界影坛。《小蝌蚪找妈妈》（1960）、《牧笛》（1964）可以说是其中的代表作。富于韵律的画面、诗的意境，给人以美的享受，动画艺术也达到一种审美的境界。
此时的动画创作达到前所未有的高度，可以说20世纪50年代末到60年代中期是中国动画的一个高潮。也是民族风格成熟的阶段。动画片《大闹天宫》上下集（1961、1964）在造型、设景、用色等方面借鉴了古代绘画、庙堂艺术、民间年画的特色，又将中国传统戏曲的表演艺术融入，描述了家喻户晓的孙悟空，使这一形象跃然银幕，化无形为有形，“挖掘各种艺术表现手段；具有鲜明的民族风格和精湛的艺术技巧”。国外评论说：“《大闹天宫》不但具有一般美国迪斯尼作品的美感，而且造型艺术又是迪斯尼式的美术片所做不到的，即它完全地表达了中国的传统艺术风格。”“是动画片的真正杰作。”
中国动画片所达到的艺术水准不仅得到国际的首肯，而且使具有中国民族特色的动画片深入到世界民众当中去。中国动画片因为它独到的民族特色而独立于世界动画之林，散发着它独特的艺术魅力。中国动画片在海内外获得越来越高的声誉。
可是由于“文革”的影响，中国的动画事业受到了阻碍，发展缓慢。“文革”结束后，百花开放，我国的动画事业也迎来了它的第二个春天。中国的动画人以更大的热情投入到动画创作当中，秉承以往的“民族风格”的道路，在题材内容、艺术形式和制作技巧等方面，进行新的开拓，并取得可喜的成绩。同时由于实行开放政策，扩大对外交流，中国的动画业也更多地与国际接轨，呼吸更多的新鲜空气，呈现出一片生机盎然的景象。
1979年中国第一部彩色宽银幕动画长片《哪吒闹海》问世，这部被誉为“色彩鲜艳、风格雅致、想像丰富”的作品，深受国内外好评。民族风格在它的身上的到了很好的延续。动画片《三个和尚》是继承了传统的艺术形式，又吸收了外国现代的表现手法，在发展民族风格中做了一次新的尝试。动画片《雪孩子》画面优美富有诗意；《南郭先生》表现了汉代的艺术风格、格调古雅；《火童》结合了装饰性造型和民族艺术特点。同一时期的影片中，还有《两只小孔雀》、《画廊一夜》、《狐狸打猎人》、《好猫咪咪》、《愚人买鞋》、《黑公鸡》、《小鸭呷呷》、《人参果》、《淘气的金丝猴》、《假如我是武松》、《蝴蝶泉》、《天书奇谭》、《兔送信》、《三十六个字》等也延续这一创作思想。1984年的大型动画片《金猴降妖》，又一次将孙悟空搬上了动画银幕，塑造了一个感人的孙悟空形象；在表现手法上通过将传统的民族风格和抽象绘画的手法和现代音乐融合，探索民族艺术的新发展。动画片《夹子救鹿》淡雅而抒情，具有敦煌壁画的古朴风格。剪纸片《草人》模拟中国工笔花鸟画的形式。此外，《女娲补天》，《抢枕头》、《海力布》、《水鹿》、《大扫除》、《网》、《偷东西的驴》、《巫婆、鳄鱼和小姑娘》等，也都富于民族风情。
[编辑本段]三、20世纪90年代以后的新发展
在动画发展到20世纪90年代至今，中国动画创作相对于世界动画发展出现缓慢趋势。在美日动画的冲击下，同时也由于缺乏市场化操作，动画的回收相对较慢，中国动画以往是纯国家投资，私人不愿投资，从而导致动画者的流失和中国动画业的发展缓慢。中国动画要改变以往的操作方式。为重振国产动画，美影厂历时四年摄制了动画片《宝莲灯》，这是中国迄今投资最大的一部影院动画长片，故事取材于中国的民间传说，在画面、人物造型上都精心设计，音乐制作极为考究，同时现代高科技的运用也为影片增色不少，给人以耳目一新之感，获得了观众的好评。同时还有《气球上的五星期》、《马可波罗回香都》、《哎哟，妈妈》等一批优良的动画片诞生，给动画注入了新的活力，动画片呈现出欣欣向荣的景象。
综观中国动画这几十年的发展，可以看到中国动画始终致力于一条本国特色的道路，在改革开放以后，在世界动画的大潮中也未放弃这一宗旨。动画片中洋溢着活泼清新的气息，给人以美的启迪。同时又十分注重教化意义，在动画片的创作中秉承“寓教于乐”，使动画片不致流于肤浅的纯娱乐搞笑。中国动画片经过几十年的苦心经营，营建了一个动画王国。
中国人第一次放映电影
中国人自己放电影是1903年在北京。中国商人林祝三从欧美回国，携带放映机和影片，在打磨厂乐天茶园放映电影，这是中国人从国外自运电影在国内放映的开始。此后，在北京前门外的大栅栏大观楼戏院、西单市场内的文明茶园、东安市场内的吉祥戏院、西城新丰市场里的和声戏院，相继都有电影放映。
第一部中国电影的问世
早期在中国放映的电影都是由外国人拍摄的。1905年，由开设在北京的丰泰照相馆拍摄的京剧片断纪录片《定军山》，是由中国人自己摄制的第一部电影。这一年也因此被公认为是中国电影的诞生日。
中国第一座电影院
1907年第一座电影院平安电影公司在北京长安街建成，由外商经营。
中国第一首电影插曲
1930年12月3日，联华公司出品的影片《野草闲花》上映，该片以蜡盘配音的方法为影片配制了一首由孙瑜作词、孙成壁作曲的电影歌曲《寻兄词》，它成为中国电影史上的第一首电影插曲。
第一部国产有声电影
1931年3月，由上海明星公司拍摄的《歌女红牡丹》公开上映，中国第一部有声电影由此问世。
中国第一部长系列影片
1928年，明星影片公司在武侠、古装片等商业电影的逐渐兴起中，推出了一部武侠神怪片《火烧红莲寺》，获得了观众的热烈欢迎。受到票房收入的鼓舞，明星公司一鼓作气，连续推出该片的续集，到1931年止，共拍摄了18集，由此它成为我国历史上第一部电影长系列片。
中国第一位电影皇后
1933年，开办于上海的《明星日报》以“鼓励诸女明星之进取心”，胡蝶登上了中国第一位“电影皇后”的“宝座”。选举揭晓后，原本准备举行一次盛大的电影皇后加冕典礼，因胡蝶本人一再谦词，遂将典礼取消，将这一活动和“航空救国游艺茶舞大会”结合在一起进行。
中国第一部在国际上获奖的影片
1935年3月，由蔡楚生编导的影片《渔光曲》在苏联举办的莫斯科国际电影展览会上获奖，这是中国电影第一次在国际电影节上获奖，《渔光曲》遂成为中国第一部在国际上获奖的影片。
新中国第一部故事片
东北电影制片厂（后更名为长春电影制片厂）1949年在极为艰苦的条件下，拍出了新中国第一部故事片《桥》。
《桥》诞生于新中国成立前夕，由于它是由我党建立的电影制片厂摄制的，因此可以说是新中国出品的第一部长故事片。
中国第一部彩色电影
中国第一部彩色电影是1948年拍摄于上海的戏曲片《生死恨》，由华艺影片公司出品，费穆导演，主演梅兰芳，著名摄影师黄绍芬为摄影指导，李生伟任摄影师。虽然由于经验不足，以至影片的彩色不够理想，但毕竟是中国第一部彩色电影。
中国第一部彩色宽银幕电影
1958年，上海电影制片厂(海燕厂)拍摄了我国第一部35毫米彩色宽银幕立体声故事片《老兵新传》。这是我国第一部彩色宽银幕影片，也是中国大陆第一部宽银幕电影。影片以北大荒的第一批拓荒者艰苦卓绝的战斗生活为题材，利用彩色宽银幕充分展示了北大荒广阔无垠的北国风光，与影片的内容相得益彰。影片在1959年莫斯科国际电影节上获得技术成就银质奖。
中国第一部彩色立体宽银幕电影
1960年，上海东湖电影院成为全国第一家立体电影院。这也是我国银幕上第一次放映立体电影。1962年，上海天马电影制片厂摄制完成中国第一部彩色宽银幕立体故事片《魔术师的奇遇》。这部影片不仅开创了我国彩色宽银幕立体故事片的第一，也一直是唯一的一部。
中国第一个电影制片公司
1909年美国人布拉斯基久慕上海这块生财宝地，不远万里来到上海香港路创办亚细亚影戏公司。这是中国土地上的第一家影片摄制公司。
中国第一本电影刊物
1922年1月由顾肯夫、陆洁创办的《影戏杂志》。
中国第一所电影学校
1922年3月郑正秋、张石川等人创立中国第一所电影学校——明星影戏学校（后改为明星演员养成所），由郑正秋担任校长，专门培养电影人才。
中国第一部完整的电影剧本
1924年，洪深创作的《申屠氏》在《东方杂志》发表。
中国美术片第一次在国际上获奖
1956年木偶片《神笔》获第八届国际儿童影片节儿童娱乐片一等奖。
中国第一部剪纸片
1958年万古蟾导演我国第一部剪纸片《猪八戒吃西瓜》，为美术影片增添了一个新品种。
中国第一部动画片
1926年，万氏兄弟克服了资金、场地、资料等多方面的困难，终于研制成功了中国第一部动画片《大闹画室》；它也是中国美术片的开始。
中国译制的第一部外国电影
1948年，为了消除语言上的障碍，经东北电影制片厂(后更名为长春电影制片厂)与苏联影片输出公司驻东北代表处协商，由该公司提供一部影片交由东影厂试验译制成汉语。这就是中国的第一部译制片《普通一兵》。
中国第一部恐怖电影
1937年，新成立的新华影片公司推出了一部深受欢迎的影片《夜半歌声》，这是中国银幕上出现的第一部国产恐怖电影，它不但在当时制造了轰动效应，历经半个多世纪的岁月，其价值和魅力依然能够得到验证。
中国第一部获得世界吉尼斯纪录的影片
2002年12月12日，世界吉尼斯英国总部正式授予中国电影《庐山恋》“世界上在同一影院连续放映时间最长的电影”的吉尼斯世界纪录。这是第一部创造了世界吉尼斯纪录的中国电影，到目前为止，也是唯一的一部。
新中国第一部与国外合拍的故事片
1958年，北京电影制片厂与法国加郎斯艺术制片公司共同摄制了儿童故事片《风筝》，这是新中国与外国合作拍摄的第一部故事片。
中国第一部音乐喜剧片
20世纪30年代，中国电影进入了一个空前繁荣期，电影的样式也日渐丰富。1935年，电通公司推出了中国第一部音乐喜剧故事片《都市风光》。影片清新活泼同时又辛辣尖锐的艺术风格在电影史上占据着重要地位。
中国第一个由专业影人评选的电影奖
在中国电影三大奖中，电影金鸡奖是由专业电影人员评选的专业性电影奖。金鸡奖始创于1981年中国农历鸡年，该奖每年评选一次。由电影艺术家、电影评论家担任评委。在这一类别的电影奖中它不仅是第一个，也是唯一的一个。它也是中国电影界专业性评选的最高奖。
中国第一个由政府设立的电影奖
1932年，由当时中国教育界和电影界热心人士共同倡议，在南京建立中国教育电影协会。中国教育电影协会于次年举行了第一次影片评选活动，《人道》和《自由之花》被评为优秀影片。此后又举行了几次评选。由于当时协会的领导者中有不少具有政府党政高层官员身份，因此可以说这是中国电影史上最早的具有政府色彩的电影奖。
中国电影史上第一个真正由政府部门设立的电影奖问世于1956年。新中国成立后，于1956年设立了“文化部优秀影片奖”，对1949年-1955年以来所生产的优秀影片予以评奖。
C. 中国的动画片有哪些
弹珠传说、弦月梦影、美猴王、魔豆传奇、小牛向前冲、天上掉下个猪版八戒、哈皮父子、梁权家妇女、马兰花、神厨小福贵、猫咪小贝、小鲤鱼历险记、大耳朵图图、精灵世纪、可可可心一家人、神兵小将、没头脑和不高兴、十二生肖之五福外传、十二生肖总动员、小神仙和小仙女、魔盒与歌声、夺宝幸运星、果宝特工、饮茶之功夫学园、小青天司徒公、少林传奇、中华小子、Q版刘关张、福娃、秦时明月、五福鼠之三十六计、孔子、我为歌狂、猪猪侠、环保剑、哪吒传奇、天眼系列、马小跳、游击神兵、嘿！星星狐、大英雄狄青、东东、三毛流浪记……
http://..com/question/192804638.html?an=0&si=4（貌似里头有合拍的）
D. 什么是儿童文学情节
儿童文学情节指的就是儿童文学的故事性。可参照以下文段：
故事性与儿童阅读
故事性是指文学作品中完整和生动的故事情节所形成的叙事特质。喜爱故事是人的欣赏特性，因此，讲故事无论是在东方还是在西方都是古已有之的。日本、欧洲各民族就有“讲谈”的传统；阿拉伯民族更是以“夜谈”而闻名于世。在中国，早在周朝就出现了以讲故事谋生的人，至唐朝时讲故事已成为一种专门的职业。由此可见，很久以来，故事与人们的精神生活就有着密切的联系。??
对于儿童来说，喜爱故事、热衷于了解故事情节是其阅读的天性。正是出于对故事的喜爱和追求，现代儿童文学诞生之前，儿童就是凭借着对故事的直觉与喜爱，从民间文学和古典文学中选择具有浓郁故事性的作品作为自己的读物。如中国民问神话《精卫填海》、《女娲补天》；民间传说《大禹治水》、《诸葛亮的传说》、《十二生肖》；民间故事《牛郎织女》、《田螺姑娘》、《老虎外婆》、《青蛙王子》；中国古典文学《水浒传》中的“武松打虎”故事、英国小说《格列佛游记》中的“大人国”、“小人国”故事等。在今天，故事性仍是儿童特别看重的文学特质之一。儿童的阅读之所以尤其注重故事性，是因为他们的文学阅读有其不同于成人的特殊性。儿童读者的感性认识强于理性认识、形象思维强于抽象思维，所以他们更喜欢环环相扣、娓娓道来的故事阅读。故事性强的作品对于他们来说比对成年读者更具吸引力。
二、故事性的构成
(一)“故事元”和叙事技巧中的“矛盾体现物”
任何叙事性的作品首先都存在着一个基本故事，我们将其称之为“故事元”。故事元是故事发生的中心，是故事的母体，而其他内容和形式都是为故事元这个中心服务的。如安伟邦的儿童故事《圈儿，圈儿，圈儿》的故事元是“大成写错别字出洋相”。至于他出什么洋相，怎么出洋相，都是从故事元“大成写错别字出洋相”派生出来的。同样，徐光耀的儿童电影剧本《小兵张嘎》，故事元是“张嘎子参加八路打日本鬼子”；台湾儿童诗人戴惠华的儿童诗《偷糖吃》的故事元是“玲玲上课不专心受老师批评”；丹麦作家安徒生的童话《丑小鸭》的故事元是“丑小鸭成为小天鹅”；美国作家欧·亨利的儿童小说《最后一片藤叶》的故事元是“贝尔曼先生用生命鼓励生病的珍妮”；毕淑敏散文《关爱》的故事元是“儿子芦淼语文测验考坏了”；伊索寓言《老鼠的好主意》的故事元是“老鼠协商对付猫的办法”。
讲述不同故事的作品，其故事元可以不同，也可以是相同的。民间故事中的“灰姑娘型童话”、“羽衣型童话”、“田螺姑娘型童话”、“三兄弟型童话”、“狼外婆型童话”、“动物报恩型童话”、“蛇郎型童话”等，之所以成为一种类型，就是因为每种类型的故事元都是相同的。故事要靠生动的情节和细节来完善。情节和细节的安排不同，即使是相同的故事元，作品也会具有不同的个性特征。如俄国列夫·托尔斯泰的《跳水》和《鲨鱼》，这两个作品的故事元都是父亲救儿子。然而因为《跳水》和《鲨鱼》这两篇故事中“父亲救儿子”的具体情节、细节等其他内容和表达形式不同，就演绎出了完全不同的故事。这说明，故事元可以是没有个性特征的，它只不过是叙事性作品中的人物在特定环境中活动而产生的中心事件；而情节却是具有个性特征的，它运用其构成的最小元素细节对中心事件进行演绎。儿童文学作品被分为不同体裁，就是因为它们在运用细节演绎中心事件过程中的完善程度和方式不同，因而决定了作品故事性强弱的不同，演绎得比较完善的，如儿童故事、儿童小说、童话、寓言、儿童戏剧、科幻文学、儿童叙事诗歌等，这些体裁的作品其故事性就显得强一些；演绎得比较粗略的，如儿童抒情诗、儿童抒情散文等，则其故事性也就弱些。因此，要想强化作品的故事性，就得力求在情节、细节上下功夫。
故事情节的展开还常常需要一种“矛盾体现物”来支撑，这种“矛盾体现物”在民间故事中也称“道具”，如动画片《过猴山》中的草帽，安徒生童话《卖火柴的小女孩》中的火柴，列夫·托尔斯泰《跳水》中的帽子、枪，《鲨鱼》中的炮等。如果没有草帽、火柴、帽子、枪、炮等“矛盾体现物”，这些作品的情节则难以展开。因此可以认为，作品中的“矛盾体现物”实际也是构成故事性不可或缺的一个因素。
(二)叙事技巧中的传奇性与意外性
评价一篇作品的传奇性和传奇色彩，一般是指它的情节曲折离奇，具有某种怪异性和神秘色彩。具有传奇性的故事往往采用变形的艺术手段，通过夸张，将生活特异化、漫画化或理想化，因而能够引人入胜。
俗话说“非奇不传”。奇的事件、奇的人物，往往能够引起读者兴趣，给人留下难忘的印象。传奇性在情节的展开上，往往表现出离奇曲折、不同寻常的特色。具体而言，就是在故事发展过程中往往通过偶然、巧合、夸张乃至超常的形式来促成情节变化，从而使故事情节的发展既在情理之中，又出意料之外，产生强烈的艺术效果。
传奇性也是艺术想像的产物。它是作者运用想像对社会生活进行集中、夸张、渲染、虚拟后而达到的艺术高度，是构成作品故事恒久魅力的重要因素。如英国作家罗尔德·达尔的童话《奇异的巧克力工厂》，写五个思想、性格不同的孩子在参观一座巧克力工厂时的种种奇遇。贪吃的奥古斯塔掉进漾满巧克力溶液的大河；被宠坏的薇鲁卡掉进运送垃圾的管道；整日口香糖不离嘴、胖得发紫的维奥莱特被送进榨干机；电视迷迈克闯进传送巧克力的电视机而变成微型人；只有在贫寒中长大、受过良好家庭教育的查理安然无恙。作品以大胆的想像、高度的夸张、极力的渲染，把现实、幻想和当代科技完美融合，使故事离奇曲折，事件、人物奇特，创造出一种虚实相间、怪诞离奇的童话氛围和富有传奇色彩的艺术世界，童话人物活跃在这个独特的环境中，对儿童读者产生极强的吸引力。
传奇性是艺术虚构的独特表现。它通过营构离奇曲折的情节，表现社会生活中多方面的奇情异象，有利于充分显示社会生活中复杂、尖锐的矛盾。但是传奇性虽然包含着较多的虚构，却不能脱离现实，不能随心所欲地瞎编滥造。因为构成传奇性的偶然和巧合的情节是建立在必然和可能的基础之上的。传奇性之所以能做到奇而可信，关键就在于它准确地表达了这种人心所向的必然和可能，这是传奇的精魂所在，也是它能感人至深的根本原因。正是基于这一点，人们即使知道故事不是真的，也愿意相信它。如科洛迪的《木偶奇遇记》，主人公匹诺曹一出生就颇具传奇性，一段又会哭又会笑的木头，被樱桃师傅找到后送给他的老朋友杰佩托，杰佩托将木头刻成一个木偶，眼睛刚刻好，就会骨碌碌地转动；鼻子刚做好，就开始长起来；嘴巴还没做好，就张开来笑了；手刚做好，就把雕刻他的杰佩托的假发套拉掉了；等到腿一会动，他就满屋子乱跑……以后的情节就更奇了，他一说谎鼻子就长一截；他正想吃煎鸡蛋，煎鸡蛋从窗口飞走了；由于贪玩，他长出一双驴耳朵，并真的变成一头驴；他在大鲨鱼的肚子里找到了“爸爸”杰佩托……作品以它变化无穷的传奇性情节，使得儿童读者和成人读者对它所讲述的匹诺曹的故事，宁信其有，不疑其无。
同时，叙事技巧中还常常利用偶然、巧合、夸张、幻想等手段来强化传奇性，使故事情节跌宕有致、扣人心弦，收到出人意料和出奇制胜的艺术效果。
(三)叙事技巧中的完整性、连贯性、生动性与曲折性
儿童文学作品的叙事，必须是完整、连贯、生动、曲折的。从某种意义上说，儿童文学作品就是靠完整、连贯、生动、曲折的故事来抓住儿童读者的。动物小说作家沈石溪就认为，他的作品从来就是以故事吸引读者。被称为20世纪最具想像力的故事大王达尔也很注重情节性、故事性，他曾专门就童话的故事性发表过意见：
儿童书籍作者首要的职责，是写这样的书，它应该是引人入胜的，激动人心的，有趣的，通畅的和优美的。只要孩子一读到它，就爱不释手。我发现为儿童写书并不容易。对我来说，同写给成人看的小说一样难，或许还要更难些，因为构思一个色彩分明、十分奇丽而又十分新鲜的情节，是一件苦差事。我可能不得不花费许多时间，甚至一年才想出一个情节。我绕着房子、花园、村子和村里的街道溜达，一次又一次地寻觅那鲜明、独特的新构想。
怎样写好一个满意的开头，这对我太难了……小小的萌芽逐渐长大了，故事的色彩鲜明起来，一种创造激情慢慢到来。握笔的手也颤抖起来，这时，写书的工作才真正开始了。
两位作家的看法都说明，写出故事是为儿童读者创作作品的重要一环，倘若故事平淡、缺少曲折和波澜，就难以吸引儿童读者。因此，完整、生动、连贯、曲折之于故事性就必不可少。
完整性是故事情节的重要特征。它是指故事要反映事件产生的原因、中间的曲折、最后的结局等，即故事要反映’出一个特定矛盾冲突的发生、发展、转化的全部过程。故事的连贯性即指情节节奏紧凑明快，无松散、拖沓；情节的推进一环扣一环，波波相连，无较大跨度的跳跃性。生动性主要是指情节因其新奇、丰富、曲折、有趣、惊险、动情等特点而达到的令人难忘、引人人胜的效果。巧合、误会等艺术手法可以促成情节的生动性效果。
一篇作品所讲述的故事是否具有曲折性，直接影响到其故事性的强弱。而故事性不强的作品，将直接影响儿童读者对作品的记忆和传播。因此，曲折性也成为故事性不可或缺的因素。这里，曲折性指在以人物和情节为中心来安排整个作品内容时，尽量避免平铺直叙的结构方式，而注重情节的起伏和悬念的设置。如被称为“当代的格林”的伊泰罗·卡尔维诺采集的意大利童话《小鹅》，一开始就交代了小鹅独自留下，离开鹅群的原因，为小鹅以后被迫独自同狐狸周旋埋下伏笔。为了得到铁屋而满足铁匠的条件，作品安排了“锤子每敲一下，它就下一只蛋，”一气下了200只蛋的情节，新奇而有趣。在写小鹅同狡猾的狐狸三次智斗时可谓一环扣一环，波澜迭出，一个回合比一个回合难对付。在这一情节中，小鹅都因地、因条件制宜，随机应变，沉着对敌，特别是三次智斗中小鹅钻进大瓜躲避狐狸的细节，曲折而又惊险。整篇作品就以故事的曲折性而深深地吸引着儿童读者，他们因小鹅小胜而小快，也随小鹅的大胜而大快。而当情节发展到一心想吃小鹅的狐狸被小鹅使计用绳套住脖子时，儿童读者会为之而欢呼雀跃。
(四)叙事技巧中的悬念与气氛控制
悬念是叙事性文学作品的一种特有的创作技巧，是作家在情节发展中所铺设的悬而待解的疑端。对于内容复杂的叙事性文学作品来说，悬念可以激发读者的阅读兴趣和期待心理，控制作品情节的气氛，并增强情节的生动性，从而满足儿童读者的好奇心，把他们的注意力和思想感情引向对作品人物命运的关注上来。若无悬念，一看故事开头就知道结尾，这样的作品通常很难受到儿童读者的欢迎。因此，为了加强故事性，儿童文学作家常常在故事叙述中设置悬念，以抓住读者的注意。
在通常情况下，悬念常见于情节发展的紧要关头。换言之，就是在紧张时刻把一些问题悬在那里暂时不要管，“卖关子”埋下伏笔，以引起读者和听众的注意和思考，促使他们寻根问底。一般来说，人物的命运、扣人心弦的事件起因、奇特的事件结局、包含机密的“道具”、引人关注的问题等，都可以作为构成悬念的因素。而故弄玄虚、设“迷魂阵”则是设置悬念、控制气氛常用的方法。在一篇作品中，有贯穿全篇的悬念，也有在作品的进展中各成单元的悬念。苏格兰作家史蒂文森的冒险小说《宝岛》就是悬念设置的典范之作。小说第一章，写船长毕尔成天喝酒，唱古怪歌曲，在海边嘹望，怀着极度恐慌的心情等待着一个“独脚航海人”的出现。一个强烈的悬念就这样产生了：毕尔是什么人?为什么住到“彭保大将”旅馆?为什么提心吊胆地等待“独脚航海人”的出现?这就给了儿童读者一种暗示：这里将要发生惊心动魄的事件。于是小读者的心就这样被“悬挂”起来。接下来，小说中“种种别出心裁的阴谋诡计在作家笔下都变成灵活的特种游戏。读者读来，似乎感觉到已经揭开秘密内幕的一角了，可到下一章又出现一个新的圈套。直到最后一章，读者还难 于猜测下面将如何结局。”可以说，《宝岛》的情节就是在不断的悬念设置中展开的，而作品那让读者提心吊胆地焦虑的效果，无疑是这部冒险小说的一大成功。史蒂文森堪称悬念大师，他的作品说明，儿童文学作品能否吸引儿童读者，并且把这种吸引力维持到读完作品，主要看情节中是否有明确、强烈的悬念。因此，叙事性文学作品中，悬念的强弱直接关系到儿童读者对作品的态度。好的悬念设置可以调节儿童读者的情绪，可以让儿童读者在一张一弛的心理节奏下，满怀兴趣地读下去。
(五)叙事语言的口语化与生活化
儿童文学作品特别是幻想色彩浓厚的叙事性作品，具有较多的“原始性”成分。即使是在文明社会中，儿童文学在很大程度上主要在“没有多少文化”、“半开化”的儿童中流传，而且其传播方式在相当一部分儿童中主要是第一传播媒介——口头语言。也因此，儿童文学的叙述方式自然要建立在以口头语言为媒介的“说”、“唱”、“讲”、“听”的传播方式基础上。口头语言在负载信息的性能上和书面语言不完全相同，它分为日常口语和文学口语。日常口语又称口头语，是人们在社会生活中进行口头交际时所使用的语言，它与书面语相对立而存在，具有生活化的特点。这种生活化的日常口语虽然没有书面语言准确周密，但却比书面语通俗、简短、灵活，富于浓郁的生活气息。口头语、书面语两种语言可以相互影响、相互转化，形成文学口语。
儿童文学的叙事性语言是一种充分儿童化的文学口语形式，它以简明为前提，以生动为根本。其用词通俗明白，语句结构简单，还含有富于情态表现力的对话性语气，所以往往能使作品产生一种将作者和儿童读者置于一个场景中进行直接对话和交流的特殊效果，从而拉近了作者和儿童读者的距离。
儿童文学作品的接受主体是儿童读者，一般来说，儿童运用语言的能力较成人低，文学接受能力也相对较弱，尤其年龄较小的儿童的阅读，还需要借助成人讲述的帮助。这就要求儿童文学作品在相当程度上保留着口头文学的许多叙述特点。因此当作家为儿童创作之时，他们会更理性地使用通俗易懂、生动传神的“儿童文学口语”去进行艺术的表现，这种儿童口语，我们也称之为“故事语言”。对此，我们不妨以英国怪味童话作家唐纳德·比塞特的《一个唬老虎的小男孩》为例以窥其一斑。
……老虎只等沙奇一走近，就“崩”一下蹦了出来，嘴里吼叫着：“呼尔尔尔尔尔尔尔尔尔!”／沙奇也对着老虎吼叫：“呼尔尔尔尔尔尔尔尔尔!”／老虎生气了。“他把我当成什么啦?”他寻思道：“当成猫?当成兔子?当成玩熊?唔，不对，应该叫‘浣熊’?”／过了几天，沙奇又到外面去，他正在路上走着，被老虎看见了，他一下从大树后头蹦了出来，这回叫得比前回更响了：“呼尔尔尔尔尔尔尔尔尔尔尔尔尔尔尔尔尔尔!”／“您好，老虎!”沙奇说着，用手拍了拍老虎的肩膀。沙奇拍老虎的肩膀，老虎觉得太受不了啦，就撒腿跑了。它灰溜溜的，尾巴拖在地上。它磨了一阵瓜子，学着吼得更响：“我是老虎呀!”它说。“老虎!老虎虎虎虎!”……
这篇作品的用词通俗易懂，语气亲切，而且完全是儿童的口语，表现出较强的对话性和情态性。这样叙述语言，能使人感受到浓郁的生活化气息，是生动传神的“儿童文学口语”。而诸如此类文学口语的运用，在儿童文学中是俯拾皆是的。
(六)几种常见的故事构成方式
一般来讲，叙事性儿童文学作品故事的构成方式主要有“纵式结构”和“横式结构”两种。“纵式结构”即按事件发生发展的自然进程和时间的先后顺序来安排情节。“横式结构”是按空间顺序将若干前后并无直接联系的生活场景或情节并列安排，从不同的侧面或角度共同表现主题。除此之外，还有一些特殊的构成方式。
1．三迭式结构
“三迭式”又称“三段法”，在故事情节的安排上，重在表现人物活动和事件发展前后三次的重叠变化，是中外民间儿童文学作品常用的传统方式。深受儿童读者欢迎的中国古典小说《西游记》中的“三打白骨精”便是用三迭式结构来组织故事情节的典型例子。但三迭式结构的作品，其情节的反复，不是简单的重复，而是在反复中体现出变化和发展，而且这种变化中又能体现出整体的美。这种结构方式很能适应儿童读者对文学作品的欣赏要求。三迭式结构的运用，能造成回环曲折的艺术效果。
2．连环式结构
“连环式”结构也叫做多段式的情节反复，其特点是情节在三段式反复的基础上再一环扣一环地向前延伸、发展，因此，这种结构的作品其情节反复的次数至少有四次，直到故事情节结束为止。连环式结构主要有直串式(顺序反复程式)、头尾串式(循环反复程式)、双串式、一串一解式四种情况。幼儿文学作品为适应幼儿理解能力较低的特点，常采用这种结构以反复加深孩子的印象。如苏联动物故事作家比安基的科学童话《尾巴》，连续写苍蝇把蜻蜒、金鱼、虾、梅花鹿、狐狸等动物的尾巴当成没用的尾巴，反复寻找都失败了，最后死在牛尾巴之下。作品通过多次寻找的情节反复和由此带来的层层递进的演化，既增强了故事性，把作品的情节推向高潮，又形象地再现了苍蝇的霸蛮可恶，揭示了科学的主题。
3．对立式结构
“对立式结构”即从正反、左右、前后、上下等相互对立的两个方面来组织情节。它有利于情节展开和人物性格的鲜明对照，能体现较强的故事性，符合儿童读者在比较中清晰认识事物并把握其发展规律的心理特点。因此对立式结构在儿童文学创作中运用极其普遍。张铁苏的儿歌《没耳朵变尖耳朵》具有一定的情节性，正是采用了这种结构方式。作品前面写多多“没耳朵”，后面写多多“尖耳朵”，由“没耳朵”到“尖耳朵”采用的就是对立式结构方式，并通过这种方式把作品暗含的思想内容形象地表达了出来。
E. 急求：世界动漫发展史
卡通的出现与早期发展
如果想了解什么是卡通，那么就不妨先从“卡通”这个词的由来讲起。
卡通，是英语“cartoon”的汉语音译。对于这个词的词源，有两种不同说法：其一是说它来自法语中的“carton”（图画）；其二是说它源自意大利语中的“cartone”（纸板）。
从卡通的词源上，我们就能够确切的获知，卡通作为一种艺术形式最早起源于欧洲。而在近代欧洲，有两个促使卡通出现的重要历史条件：首先，资本主义萌芽的发展，壮大了市民阶层的力量，导致社会结构的重大变化。其次，自文艺复兴运动以来，自由开放的艺术理念开始为社会所接受。这两个条件的相互作用，使得传统绘画走下了中世纪的神坛，日益接近平民的审美趋向，给以简御繁的卡通画提供了产生的社会基础。同时，作为市民阶层表达自身要求的手段，卡通画也被赋予了更为广泛的政治内涵。
在十七世纪的荷兰，画家的笔下首次出现了含卡通夸张意味的素描图轴。而以法国人奥诺雷·杜米埃（1808-1879）为代表的讽刺漫画家，更是将政治卡通发展到了艺术的高度。时至今日，政治卡通依然是西方大众文化的重要组成部分。
在卡通艺术的发展史上，英国扮演了一个相当重要的角色。众所周知，英国是最早建立现代议会民主政治的国家，同时也是最早进入产业革命的国家之一。民主政治的确立，保证了人民言论和出版的自由，为卡通艺术的发展提供了社会基础；产业革命的兴起，引发了报刊出版业的繁荣，为卡通艺术的发展提供了物质保证。
早在17世纪末，英国的报刊上就已经出现了许多类似卡通的幽默插图，但是由于缺乏专职画家和固定的艺术风格，因此还算不上真正的卡通画。随着报刊出版业的繁荣，到了18世纪初，出现了专职卡通画家，英国卡通的风格也逐渐定型。与同时期欧洲大陆的幽默讽刺画相比，英国的卡通画较多的取材于社会风情，以幽默含蓄见长。
这一时期，比较有影响的卡通画家包括威廉姆·霍格斯（1697-1764）、詹姆斯·吉尔雷（1757-1816）和托马斯·罗兰森（1756-1827）。这其中，霍格斯的代表作有《浪子回头》和《哈洛特漫游记》等，罗兰森则主要是创作了《辛塔克斯大夫一生的旅行》。值得一提的是，霍格斯等人的作品已经不再是传统的单幅画，而是发展成为了彼此关联的系列画，具备了连环画的雏形。
1841年，著名的《笨拙》（Punch）画报在伦敦创刊。这本著名的谐趣性期刊，在卡通发展史上占据着显著的地位。事实上，正是这个刊物的供稿人、著名画家约翰·里奇和编辑马克·吕蒙首次将幽默讽刺画正式命名为“卡通”。同时，这本刊物也是传统的卡通画向连环画过渡的重要桥梁。在早期的《笨拙》画报上，就已经连载了许多与连环画的概念相近的作品。而约翰·里奇绘制的《布瑞克先生历险记》，更是具备了众多连环画的构成要素。
十九世纪末，彩色印刷术的出现引发了出版业的一场革命。相应的，彩色漫画开始出现在人们的视野中。
1901年，著名出版商哈姆士·沃思，在并购了几家杂志的基础上，成立了联合出版公司（简称“AP”），先后出版了《小精灵》、《水泡》、《微笑》、《彩虹》、《老虎提姆》周刊和《丛林狂欢》等漫画刊物。另一位出版商亨德森，也推出了《乐趣无穷》（1906）、《漫画天地》（1909）、《精思妙语》（1910）和《火花》（1918）等杂志。其它如“特莱普斯和霍姆士”公司出版的《烟火》和皮尔逊出版的《大汇刊》等，都不同程度的介入了彩色漫画的出版与发行。这一时期，英国漫画期刊一个重要的变化，就是刊物的读者定位由成年人逐渐转向儿童和青少年。而AP公司是这个趋势最大的受益者，他们成功的推出了“老虎提姆”的卡通形象，使其一跃成为孩子们钟爱的卡通明星。它的姊妹作《熊娃娃》也取得了不俗的销售业绩。另外，《老虎提姆》的作者之一福克斯·韦尔还创作了《小虎吉莉》和《河马小姐》等少女漫画作品。
与政治卡通和漫画相比，动画片的发展历程似乎更富有传奇色彩。如前所述，动画艺术是现代影视艺术的重要组成部分。然而，在动画和电影的“史前阶段”，两者却是合而为一的。直到摄影术发明之后，电影和动画才开始分道扬镳。
1895年，法国的卢米埃尔兄弟最先向公众展示了他们的“电影机”，并放映了《火车进站》、《海水苑》等影片。现代电影就此诞生。而第一部动画电影却是在十年后才得以问世。其中的部分原因是由于动画片高昂的制作成本。时至今日，动画片依然是需要高投入的文化产品。
1906年，在爱迪生实验室工作的布雷克顿（J. Stuart Blackton）制作了《滑稽脸的幽默相》（The Humorous phases of Funny Faces），这也是世界上第一部动画影片。此后，来自法国的埃米尔·科尔（Emile Cohl）进一步发展了动画片的拍摄技巧，并且先后制作了250余部动画短片。同时，他也是第一个利用遮幕摄影的方法，将动画和真人表现结合起来的先驱者。正是因为科尔对于动画片发展的杰出贡献，他也被奉为当代动画片之父。
另一位对早期动画发展产生重要影响的是美国人温瑟·麦凯。他出生在美国的密西根州，早年曾经靠给马戏团、通俗剧团画海报为生，后来成为了报社记者和漫画专栏画家。1914年，麦凯推出了一部剧情动画片《恐龙葛蒂》（Gertie the Dinosaur）。这部动画片的推出，改变了此前在动画作品中的纯艺术倾向，把故事、角色和真人表演等组织成为互动式的情节，取得了相当好的效果。而憨态可掬的恐龙葛蒂，更是成为了名噪一时的卡通明星。继《恐龙葛蒂》之后，麦凯又制作了《露斯坦尼亚号之沉没》。这是第一部以动画方式制作的纪录片。
温瑟·麦凯的成功是具有象征意义的。他以自己作为漫画家的修养和积累，开创了一种重视角色的塑造、故事结构和通俗趣味的新型动画创作模式。在麦凯之后，美国的动画家们开始走上了一条与他们的欧洲同行截然不同的道路。一个属于新大陆的卡通时代就要到来了。
黄金时代的卡通帝国
在二十世纪上半叶，美国卡通艺术的发展水平居于世界的领先地位。而毋庸置疑的是，这种领先是全方位的。
早在1840年，波士顿的DC约翰斯顿公司就发行了名为《克赖斯帕》的单页画报，这可能是最早出现在美国的卡通作品了。此后，随着欧洲移民的不断涌入，原本流行于欧洲的卡通艺术也开始登陆美国。
1880年，美国报业大亨普利策在他的《纽约世界》报上增设星期日特刊，并在其中增加了卡通专栏。此后不久，另一位报业巨头赫斯特也开始在自己旗下的《纽约杂志》和《美国幽默大师》等刊物上定期发表卡通作品。这意味着卡通作品在增加报刊发行量上的作用，已经得到了广泛的认可。而上述两大报系的强力介入，无疑是给还处在幼年期的美国卡通注射了一针助长剂，自此美国卡通的发展驶进了快车道。
1895年，著名漫画家奥特考特（R.F.Outcault）创作的系列漫画《黄孩子》（Yellow Kid）开始在普利策创办的《纽约世界》（New York World）上发表。但不久之后，奥特考特带着“黄孩子”一起跳槽到了赫斯特旗下的《纽约杂志》（New York Journal）。《黄孩子》系列最初的名称是“Hogan’s Alley”，故事的主人公是一个年纪在六、七岁，身着脏睡衣大脑袋，名叫“Mickey Dugan”的小孩儿。其实，这件睡衣在开始的时候是蓝色的。到了1896年，由于一项新技术的应用使人们能够轻易的将纸染成黄色，Dugan也就此换上了黄衣。后来，奥特考特又在漫画里加上故事主人公的对白，使大家更容易理解故事主题。这也使得《黄孩子》成为了名副其实的连环画。由于“黄孩子”的形象已经深入人心，精明的商人们便以这个形象为基础，开发了大量有关“黄孩子”的周边产品，其中包括玩具、塑像、广告招贴等。尽管“黄孩子”也经历了许多的波折，但是在它首次面世后的第七年，即1902年，《黄孩子》系列终于出版了单行本。应该指出的是，《黄孩子》的成功不但促进了美国卡通漫画的发展，而且为漫画作品的商业运作提供了经典范式。
在整个二十世纪初，卡通漫画始终在寻找与美国文化的交汇点。在这个过程中，产生了许多优秀的作品和令人难忘的卡通形象。不过，直到三十年代初，美国卡通漫画的黄金时代才真的来临。
对于“黄金时代”，有这样一个精辟的描述：美国漫画的黄金时代就是超级英雄在廉价画报上横行的时代。众所周知的，诸如超人（SUPER MAN）、蝙蝠侠（BATMAN）、闪电侠（FLASH）、潜水侠（AQUA MAN）等众多的超级英雄形象都产生在这个时期。这些超级英雄的共同特点就是拥有健美运动员般的身材，常人无法具备的超能力，不断打倒邪恶又强悍的敌人，拯救世界。而其中最具代表性和持续影响力的，恐怕就要算是超人和蝙蝠侠了。
《超人》的主角是一个来自氪星球、具有超能力的外星人克拉克。在他还是一个婴儿的时候，便乘坐太空船从氪星来到地球，并被善良的肯特夫妇收养。长大后，他开始发现自己拥有地球人不具备的超能力。为了掩饰身份，克拉克从偏僻的小镇来到了大都市，并在《星球日报》担任编辑，从而结识了年轻貌美的女记者露易斯。从此以后，每当城市的安全和秩序受到恶势力的威胁时，总会有一个披着斗篷、身着紧身衣的飞天英雄及时显身，拯救那些陷入危机中的人们。不过，大多数情况下，超人的主要任务都是英雄救美。
《超人》系列最先在《动作漫画》（ACTION COMICS）第一期上发表，并迅速风靡全美。1939年1月16日，《超人》开始在报纸上连载。到1941年，已经有超过三百种报纸每日连载《超人》漫画。而以“超人”为主题的动画片、电影和电视剧，更是在此后的半个世纪中层出不穷。毫不夸张地说，“超人”已经成为了一个时代的标志。
几乎是在超人取得成功的同时，“黄金时代”的另一位超级英雄蝙蝠侠也走入了人们的视野当中。
蝙蝠侠原名叫做昆布西，出身于一个显赫的富豪家庭。在他很小的时候，父母被歹徒所杀，因而变成孤儿，由管家抚养长大。长大后，他发誓为铲除罪恶而战。于是，他便成为了身着蝙蝠装的蒙面豪侠。除暴安良，制裁法律的漏网者成了他最重要的使命。
蝙蝠侠的故事最早出现在《侦探漫画》（DETECTIVE COMICS）的第二十七期上。与超人相比，蝙蝠侠是一个没有超能力的普通人，这也正是他的魅力所在。而蝙蝠侠用于对抗邪恶的主要工具是各式各样的科技发明，其中最为著名的就是那辆万能蝙蝠车。
在黄金时代的众多超级英雄中，神奇女侠（WONDER WOMAN）可以说是一个“另类”。这不仅仅是因为它打破了此前男性对于超级英雄形象的垄断，更为重要的是，她的出现彻底重构卡通世界中两性秩序，使得女性角色不再只是男英雄们的附庸，而真正成为主宰故事的主角。因此，当“神奇女侠”系列于1941年底在《全明星漫画》（ALL STAR COMICS）上推出后不久，便受到了众多女性读者的热烈欢迎。
漫画英雄的出现绝非偶然。事实上，它是漫画艺术与美国文化碰撞的必然结果。美国文化的核心就是所谓的“个人主义”。这是一种以崇尚个人奋斗和强调优先保护个人利益为要旨的文化。出于这种文化背景，特别是在三十年代的大萧条和二次大战给美国社会带来剧烈冲击的情况下，人们欣赏和渴望“救世主”式的超级英雄，将他们看作是希望和力量的象征。因为在现实世界中找不到这样的人物，于是人们便转而在杜撰的世界中寻求精神寄托。
在第二次世界大战期间，美国的社会经济不但没有被战争拖垮，反而获得了空前的发展和壮大。由于战争而激发出来的爱国主义成为了当时美国文化的主流。于是乎，漫画中的超级英雄们也纷纷投入了保卫国家、反对纳粹的战斗中。“黄金时代”也迈向了巅峰。
随着卡通漫画在美国社会中的影响力日趋增强，美国漫画的发展也逐步走向了多元化，出现了教育漫画、科学漫画、西部漫画等新题材。与此同时，一味的追求利润最大化的商业炒作，使得美国漫画中的暴力、色情等不良因素激增，有的漫画出版物甚至赫然标明“儿童不宜”。由此，漫画业成为公众和舆论抨击的焦点，并最终导致了“黄金时代”的没落。
1945年春，弗雷德里克·魏斯曼博士的《引诱无辜》一书出版。魏斯曼博士是一位在当时的社会上相当有影响的知识分子，同时也是政界的知名人士。他始终坚信“充斥着暴力和阴暗内容的漫画，是助长青少年犯罪和社会混乱的根源”。虽然事后的调查表明，魏斯曼博士的绝大部分论断都是缺乏事实根据的，但这本书的出版恰恰迎合了当时主流舆论对漫画业的广泛批评，因此立即得到了各界的支持和肯定。一时间，漫画成为了超级禁书，人们时常用谈论毒品的口吻来谈论漫画。
1954年4月，美国联邦参议院青少年犯罪调查委员会针对漫画对青少年的影响问题举行公开听证会，魏斯曼博士以证人的身份出席。他声称：漫画是玷污儿童纯真，引发少年犯罪的罪魁祸首，相对于漫画而言希特勒只是小儿科。“孩子们往往从四岁开始，就遭受到漫画的毒害。”他甚至要求马上禁止漫画的出售。
虽然，这次听证会没有能够形成一个明确的结论，但是参议院最终还是要求颁发一个检查标准，杜绝漫画中一切可能毒害青少年和败坏道德的内容。这其实就是在舆论上宣判了“黄金时代”的死刑。在参议院听证会后不久，漫画出版商们在1954年10月26日成立了“美国国内漫画杂志联合会”，并制定了“联合会内部检查标准”，还要求在此后出版的漫画封面上明确标明限制等级。
这无疑是一个对美国漫画业具有深远影响的事件。由于这个多少有些矫枉过正的标准，此前畅销的恐怖、警匪类漫画几乎绝迹；西部漫画中的牛仔们也不得不大幅收敛，肉搏和枪战的场面明显减少；甚至于搞笑动物漫画里的“暴力”举动也变得畏首畏尾。许多出版社和漫画刊物因为发行量的急剧下跌而破产，大多数职业漫画家迫于生计压力也不得不转行。当然，像《美国上尉》的作者乔·西蒙这类少女漫画作家，也因为超级英雄的缺席而一度走红。不过，从整体上看，美国漫画业还是因此而元气大伤，虽然日后有所恢复，但终究还是没能重振昔日雄风。
与美国漫画业一波三折的发展历程相比，同时期的美国动画业却始终保持着强劲的发展势头。而要回顾这段历史，就不能不提到沃尔特·迪斯尼和他的迪斯尼公司。
事实上，在沃尔特·迪斯尼之前，美国已经拥有了不少杰出的动画家，但是作为后来者的沃尔特却是真正促使美国动画业走向飞跃的人。因此，我们有足够理由认为“沃尔特·迪斯尼是动画史上的第一位大师”。
1923年，年仅22岁的沃尔特·迪斯尼告别了故乡堪萨斯，动身前往好莱坞寻求发展。那时的好莱坞是一片创业的热土，而此时的电影仍处在默片阶段，至于动画片也只不过是摆在电影开演前的助兴节目而已。在那里，他白手起家，以仅有的3200美元注册成立了“迪斯尼兄弟动画制作公司”。在沃尔特来到好莱坞的这一年，他完成了自己的第一部动画作品——由真人和动画人物合演的无声动画片《爱丽丝在卡通国》。
在好莱坞的最初几年中，迪斯尼和他的公司渐渐的站稳了脚跟，但是在1927年沃尔特遭受了他事业上的第一个沉重的打击。这年，他创作的第一个广受欢迎的卡通人物“幸运兔奥斯华”被发行公司用欺骗的手段夺走，公司因此几乎陷入绝境。恼火而无奈的迪斯尼踏上了返回故乡堪萨斯的列车。然而，正是在这次返乡的旅途中，沃尔特的头脑中出现了一只活泼可爱的小老鼠。后来，沃尔特的夫人给这个崭新的卡通形象取了个响亮的名字“Mickey Mouse”！这就是日后享誉世界，为各个国家的儿童所喜爱的卡通明星——米老鼠。
米老鼠的出现，固然为迪斯尼公司提供了一笔巨大的无形资产。然而，要使米奇和他的伙伴们成为人见人爱的超级明星，迪斯尼公司还必须有新颖的制作理念。而新理念的核心就是重视剧情的设计和不断创新。
在迪斯尼之前，动画片作为普通电影放映前的垫场节目，往往只看重视觉效果而不太注意故事情节的安排。迪斯尼的米老鼠系列则反其道而行之，在制作的初期就对作品的情节进行周密的安排，让短短七八分钟的小片子变得非常引人入胜，再加上制作精良的画面，迪斯尼的动画片一下子就甩掉了几乎所有的竞争对手。
除了先进的创作理念，对创新的敏感是迪斯尼的另一张王牌。20年代中后期，电影告别了默片时代，有声电影的出现引发了整个电影业的革命。沃尔特敏锐的察觉到了变革的来临，开始尝试制作有声动画片。1928年11月18日，作为电影史上的第一部音画同步的有声动画片，《汽船威利号》在纽约市的殖民大戏院隆重首映，并取得成功。到了1932年，迪斯尼又推出了第一部彩色动画片《花与树》（Flowers and Tree）。除了预料之中的轰动之外，它也为迪斯尼赢得了奥斯卡动画短片奖。五年后，即1937年，迪斯尼耗费数年时间精心打造的第一部全动画卡通剧情片《白雪公主》（Snow White and the Seven Dwarfs）上映。这是一部划时代的动画片，具有里程碑的意义。而且因为这部作品所取得的巨大商业成功，使得迪斯尼的制作计划开始向长片倾斜。紧接着，在1940年里，迪斯尼公司连续推出了《木偶奇遇记》和《幻想曲》两部动画长片。其中，《幻想曲》更是被视为现代动画片的经典之作，推出伊始便获得了广泛赞誉。在不断推出新作的同时，迪斯尼的卡通明星阵容也不断扩充，除了米老鼠之外，米妮（Minnie）、布鲁托（Pluto）、高菲（Goofy）和唐老鸭（Donald Duck）等新形象也陆续出现在了迪斯尼的动画片中。伴随着不断涌现的优秀作品和卡通明星，迪斯尼公司终于在40年代初确立了它在卡通帝国中的霸主地位。
对于整个美国动画业而言，迪斯尼的成功具有巨大的示范和推动作用。由于动画市场的扩展，许多新动画公司如雨后春笋般纷纷成立，此时的好莱坞已经是全美、乃至全世界动画业的中心了。凡·伯伦制片厂（Van Beuren Studio）就是这些新动画公司中的一员，在他的旗下同样聚集了一批优秀的青年动画家。在30年代后期，这家公司推出了著名的系列动画片《汤姆猫和杰瑞老鼠》（Tom and Jerry），并获得成功。另一家有影响的动画制作机构是华纳制片公司在1934年创立的动画部，主要作品包括：《猪豆子》(Porky and Beans)、《达菲鸭》（Daffy Duck）、《邦尼兔》（Bugs Bunny）等系列动画片。与迪斯尼的米老鼠一样，它们也都是尽人皆知的卡通明星。
然而，在迪斯尼辉煌的成功里，危机也在悄然孕育着。成立之初的迪斯尼公司，以艺术和创造为信条网罗了大批一流的动画人才。但是，随着公司的不断发展壮大，迪斯尼的艺术风格也逐渐趋于固定，迎合观众和市场的需求成为了节目制作的基础和前提。更重要的是，迪斯尼的员工越来越感到，公司的繁荣并没有给他们带来预期的收入增长，不满情绪开始在迪斯尼的内部蔓延。到了四十年代初，迪斯尼公司属下的动画家们开始筹备成立工会，希望以此来与公司高层对抗，争取提高报酬。可是，高层的态度似乎要比想象中的更为强硬，由此也引发了一场旷日持久的“口水战”。最终，许多公司的业务骨干负气出走，并合伙成立了“美国联合制片公司”（United Proctions of America，简称UPA）。
虽然经历了许多波折，但是沃尔特·迪斯尼和他的公司依然是那个时代无可辩驳的成功者。今天的迪斯尼已经成为了世界性的“娱乐王国”，这也从另一个角度上证明了沃尔特的理想和成功是超越时代的。
总而言之，在这一时期，无论是美国的漫画业还是动画业，都取得了长足的发展。值得注意的是，在这个发展过程中，围绕着卡通产品，美国的娱乐产业形成了一套完整的商业运作体系，实现了卡通自身发展的良性循环。而“美式卡通”也正是以此为基础，才得以实现它在全球范围内的扩展，成为了一股不容小视的文化力量。
F. 求一些国产动画
2005年1月1日起，国家广电总局正式实行优秀国产动画片推荐播出办法，湖北江通动画的《天上掉下猪八戒》、浙江中南集团的《天眼》、上海幻维数码的《色拉英语乐园》、广东安利伟影视的《反斗猫与俏皮狗》、江苏鸿鹰动画的《小小律师》、北京云祥文化的《虫虫》等九家企业成为该政策的第一批受惠者。
2005年国家广电总局核准83部国产动画片上市发行。从2005年至2006年一季度，广电总局推荐了50部优秀国产动画片，要求各级少儿频道、动画频道以及全国电视台各频道可优先安排播出。不难看出，国家对扶持动漫产业发展的坚定信心和铁腕手段已经初见成效。
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2005年度第四批优秀国产动画片推荐如下：
??? 1.《小虎还乡》（1－52集，每集22分钟），中央电视台青少中心动画部制作。该片通过一只被偷猎的小白虎经历无数的艰难险阻、终于回到自己家乡的故事，鲜明地塑造了一个机智勇敢、永不服输的动画形象。作品通过人与动物、人与人、人与自然的种种变化和冲突，展示出各个地域的特性以及各种动物群体的生活习性及生存状况，是一部兼具感情色彩和教育意义的动画片。
G. 喜欢我的女孩子问我叫什么名字的话我能不能说我是太乙真人
既然知道她是喜欢你的，就不应该奚落、玩笑人家。
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H. 《哪吒闹海》《天空之城》
《哪吒闹海》
中国经典动画-《哪吒闹海》这部(电影)从1926年的第一部中国动画片《大闹画室》到《大闹天宫》再到《哪吒闹海》,最伟大的中国卡通都源于“闹”源于对权威和生活秩序的反抗。《哪吒闹海》成全了众多人的神往:生于权贵之家,这部影视动同样取材于古典文学作品《哪吒》，莲花化身托塔天王李靖的三儿子很奇怪的孕育过程,怀孕三年出生四处惹祸,最后剔骨胳肉还给父母,师傅太乙真人用莲花给他重新复活
哪吒闹海》-影片简介
陈塘关总兵李靖的夫人怀胎三年零六个月后，生下一个肉球。忽然光芒四射，从中跳出一个男孩。李靖闷闷不乐，一位名叫太乙真人的道长却来贺喜，为孩儿取名哪吒，收为徒弟，当场赠他两件宝物：乾坤圈和浑天绫。哪吒七岁，天旱地裂，东海龙王滴水不降，还命夜叉去海边强抢童男童女。哪吒见义勇为，用乾坤圈打伤夜叉，又杀了前来增援的龙王之子敖丙。龙王去天宫告状，途中又被哪吒打得半死。于是，东海龙王请来三位兄弟，共商报复之计。第二天，四海龙王带领水兵水将兴风作浪，水淹陈塘关，要李靖交出哪吒才肯收兵。哪吒想要反击，遭到李靖的阻拦，并收去哪吒的两件法宝。哪吒为了全城百姓的安危，挺身而出，悲愤自刎......
《哪吒闹海》-影片评价
而到1983年王树忱拍摄《天书奇谭》时，则又完全换了另外一副心肠，《哪吒闹海》有悲壮色彩，造型美术都极其古典唯美，不乏瑰丽浪漫的幻想场面，而《天书奇谭》的气质则完全草根，想像天马行空，如在造型上面，年画，京剧，绍兴泥娃娃，凡是和民间文化有关的元素几乎都被信手拈来的借用，王树忱还是一位漫画家，他的漫画多用水墨，常从古典文化中选材，但往往立意诙谐，赋予漫画现代意义，《天书奇谭》很像王树忱漫画的电影版。这部电影严定宪没有再参与，严定宪设计的动作京剧功底很深，一举手一投足都充满了仪式般的美感，《哪吒闹海》中三头六臂的哪吒与四海龙王交战，其动作的繁复高难令人惊叹。而没有严定宪的《天书奇谭》，在动作设计上则出现了另外一种味道，没有过于严谨和形式感的动作，而是设计出极为夸张和幽默的动作来，特别是老和尚和小和尚的打斗，简直就是“功夫喜剧”，这正是王树忱的风格。
唯一与《哪吒闹海》类似的，是王树忱的改编剧本，电影改编自《平妖传》的部分情节，同样是一部《封神榜》般，想像力奇异，但并无甚人情味的小说，而王树忱的改编，使原来平面空洞的人物，变得真实难忘(毕克、丁建华等人的配音也功不可没)，使原本打来杀去的故事，变得生趣盈然，又不乏感染力。徐克一向以改编原著不拘一格著称，但他所改编的神怪小说《蜀山》系列，个人觉得比起王树忱对古典神怪小说的改编却远远不如。王树忱是个幽默的人，既使早期《过猴山》这样的小品，也是令人捧腹，然而他最后的作品却完全抛弃了与动画片密不可分的幽默元素，拍出了以水墨为技法，将中国文化物我同一，高山流水的情怀以影像再现于银幕的作品，充满了东方美学气韵的《山水情》。这部作品将“中国学派”的艺术性推到最高，获得上海国际动画电影奖大奖，三年后，仍抱有很多动画计划的王树忱导演去世，年仅60岁。
天空之城 动画相关评论
1、文明的困惑
——浅析《天空之城》
古希腊有一个神话：有一个巨人，他是大地的儿子。大地母亲赐予他无穷的力量，没有谁能够战胜他。但有一次，他的对手将他诱到空中去决斗，双脚离开了大地的巨人无法再从母亲那里获得力量，最终战败被杀。离开了大地母亲的怀抱，即便是神勇无比的巨人也会变得不堪一击。古希腊的先民们也许没有预想到他们那个时代里尚如婴儿般的人类文明会成长为今天巨人般的现代社会，但他们当年先知先觉般地试图通过神话留给后人的这个忠告，却在被人类遗忘了数千年之后，由一位东方人在这喧嚣的世界中用心灵聆听到，并用他那独特的、比神话故事更有震撼力的方式，向世人解读出来——这就是动画电影大师、日本著名导演宫崎骏和他的作品《天空之城》。
情节的设定
纵观宫崎骏的所有动画电影作品，不难发现“飞翔”是其永恒的主题。在本片中，他更是将舞台搬到了一座“空中楼阁”之上——天空之城拉普达。这是一座以反引力装置的飞行石为悬浮动力的空中城市。满怀强烈的社会意识和人文关怀的宫崎骏试图通过对文明失落的根本原因的追问，影射出人类文明的现存弊端，并对文明如何才能生存、发展的哲学命题进行探讨。而这一切，都是通过拉普达这座虚构的天空之城的兴衰来表现出来的。
在影片中，拉普达城出现时已是一座空无一人的废城。人们只能通过巨大的飞行石、不计其数的机器人、堆积如山的财宝来遥想其当年的繁盛。宫崎骏显然无意于着重向观众介绍拉普达文明产生与发展的过程。他仅仅是以这种曾经极度繁盛的文明的最终毁灭来强烈地震撼和冲击每位观众的心灵，从而对现代社会中的芸芸众生提出质问，并最终来思考人类文明应向何处发展的现实问题。
当然，宫崎骏不会像某些所谓的科幻片那样浅薄地将天空之城拉普达的文明归功于外星文明的教化或神秘力量的恩赐。他在观众通常不太注意的片头中，以短暂的几十秒钟时间，用几组画面向观众简单而有序地展示了这个神秘文明的演化过程：
风之女神微笑着俯视大地，她轻缓地吹着一阵阵和风，吹散了云层，也吹散了拉普达人心头的蒙昧。于是，在一望无垠的草原上，拉普达人架起了第一架简陋的风车。继而风车进化了，它有了高耸的塔楼作躯干，无数的齿轮和杠杆作肢体。接着，拉普达人的采矿机不停地向地下深入挖掘。在地面上，绿色的草原消失了，取而代之的是庞大的工厂和不停地冒出滚滚浓烟的烟囱。同时，拉普达人也没有停止向天空进军的脚步。由单个的简单的飞艇到配有先进动力源的飞行舰队；由靠无数螺旋桨才能缓慢升空的形如航空母舰的“空中母艇”，到只需底部的一个大螺旋桨就能悬浮于云端的空中城市；直至配备有反引力装置飞行石的天空之城拉普达。而这些翻天覆地的变化，在风之女神的眼中，仅仅是微不足道的一瞬间。接下来，伴随着乌云和闪电，一艘庞大的飞行器从天空之城飘降地面。从那里走出成群结队的人们，投入到大地的怀抱中。风之女神依旧含笑地关注着这一切，依旧用柔风轻抚着大地。最后一个画面中，在广袤的绿色草原上，又出现了一架简陋的风车，旁边站着一个提着竹篮的小女孩——希达。和风缓缓地拨动着风车，也轻轻地舞动着希达的衣裙。一切有如一幅静谧、祥和、自然的铜版画。翻开这恬美的扉页，跌宕起伏的故事情节随即展开。片头中留给观众的那些悬念也随之被慢慢解开。
整部影片讲述的是主人公少女希达和少年巴斯以及海盗、军队、穆斯卡等三股势力寻找天空之城拉普达的历险记。在情节上分别以现实的和历史上的拉普达文明为明暗两条线索，并利用两者的交错来推动情节的演进。下面让我们跳出影片情节的先后顺序，而按照时间的流程来重新审视一下故事的来龙去脉。
很久以前，拉普达人经过漫长的历史发展之后，拥有了高度的智慧和文明。他们从埋藏于大地深处的矿石中提炼出飞行石的结晶体，建造了天空之城拉普达。七百年前，拉普达人离开天空之城返回大地，并散居于大地上的各个角落里过着平静的生活。时光飞逝，希达作为现在的拉普达公主，从母亲那里继承了王室世代相传的飞行石，同时也铭记下了能唤醒飞行石魔力的咒语。虽然希达一族对远世的繁华早已淡漠，但拉普达王室另一族的后裔——穆斯卡却是野心勃勃，他一直企图重返天空之城，并利用其统治世界。而在这七百年间，大地上人类的文明也在飞速发展。随着飞行技术的成熟发展，人类不断地寻找着传说中的天空之城。有人还曾经亲眼目睹过这座神秘之城，巴鲁的父亲就是其中一位。某一天，从天而降的一个拉普达机器人，更是证实了天空之城的存在，坚定了人类寻觅它的信念。尤其是在机器人身上所体现出的尖端智能，更是地面上的人类所无法企及的。于是，政府出动了大批军队，还派遣了一个由穆斯卡领导的类似克格勃式的神秘组织一起来寻找天空之城拉普达。与此同时，一群垂涎于拉普达财宝的海盗也在行动。最终，为了不让穆斯卡的野心得逞，希达和巴斯一起念出了毁灭之咒，天空之城的科技、财富和武器等所有拉普达文明的痕迹统统化为灰烬，只剩下一棵大树载着拉普达城的残骸永远地消失于天际。
思考的轨迹
在对全片的时间脉络进行了梳理之后，我们不难发现宫崎骏的思考主要集中在两个时间点上。
第一个时间点即七百年前，宫崎骏提出了这样一个问题：拉普达人为何要放弃已有的繁华和强盛而重返大地？
从影片中，我们可以看到天空之城上的建筑只是由于年代久远而显得古旧，一点也看不出遭受人为侵略或被自然灾害破坏的败落。无尽的财宝完好地封存于仓库中，根本没有遭遇洗劫的迹象。成百上千威力惊人的机器人沉睡于类似蛋壳的装置中，毫无曾经战斗过的伤痕。由此可见，拉普达人离开天空之城的原因并非是遭到其他文明的攻击或者内部战争，也不是因为自然因素的侵袭，更不是由于自身财富或能源的耗尽和枯竭。也就是说，拉普达人根本不是被迫地背井离乡，那么只剩下一种可能：他们自觉自愿地选择了放弃一切而回归大地。由此我们会进一步思考：拉普达人为何会心甘情愿地舍弃天空之城，而脚踏实地地去过那种原始、简单却平静、恬适的生活呢？
显然是因为拉普达人察觉到了表面的繁盛下所潜伏着的危机。正如希达最后对穆斯卡所说的那样——无论拥有多么可怕的武器、拥有多少恐怖的机器人，离开了大地的泥土，拉普达文明的生命之树就不能够生存。
也许，当拉普达人终于使自己的城堡浮上天空，使大树之根游离于土壤的时候，他们还沾沾自喜于自己扭转乾坤的力量，还沉醉于飞翔于云端的快乐，还洋洋自得于对自然的控制和对大地的俯视。不过，当天空之城越飞越高，自身文明越来越发达的时候，他们终于通过不断的自省，悟到了自己的文明只有在代表着自然的大树的荫护下才能生存发展，正是大自然给了拉普达文明以生命力。于是，他们毅然放弃了那些现代人类梦寐以求的东西，褪去了拉普达文明浮华的外衣，让它如初生的婴儿一样，以最本真的状态重新投入到大自然母亲的怀抱中。
这种回归从表面上看起来似乎意味着一种文明的倒退或者说是消亡，但就其本质而言，却是文明进步的一种标志。因为它表明拉普达文明在对世界的认识以及对人与自然关系的理解上得到了进一步的深化，从而也证明拉普达文明自身在文明程度上达到了一个更高的层次。进而我们可以说，拉普达文明正是在拉普达人于七百年前集体回归于大地、回归于自然的行为中得到了升华。
第二个时间点即希达和巴斯一起念出毁灭之咒的一瞬，拉普达人封存在天空之城里的，那些在现代社会中被普遍用来判断一种文明是否先进是否强大的东西，最终还是灰飞烟灭般地消失于天空。还有那个看似坚不可摧的黑色半球体也崩溃、瓦解得如此迅速。此时，宫崎骏又提出一个问题：是什么力量如此强大，如此可怕呢？
表面上看起来当然是希达的一句咒语，但实际上却是无尽的贪婪、欲望和野心——这才是毁灭天空之城的真正元凶，也是导致一种文明归于消亡的根本原因。
如果将文明比作人体，那么贪欲并不是破坏其生理机能的病毒，而是直接操纵其精神和思想的恶魔。它会将文明的躯体——科技、财富和武器的效用向邪恶的方向发挥到极致并以之去破坏一切直至自我毁灭。
当天空之城已经处于野心家穆斯卡的控制之下的时候，当大地上的生命都在“天火”武器系统的炮口下战栗的时候，拉普达文明的毁灭已成定局。这样先进、发达的文明都无法摆脱被贪欲控制的命运，最终甚至不得不以自我毁灭来做最后的反抗，如此的结局实在是令人感到可惜、可叹、可悲。
即使没有穆斯卡，随着飞行技术的不断提高，人类最终也会寻找到天空之城拉普达，并会在贪欲的驱使下利用被封存于其中的东西来进一步“统治”自然，甚至自相残杀。到那时，拉普达的文明还是在劫难逃，而人类的文明也势必葬送在自己手中。
综上我们可以看出，在本片中，宫崎骏的思考是分为两个层次的：在第一个层次中，宫崎骏认为文明与自然的关系，就如同树木与泥土的关系一样。如果不植根于大地的泥土，即使是参天大树也无法存活。同样，妄图脱离自然、控制自然、凌驾于自然之上的文明也一样无法生存。只有“植根厚土，沐浴清风，和种子一起过冬，和鸟儿一起歌唱”，文明之树才能枝繁叶茂，四季常青。在第二个层次中，宫崎骏认为如果说自然会赐予文明以生命力的话，那么贪欲则会夺取文明的生命力直至彻底毁灭文明。
尤其值得注意的是，以上这两个层次的思考并不是一种平行的关系，而是交织于影片之中，并最终为人类文明的发展问题贡献了一条真知灼见、一剂苦口良药——只有融合于自然，并能抵御住贪欲侵蚀的文明才能不断进步以至永存。应该说，正是这种结合人类自身现实命运的人文思考，形成了宫崎骏动画电影作品永恒的魅力。
未解的难题
如果沿着宫崎骏的思路对拉普达文明的得失与兴衰做更进一步的深层次分析，我们会发现影片中仍留下两点悬疑令所有的观众一起去思索：
其一，如前所述，拉普达人的回归行为是拉普达文明进步的一种标志。但这是一种认知和精神层面上的进步，并且拉普达人获得的这种进步是以现实和物质层面上的牺牲为代价的。有没有可能找到一条可以实现精神层面与现实物质层面相并举的进步之路呢？追求高度发达的物质文明与追求融合于自然的生存状态，一定是“鱼与熊掌不可兼得”吗？人为的科技能否完美地融合于原生的自然呢？
拉普达人回归大地后虽然过着安适恬淡的生活，但是同时也必然要忍受繁重、辛苦的劳动。我们不禁会想，以拉普达人的聪明才智，能否改造几个机器人让它们去“晨兴理荒秽，带月荷锄归”，而自己悠哉游哉地“采菊东篱下，悠然见南山”呢？ 其二，拉普达文明毁灭了，但“贪欲”这个罪魁祸首并没有随着天空之城的崩溃而消失。相反，它正以胜利者的姿态狞笑着，而它的魔爪下一个伸向的也许就是我们人类的文明。宫崎骏通过在影片中对现实世界林林总总的影射，来反映他内心对于人类文明前景的忧虑。天空之城拉普达的文明本身就可以说是人类历史上许多曾经辉煌但现已消亡的文明的缩影。看到那座浮于天际的城市，人们很容易就会联想到古巴比伦的空中花园、已化为流星的“和平号”以及人类正在建设中的国际空间站……细心的观众还不难发现，影片中出现的巨型空中战舰，是以第一次世界大战中德国用以空袭英国的“齐柏林”式飞艇为原型的；军队中那个大腹便便的将军，胸前挂着的也正是德意志第三帝国的纳粹铁十字勋章；拉普达在穆斯卡的控制下所发出的“天火”，与广岛原子弹爆炸时的蘑菇云无甚区别；而被穆斯卡控制后高悬于大地上的已伸出武器的半球体，不是正好象征着从东西方冷战开始至今一直悬于人类头顶的大规模杀伤性武器的达摩克利斯之剑吗？
拉普达文明在贪婪、欲望和野心面前所表现出的无力、无助和无奈已经为我们提出了振聋发聩的警示，而现实世界中的这一切，却似乎表明人类仍在执迷不悟地、一步步重蹈着拉普达文明的覆辙。那么人类究竟能不能迷途知返、悬崖勒马呢？人类凭自己的努力，到底有没有可能探寻出另一条全新的发展道路，以避免悲剧的重演呢？
对于上述这些决定着人类自身文明的兴衰、存亡的问题，宫崎骏并没有在本片中给出答案。也许他也无法给出答案，因为这些问题必须汇聚全人类的智慧去思考。在本片中，宫崎骏通过清晰鲜明、栩栩如生的人物形象，悬念迭生、扣人心弦的故事情节，天马行空、经天纬地的虚构想像，将动画电影天然的娱乐性与闪耀着智慧光芒的思想性完美地结合在一起，深深地感动了无数观众，同时也必然引发观众对人类文明的关注、反省和思考。而照亮人类文明前景的火炬，也许将由这些受到感动和启发的观众的脑海中划过的一簇簇星星之火所点燃。从这个角度来说，宫崎骏既是一名卓越的电影导演，更是一位人类思想的先行者。
尤其需要指出的是，《天空之城》作为吉卜力工作室的开山之作，宫崎骏一人在其中兼任了原作、脚本、导演和角色设定四项重任，从而使得这部作品从头至尾注入了纯粹的宫崎骏理念，而成为他的代表作品之一。因此，这部作品所获得的热烈好评和巨大成功，不仅为吉卜力工作室的事业发展赢得了良好的开局，也对宫崎骏日后的作品产生了深远的影响。而其中作为思考的主线，贯穿于宫崎骏此后创作生涯的，正是本片中所提出的两个斯芬克斯之谜般的未解难题。
2、作品中寓含神话结构
在导演宫崎骏的构想里，天空之城并不是围绕着空心的浮岛，虽然飞行石供给天空之城的能源，却不是唯一的核心所在，真正撑起天空之城的是“树”，是那根参天巨树，令人印象深刻！这棵树使我想到神话结构的问题。为什么是树？而不用其它的东西？天空之城究竟是靠什么样的系统在维持，这个问题必须回到古老的农耕文化与狩猎文化／畜牧文化诸民族的世界观来探讨。
不管是父系社会也好，母系社会也好，农耕文化的世界观，有一套公式可循，那就是“大地－肉体－灵魂－生与死”，由这些来形成世界的图像，进而内化到人们的心中，就好象中国以五行来看待万物消长，而人的身体五脏六腑也以五行来说明内部的运作与调和；灵魂离开了身体，必须入土为安。在这个秩序里，大地占了极重要的角色，就好象希腊神话里的大地之母盖娅是孕育万物的女神，而中国的女娲，也是以泥土造人，以泥土补天。万物皆植根于大地，就好象希达面对穆斯卡最后说的“如谷之歌，与风共舞，与种子过冬，与鸟共鸣，无论多么可怕的武器，无论拥有多么可怕的机械兵，人一旦离开泥土就活不下”。
然而狩猎文化／畜牧文化滋养的民族，他们基本的自然－世界观，又是如何呢？以本来的素材〈森林－海洋－天空以及星辰－动物－力量〉建构的公式，更扩大了农耕文化的视野。如果我们把世界观和神话摆在一起，就会发现它们的一致性，神话与其被创造出来的环境是息息相关的。宫崎骏在动画影片中也展现他的神话观，从《风之谷》、《天空之城》、《幽灵公主》、《千与千寻》，一路走来，不变的是以“树”撑起的神话结构。
像是《风之谷》因为人类的污染，造成“腐海”的蔓延，森林的功能在于净化，以确保地下水源不被污染；像是《龙猫》里孩子们和胖胖的龙猫，在夏天的夜晚，种橡树，只要心里想着会长高，树彷佛吹汽球一样膨胀，快速地发芽、茁长，在孩子的心里埋下种子，树成为人格教育的隐喻，如同中国人所说的“十年树木，百年树人”；像是《幽灵公主》扣紧毁灭性武器禁绝后，人类文明的再生与发展的母题，而森林里住着野猪（山神），麒麟（又名四不像，介于人与神之间的圣兽，其形体时有变化，神出鬼没，掌管万物的生命）当人们任意地开采自然资源时，对环境造成了严重的破坏，为了生存就要砍伐森林，而森林的消失令动物无栖身之处（像是亚马逊的热带雨林正面临相同的处境，为了生存，当地原住民必须烧林以辟田耕作）。影片到了最后，则是以麒麟之死来交换自然环境的恢复，着实令人感到悲哀；像是《千与千寻》最终前往沼底的电车，来到了犹如《龙猫》片中出现的乡间森林，也暗寓着日本必须重新回到过去的农业社会来思考资源过度浪费以及社会价值迷失的课题，无言的森林传达了“回归”的命题。还记得，千寻的爸爸也是开车在森林里迷路的，失去的东西，却等到拜访了住在森林里的钱婆婆才找回来。到了结尾，千寻和爸妈穿过车站的隧道，开车走出森林，故事始于森林也终于森林，这是善的循环，这也是轮回。
3、转生之章
★照叶林文化论
如果看过宫崎骏早期的画风与题材，可以发现到他的画风与后来的动画电影有显著的不同。几部长篇动画片拍摄下来，走出了另一个崭新的视野。宫崎骏面临一个思考上的大转变，是1970年代后半的事，当时他接触了植物学者中尾佐助所主张的“照叶林文化论”。
远古的地球，从喜马拉雅山麓一直绵延至日本，常绿的照叶树林呈带状分布，生长得十分茂密，在这个范围内的，各地以森林为根据地发展出来的文化，食衣住行的传统有着许多共通点，可以视为相同的文化圈。另外，照叶树林只生长在温暖潮湿地带，再生力特别强，因此即使人为加以破坏，隔了几十年又能恢复原本的面貌，即使是属于先进国家的日本，照叶树林仍能宽容地面对自然环境的破坏。这个理论的重心摆在不论是国家或是民族，原生植物的属性决定人类的文化。
这样的观点，为宫崎骏的思想注入了一股新鲜的活力，他发现原来自己对于暗郁的森林以及日本的绳文文化有着憧憬，好象找到了寻觅已久的水源。对于祖国的历史、与政治、经济体制，他的看法比较偏向左派，反而对于中亚、东欧、欧洲诸国有着浓厚的兴趣，从动画片中故事发生的地点和背景就可以看得出来。但是，当他确立了“把世界观和森林连系在一起的子民＝日本人”这套逻辑之后。他开始在自己的作品中融入日本的风土以及照叶树林的特色。
面对被独裁者、军火商和资源大量消耗的世界，唯一的做法就是采取一种反其道而行的态度，世界的秩序终会被大自然的力量平衡过来，新闻所见的天灾仅仅是大自然反扑的一种手段，目的在调整生态环境达致新的和谐状态。宫崎骏作品的主题在进入1980年代以后，踏进了复杂难解的思想领域。不再只是围绕着冒险故事打转，也希望在其中表达对人与自然互动的课题。这时候，宫崎骏作品是以“照叶林文化论”为核心，开始朝植物学、考古学、民俗学探索，只是他始终不愿被定位，仍持续寻找新的可能。
★人与土地共生
《天空之城》的片尾，抱着必死的决心要拯救希达的巴斯，最后两人被天空之城仅存的大树树根所救，暗示着财宝与武器争夺战的外部，应该还有人与自然环境和谐共存的世界——“人与土地共生”的主旨昭然若揭。虽然并没有详细说明，未来“人与土地共生”将会是什么样的形态？但是从天空之城美好的空中花园，我们彷佛看见宫崎骏心中对于美好的未来透视图，从《风之谷》的残破荒芜又倒退，回到他早期的作品《未来少年柯南》的时代，即使是高科技的帝国，还是被生命力强劲的大树所寄生，整个城堡中到处都是蔓生的植物，犹如原始森林一样。暗喻着文明破灭之后，人们依然可以找到新天新地，追寻自己的伊甸园，让后代子孙能延续下去。就好象身为公主的希达，虽然眼睁睁看着祖辈的基业在瞬间瓦解，但是她澄澈的瞳孔中依然闪耀着希望之光。
从作品中，可以看出毁灭性武器如原子弹、核武的威胁，以及独裁者的嘴脸，甚至也预言了如果发动毁灭性武器，世界将藉由人类的手消灭，这部作品公开放映于1986年，当时各国仍在进行军备扩张的竞赛，也是冷战结构将要彻底崩坏的前三年，1989年柏林围墙倒了，东西德宣布合并，苏联共产体制瓦解，冷战时代正式结束，进入了后冷战时代。宫崎骏的先知先觉，开启了世纪末对于未来的美好憧憬，确实有激励人心的作用，即使单纯地把它当作一个故事来看，也能够领会故事的背后，是一个人心所向往的桃花源。
4、冒险故事现代版
回到孩子们最喜欢的冒险故事，我们看到了巴斯和希达两人互相扶持，彼此搭救对方，彷佛受到命运的主使，但是他们两人毅然决然地接受了这个命运，也没有逃避也没有放弃，当希达为阻止穆斯卡企图用飞行石及机器士兵来称霸全世界，而念出毁灭的亚语“巴鲁斯”！，整个“拉普达”旋即崩溃，好象解开了千年的咒缚似的，被王宫繁茂的大树保护的两人，即使没有了手中的飞行石也丝毫不以为意，纵身跳下原先停在天空之城的飞行器与海盗们会合，这时候男女主角的表情和从前的冒险故事有着极大的转变。现代版的冒险故事，并不是找到宝藏或是打倒坏人，故事就这样结束，一场追寻自我，最后肯定自我的冒险之旅才是宫崎骏作品中所传达的讯息。
天空之城不只有活在记忆里，只能在考古的素材中翻寻，看完这部片，我相信还有许许多多的天空之城，飘浮在未来的时空，向我们招手，也许下一个科幻版的天空之城，从你的手中浮现也说不定？
I. 92年以后电视上上演的动画片
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80后经典怀旧动画片主题曲串烧
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